Рона

http://www.peoples.ru/art/painter/dali/photo0_2.html

В Каталонии гордятся так называемым туристическим треугольником Сальвадора Дали, объединяющим знаменитый театр-музей в Фигейрасе, замок в Пуболе и дом в Порт Лигате. Внимание туристов приковывают коллизии жизни и неукротимой фантазии художника, отразившегося в интерьерах его жилищ. Сальвадор Дали (1904-1989) называл себя высочайшим гением своего времени и божественным Сальвадором Воды залива плещутся всего в нескольких шагах от входа в дом Жизнь и творчество Сальвадора Филиппа Яхинто Дали причудливо сплелись в единое мистическое целое, как еще одно произведение художника. Достаточно взгляда на театр-музей в Фигейрасе, родном городе Дали, средневековый замок Пуболь, расположенный в 40 километрах от Фигейраса и подаренный любимой жене Гала, или летнюю резиденцию в 35 километрах от Фигейраса, у залива Порт Лигат, чтобы понять — здесь жил человек с непревзойденным воображением. Сюжеты, переходящие из одной картины Дали в другую и раскрывающие мир его личных переживаний, присутствуют и в оформлении жилищ гения. Например яйцо, служащее, согласно мифологии Дали, символом жизни. Огромные каменные яйца установлены на крышах домов в Фигейрасе и Порт Лигате. Дом в Порт Лигате, единственное постоянное место жительства Дали, своего рода его тихая счастливая гавань, заслуживает особого упоминания. Именно этот пейзаж — серо-зеленый цвет земли, оливковых деревьев, примитивных сельских сооружений, скалистого побережья и воды небольшого залива — стал темой его полотен. В 1930 году Дали и Гала покупают в Порт Лигате две рыбацких хижины, живя здесь по 6–7 месяцев в году. Спустя 12 лет, вернувшись после долгого отсутствия из США, художник и его муза решают поселиться здесь надолго. Они приобретают еще несколько домиков рыбаков, соединяя их коридорами и лестницами. Сооружение постоянно росло, словно приспосабливаясь к жизненным и творческим потребностям владельца. В результате получилось нечто вроде запутанного лабиринта, где проходы весьма извилисты и могут завести в самый настоящий тупик. Кроме того, в помещениях меняется даже высота пола. Уголки дома условно можно разделить на три группы: приватные — библиотека, столовая, спальня, гостиные; рабочие, связанные с творчеством, — большой зал и так называемая комната моделей; и отведенные Дали под «общественную деятельность» — патио, бассейн. Здесь находится первая в Испании телефонная кабина, откуда Дали предлагал звонить посетителям, несмотря на то что она не была подключена. Развешаны фотографии, где чета Дали снята с генералиссимусом Франко, Далай-ламой, иконы, напоминающие Гала о родине, оригинальная коллекция усов, наконец картины самого хозяина. Комнаты украшены тем, что было особенно дорого художнику и собралось за всю его кочевую жизнь — фрагменты старой мебели, засушенные растения. Бассейн, исполненный в форме фонтанов знаменитой Альгамбры, окружают объекты в духе любимого хозяином поп-арта: рекламные щиты шин Pirelli и пузатые фигурки фирменного знака Michelin. http://www.houses.ru/osob/arhiv/2006/7/dali

http://video.yandex.ru/users/pugachev-alexander/view/896/ , аманда лир, документальное кино, сальвадор дали, федерико гарсиа лорка Сальвадор Дали - Жизнь Без Правил (Full) Телевизионный документальный фильм приурочен к 100-летию самого скандального художника-сюрреалиста Сальвадора Дали. Фильм подробно рассказывает о неожиданных сторонах жизни самого порочного гения 20 века: об истинных взаимоотношениях с Федерико Гарсиа Лоркой, о страстной любви Сальвадора Дали к своей русской жене Гала, любви, которая в конце их жизни превратилась в глубокую ненависть, о гении коммерсанта и промоутера своего собственного искусства, граничащего с алчностью и скандальностью, о мучительных внутренних комплексах Дали, которые художник так и не переборол до конца своей жизни. Это, пожалуй, самый откровенный фильм-биография об эпатажном и гениальном художнике. О своих взаимоотношениях с Дали рассказывает его близкая подруга, певица, кумир поп-музыки 80-х, Аманда Лир. В фильме также принимают участие: Фернандес Монтесинос Лорка – племянник Федерико Гарсиа Лорки, Эулалия Бас и Дали – племянница Сальвадора Дали, Ян Гибсон – биограф Сальвадора Дали, Карлос Рохас – профессор университета Атланты, исследователь жизни и творчества Гарсиа Лорки и Дали, Кати Тилет – подруга семьи Дали.

http://smallbay.ru/dali.html http://starat.narod.ru/pictures/dali/mix6/main.htm http://starat.narod.ru/pictures/dali/main.htm http://video.privet.ru/user/chandra/38483438 http://daliworld.narod.ru/pred_1/1.htm

http://www.liveinternet.ru/users/1260682/post70895264/play

12 июля исполнилось 90 лет одной забытой свадьбе. Среди гостей на этой свадьбе были Гийом Аполлинер, Жан Кокто, Сергей Дягилев, Анри Матисс, Гертруда Стайн. Как звали жениха и невесту? Я влезла,вы вопрос не задаёте

http://www.artrussia.ru/pic_d/d203_400.jpg

Ольга Хохлова Olga Hohlova ( 17.06.1891 года - 11.02.1955 года ) Россия (russia) 12 июля 1918 года в мэрии 7-го парижского округа прошла церемония бракосочетания Пабло Пикассо и Ольги Хохловой. Оттуда они отправились в русский собор Александра Невского на улице Дарю, где состоялось венчание. Пикассо был убежден, что женится на всю жизнь... "Ольга Хохлова - мадам Пикассо" http://www.peoples.ru/love/hohlova-picasso/

http://www.smallbay.ru/picasso.html

http://www.nearyou.ru/100kartin/100karrt_95.html http://www.liveinternet.ru/users/1260682/post72748513/play

Пабло Руис Пикассо (1881, Малага - 1973, Мужен) испанский художник. Образование. Барселона. Многие исследователи стремятся объяснить стилистическое непостоянство художника его генами, приписывая его матери еврейское происхождение; однако семья Пикассо была самой что ни есть испанской и даже андалузской и принадлежала к среде провинциальной мелкой буржуазии. Отец художника, Хосе Руис Бласко (Пикассо - это фамилия матери художника), был живописцем средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, затем в лицее в Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891, и, наконец, в Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился Пабло. Именно здесь начинается его настоящее художественное образование, несмотря на пребывание в течение нескольких месяцев (зима 1897-1898) в академическом Мадриде, где он, впрочем, ничему особенно не научился, поскольку его мастерство в этой области проявилось еще раньше ("Мужчина в фуражке", 1895). Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним воздействиям: Ар Нуво, искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма в целом, и в гораздо меньшей степени - импрессионизма и французской живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, влияние которых вскоре проявилось и в творчестве Пикассо ("Танцовщица", 1901, Барселона, музей Пикассо). Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе "Четыре кота", заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Эта провинциальная и романтическая интеллигенция была глубоко пронизана социальными интересами и отличалась настоящей необузданностью анархических кругов. Пикассо, казалось, сильно переживал нищету и духовное убожество проституток и пьяниц, завсегдатаев кабаре и домов свиданий Баррио Чино; в них Пикассо нашел основные черты своих персонажей и темы будущего "голубого" периода (1901-1905). Первые поездки в Париж. "Голубой" и "розовый" периоды. В 1900 Пикассо впервые побывал в Париже, где он сдружился с Исидро Ноньелем, наиболее близким ему каталонским художником, но оказавшим на него гораздо меньшее влияние, чем этого хотят некоторые испанские исследователи. Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902, и окончательно в 1904. Несмотря на парижскую тональность некоторых картин того времени ("Любительница абсента", 1901, СанктПетербург, Гос. Эрмитаж), искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский характер. Талантливый молодой живописец в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена ("Жизнь", 1903, Кливленд, музей), Каррьера ("Мать и дитя", 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов ("Облокотившийся Арлекин", 1901, частное собрание), а также греческого искусства ("Водопой", сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций ("Старый гитарист", 1903, Чикаго, Художественный институт; "Портреты госпожи Каналье", 1905, Барселона, музей Пикассо). После произведений "голубого" периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди ("Гладильщица", 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма; "Скудная трапеза", офорт, 1904), картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг ("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, музей; "Девочка на шаре", Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; "Семейство комедиантов", Вашингтон, Нац. гал.). Накануне кубизма. Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный характер, остается безразличной к чисто пластическим проблемам, и художник, кажется, почти не проявляет интереса к поискам современной живописи. С 1905, и, вероятно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых скульптурных работах ("Шут", 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода ("Мальчик, ведущий лошадь", Нью-Йорк, Музей современного искусства). Но отказ от декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к "примитивизму", чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении всей своей творческой карьеры. По возвращении Пикассо завершает портрет Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над "Авиньонскими девицами" (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной очень сложной, в которой сочетаются различные влияния - Сезанна, испанской скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник отрицал это) одним из основных источников кубизма ("Танец с покрывалами", 1907, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Кубизм. В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", лето 1909, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы ("Портрет Фернанда Оливье", 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том. чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский штрифт, элементы "обманок" и грубые материалы - обои, куски газет, спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти произвольно ("Гитара и скрипка", 1913, Филадельфия, Музей искусства, собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 ("Портрет девушки", 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 ("Три музыканта", 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). После войны. Возращение к предметной живописи. В 1917 Жан Кокто уговаривает Пикассо поехать с ним в Рим для исполнения декораций к балету "Парад" на музыку Эрика Сати для Сергея Дягилева. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами (декорации и костюмы для "Треуголки", 1919) воскрешает в нем интерес к декоративизму и возвращает его к персонажам своих ранних работ ("Арлекин", 1913, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). "Пассеистический по замыслу", как говорил Лев Бакст, занавес для "Парада" отмечает возникший еще в 1915 ("Портрет Воллара", рисунок) возврат к реалистическому искусству, к изящному и тщательному рисунку, часто "энгристскому", к монументальности форм, навеянной античным искусством ("Три женщины у источника", 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Это выражается то с оттенком народной грубоватости ("Флейта Пана", 1923, Париж, музей Пикассо), то в своего рода буффонаде ("Две женщины на пляже", 1922, там же). Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на буржуазной Ольге Хохловой, успех художника в обществе - все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты ("Мандолина и гитара", 1924, НьюЙорк, музей Соломона Гуггенхейма). Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные "помпейским" стилем ("Женщина в белом", 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), многочисленные портреты жены ("Портрет Ольги", пастель, 1923, частное собрание) и сына ("Поль в костюме Пьеро", Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, когдалибо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. В этих работах впервые обнаруживается настроение, которое проявилось с особой силой уже позже и которое было присуще многим художникам, и в частности Стравинскому, в период между двумя войнами: интерес к стилям прошлого, ставшим культурным "архивом", и необыкновенная виртуозность в их переложении на современный язык. Контакты с сюрреализмом. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х ("Танец", Лондон, гал. Тейт) мы попадаем в атмосферу конвульсий и истерии, в ирреальный мир гал^ люцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, влиянием несомненным и сознательным, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ ("Сидящая купальщица", 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих ("Женщина в кресле", 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных ("Купальщица", рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы ("Фигуры на берегу моря", 1931, Париж, музей Пикассо). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период ("Девушка перед зеркалом", 1932, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой, или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность ("Зеркало", 1932, частное собрание). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 в замке Буажелу, который он приобрел в 1930. В 1930-1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса ("Лежащая женщина", 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма ("Мужчина с букетом", 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса - "Конструкция", 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к "Метаморфозам" Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Минотавр и "Герника". Тема быков возникает в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр, исполненных в 1935 ("Минотавромахия"). Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему "Герники", самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького басского городка и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо; до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил это прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность ("Рыбная ловля ночью на Антибах", 1939, Нью-Йорк, Музей современного искусства), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов ("Майя и ее кукла", 1938, Париж, музей Пикассо). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них - Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами ("Плачущая женщина", 1937, Лондон, бывшее собрание Пенроуз). Никогда еще женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы ("Утренняя серенада", 1942, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры ("Человек с агнцем"), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи ("Натюрморт с бычьим черепом", 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный РейнВестфалия). После освобождения. Картина "Бойня" (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) - последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью 1944 он публично заявляет о своем вступлении в коммунистическую партию, но кажется, не проникается ее идеями настолько, чтобы выражать их в своих крупных исторических произведениях, чего, вероятно, ждали от него его политические товарищи ("Резня в Корее", 1951, Париж, музей Пикассо). Голубь, изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), оказался, вероятно, наиболее действенным проявлением политических убеждений художника. Кроме того, эта работа способствовала тому, что он стал легендарной, всемирно известной личностью. Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных семейных картин, мощных и очаровательных. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Он живет в Валлорисе (1948), затем в Каннах (1955), покупает в 1958 замок Вовенарг и в 1961 уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо ("Радость жизни"). Но особенно сильны в этот период отказ от декоративного пыла и поиски новых выразительных средств. Все это проявилось в многочисленных литографиях (ок. 200 больших листов, ноябрь 1945 - апрель 1949), плакатах, ксилографиях и линогравюрах, керамике и скульптуре. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике "Мадура" в Валлорисе; увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных ("Кентавр", 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры ("Беременная женщина", 1950). Некоторые из них ("Коза", 1950; "Обезьяна с малышом", 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954; в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1954 он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству ("Мастерская в Каннах", 1956, Париж, музей Пикассо). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения ("Портрет художника, в подражание Эль Греко", 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Базель, Художественный музей); "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955); "Менины. По Веласкесу" (1957); "Завтрак на траве. По Мане" (1960). Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили свое завершение в действительно превосходной картине ("Менины", 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику, который в 1970 преподнес в дар городу свои работы. В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, - более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). http://tfile.ru/forum/viewtopic.php?t=203814 BBC: Сила искусства. Часть 2. Пикассо, Бернини (2xDVD5) / BBC: Power of Art. Part 2. Picasso, Bernini (2xDVD5) Перевод: Профессиональный (одноголосый), cубтитры: есть Формат: DVD5, DVD Video, MPEG2, AC3 Страна: Великобритания Режиссер: Симон Шама Жанр: Документальный фильм Продолжительность: 50:56 + 50:38 Год выпуска: 2006 Описание: Пикассо. "Герника" (1937) Для гениального художника Пабло Пикассо главное условие современного искусства состояло в том, чтобы отделить себя от политики и истории. Однако зверство и жестокость военных, которые разбомбили древний баскский город Гернику, не могло оставить его равнодушным и не могло не отразиться на его творчестве. Пикассо создает шедевр, в котором отражает мучительную судьбу своей страны, творит современную историю живописи. Бернири. "Экстаз Св. Терезы" (1652)

ПРОЖИТЬ ЖИЗНЬ С ПИКАССО / Surviving Picassohttp://img.tfile.ru/img/2008_03/i47e8b5627073a.jpg Страна: США Режиссер: Джеймс Айвори Жанр: Мелодрама, драма, биография Продолжительность: 02:00:30 Год выпуска: 1996 Перевод: Профессиональный (полное дублирование) В ролях: Энтони Хопкинс, Наташа МакЭлхоун, Джулианна Мур, Джос Экланд, Дэннис Бутсикарис, Питер Айр и др. Описание: Холст, краски, металл, керамика. Они были послушны воле этого выдающегося художника XX века. Но что известно о другой великой страсти легендарного Пабло Пикассо? Была ли любовь также подчинена его гению? Лауреат `Награды Киноакадемии` Энтони Хопкинс выкладывается весь целиком в роли прославленного художника. В этом мастерски сделанном фильме рассказ ведется как бы от имени его возлюбленной, бывшей с ним продолжительное время. Матери его детей Клода и Паломы. Режиссер Джеймс Айвори, продюсер Исмаил Мерченти автор сценария Рут Правер Джабвала, пользуясь яркой палитрой выразительных средств кино смогли создать чувственную, завораживающую сагу о гении через призму личной жизни великого художника. Качество: DVDScreener Формат: AVI Видео кодек: XviD Аудио кодек: MP3 Видео: 720x544 (4/3), 25 fps. XviD MPEG-4 codec, ~709 Kbps avg, 0,07 b/px Аудио: 48 KHz, MPEG Layer 3, 2 ch, ~102 Kbps avg http://tfile.ru/forum/viewtopic.php?t=136390

Июль 1917-го оказался историческим в судьбе Модильяни. Он познакомился с Жанной Эбютерн, которая стала его женой. Когда-то он признался своему закадычному другу скульптору Бранкузи, что «ждет одну-единственную женщину, которая станет его вечной настоящей любовью и которая часто приходит к нему во сне». И тут же на салфетке набросал портрет той «одной-единственной». У нее были прямые длинные волосы. Существует несколько версий об обстоятельствах их знакомства. Согласно одной, впервые он увидел ее всё в той же «Ротонде». Туда 19-летняя Жанна, студентка Художественной академии, заглянула с подругой выпить аперитив. Сначала он долго рассматривал ее со своего места у стойки, а потом обратился к Жанне: «Посиди так», - и тут же начал набрасывать на листке бумаги ее портрет. Из ресторана они ушли обнявшись. Амедео словно опьянел от радости. «Я встретил женщину из своих снов! Это точно она!» - то и дело повторял он друзьям. Она и в самом деле даже внешне выглядела его типажом. Ей не нужно было искусственно удлинять шею и овал лица, как он это делал, рисуя портреты других женщин. Весь ее силуэт словно стремился вверх, вытянутый и тонкий. Длинные, по пояс, волосы заплетены в две косы; миндалевидные глаза. Вряд ли ее можно было назвать красавицей, но в ней было что-то завораживающее, некая изюминка. Скорее, впору было задаться вопросом, что нашла юная девушка в этом изможденном невзгодами и туберкулезом 32-летнем человеке? То был уже не романтический красавец, который семи годами раньше привлек внимание Ахматовой. Его некогда прекрасные черные волосы поредели, во рту не хватало зубов, а те, что остались, - почернели. Впавшие глаза лихорадочно блестели. Когда в доме добропорядочных католиков Эбютерн узнали, с кем связалась их дочь, ей пригрозили родительским проклятием, если она не одумается. После женитьбы быт молодой супружеской пары отнюдь не вошел в русло нормальной семейной жизни, как можно было бы ожидать. Модильяни старался пораньше ускользнуть из дома, брел от одного кафе к другому, продавая свои тут же наспех сделанные рисунки. Вырученные жалкие гроши шли на выпивку. Ближе к ночи Жанна отыскивала его, приводила домой, раздевала, умывала, укладывала спать, как малого ребенка. И все это молча, без малейшего упрека. А если Моди работал дома, то она либо что-то тихо готовила в другой комнате, либо рисовала. Как оценили эти работы уже после смерти Жанны, она была неплохой художницей. Однажды агент и друг Модильяни Леопольд Зборовски, живший неподалеку, почти силком затащил к себе Жанну. Вдвоем с женой они стали убеждать ее, что Моди нужно спасать, что он гибнет: от пьянства, прогрессирующего туберкулеза, от того, что теряет веру в свой талант. Та вежливо их выслушала и вдруг медленно и убежденно произнесла: «Вы просто не понимаете - Моди обязательно нужно умереть». Взглянув на шокированных Зборовски, она добавила: «Он гений и ангел. Когда он умрет, все сразу это поймут». Между тем в жизни молодой пары, казалось, появился просвет. После окончания Первой мировой войны спрос на картины Модильяни неожиданно возрос. Теперь Зборовски мог выдавать художнику по 600 франков в месяц (сумма по тем временам не столь уж малая), - прилично пообедать можно было за один франк с небольшим. Это было весьма кстати, ибо в ноябре 1918 года в семействе произошло прибавление - родилась дочка Жанна. Случилось это в Ницце, куда семья Модильяни отправилась, чтобы поправить оставлявшее желать лучшего здоровье Амедео. В письмах к матери, которую он нежно любил, художник пишет о том, какую радость привнесло в его жизнь рождение дочери. Но по возвращении в Париж все входит в прежнюю колею. Модильяни вновь начинает пить. Одновременно он все более становится одержимым идеей собственной смерти. Это способствует обострению болезни. Нечто странное происходит и с Жанной. Однажды в ее отсутствие в комнату заглянул Зборовски. Вошел и оторопел: на стульях стояли два незаконченных полотна, написанные ее рукой. На одном она сама себе вонзала нож в грудь, на другом - падала из окна... В середине января 1920 года Модильяни сильно простудился и слег. С каждым днем ему становилось все хуже. 22 января его перевезли в Шаритэ - больницу для бедных и бездомных. В это время он был уже без сознания. В горячечном бреду больной явственно повторял только два слова: «Милая Италия... Милая Италия». Вечером 24 января он скончался. ...К телу Амедео Жанна подошла одна. Долго, долго смотрела на него, потом, не поворачиваясь и не отрывая от него взгляда, вышла из больничной палаты. Дома у родителей не плакала, но все время молчала. Наступила ночь, и все разошлись по своим комнатам. Брат Андре, который очень любил сестру, несколько раз заходил к ней в спальню и видел ее стоящей у окна. В 4 часа утра, выбрав момент, когда в комнате никого не было, она выбросилась из окна шестого этажа... На старом парижском кладбище Пер-Лашез, на участке, где в прежние времена хоронили бедноту, на одном из надгробий высечена надпись по-итальянски: Амедео Модильяни, художник Родился в Ливорно 12 июля 1884 Умер в Париже 24 января 1920 Смерть настигла его на пороге славы И чуть пониже на той же доске: Жанна Эбютерн Родилась в Париже 6 апреля 1898 Умерла в Париже 25 января 1920 Верная спутница Амедео Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним. Прошло немного времени, и Модильяни стали называть гением. А на аукционе «Сотбис» портрет Жанны Эбютерн кисти ее нищего спутника жизни был продан за 15 миллионов долларов... http://www.dikovina.ru/journal/detail/878/

-------------------------------------------------------------------------------- Природа в сопровождении шедевров мировой музыки / Nature's Colors with the World's Greatest Music Год выпуска: 2007 Страна: Сша Жанр: Документальный, музыка, классика Продолжительность: 01:18:00 Перевод: Не требуется Русские субтитры: нет Описание: Из Бора Боры в Африку, со Среднего Запада к Тихоокеанскому побережью, из Коста-Рики в Бали, с Гавайев на Аризону, со Скалистых гор к Редвудскому парку - это природа самых живописных и красивых мест мира. Доп. информация: Размер: 7.92, Gb Качество: BDRip Формат: MKV Видео кодек: H.264 Аудио кодек: AC3 Видео: MPEG4 Video (H264) 1920x1080 29.97fps Аудио: AС3, 6 ch, 640 Кбит/с http://torrents.ru/forum/viewtopic.php?t=1299022

http://tfile.ru/forum/viewtopic.php?t=181146

Посмотрела фильм 2002 года,4 часа смотрела без перерыва,им многое удалось,над каждым кадром фильма работали.Там Любовь,Судьба,Страх,Смысл жизни(для каждого свой),Боль,Природа,Музыка.Они показали даже то,что не могли показать,для этого в России надо родиться и жить.Мне фильм понравился,надо перечитать роман.

МИСТЕР ТВИСТЕР Приехав в страну, старайтесь соблюдать ее законы и обычаи во избежание недоразумений... Из старого путеводителя 1 Есть За границей Контора Кука. Если Вас Одолеет Скука http://www.litera.ru/stixiya/authors/marsh...a-granicej.html Я думала Маршак пошутил,но контора есть

http://www.kontorakuka.ru/countries/europe...nia/culture.htm Стихи Пастернака звучат и картины Чюрлениса звучат

Ирэна, теперь я свои "пять копеек"...Скажи,если что не так, удалю. СЛУШАЯ КАРТИНЫ ЧЮРЛЁНИСА Осенью в московском доме-музее А.Н. Скрябина без ярких афиш и громкой рекламы прошла выставка картин Микалоюса Чюрлёниса. Талант художника он удивительным образом сочетал в себе с талантом композитора и поэта. И взяв в свои союзники музыку, краски и слова, создал образы, которые до сих пор волнуют воображение. «Вселенная представляется мне большой симфонией; люди — как ноты». (М.К. Чюрлёнис) Он родился в 1875 году в маленькой литовской деревушке в семье церковного органиста и, конечно, с детства полюбил музыку, а талант и трудолюбие помогли ему получить высшее музыкальное образование в Лейпцигской консерватории. Перед молодым человеком открывалось спокойное, обеспеченное будущее: ему предлагали стать директором музыкальной школы, а затем и преподавателем в консерватории. Творческая биография Чюрлёниса очень коротка: первые уроки рисования он начал брать в 27 лет, в 32 уже выставил свои первые работы. А через три года его не стало. Но Микалоюс отказывается от заманчивых предложений и на пороге своего 30-летия поступает... в недавно основанную Варшавскую школу изящных искусств, которую ее студенты и профессора любовно называли академией. И это была не прихоть: неожиданное осознание своего предназначения побудило Чюрлёниса так круто изменить течение своей жизни. «К живописи у меня еще большая тяга, чем прежде, я должен стать художником, — пишет он брату. — Одновременно я буду продолжать заниматься музыкой и займусь еще другими делами. Хватило бы только здоровья, а я бы все шел и шел вперед!» «Он не новатор, но новый». (Н.К. Рерих) И в 1906 году на выставке Варшавской школы, которая состоялась в Петербурге, картины Чюрлёниса поразили многих: «Нельзя ни в коем случае обойти молчанием длинной серии фантастических пастелей Чурляниса. Его музыкальностью и объясняется отчасти его мистическое, туманное творчество. Видишь сразу перед собой художника, привыкшего грезить звуками. Даже теперь, на заре своей деятельности, он совершенно самобытен, никому не подражает, прокладывая собственную дорогу. Это пантеист чистейшей воды». Фантастические картины, которые были выставлены в Петербурге, сейчас известны как цикл «Сотворение мира». Сам Чюрлёнис писал о нем так: «Последний цикл не окончен; я думаю работать над ним всю жизнь... Это сотворение мира, но не нашего, библейского, а какого-то другого — фантастического. Мне хочется создать цикл по меньшей мере из ста картин, не знаю, сделаю ли». И наверное, эта его мечта сбылась, ведь почти 200 картин, которые художник написал за свою короткую жизнь, а также музыкальные произведения и лирические наброски, по сути, рассказывают об одном — о сотворении мира. «Он интуитивно предвидел приход новой космической эры. Он понял, что изменится взгляд человека на его собственную планету и на чужие планеты в бесконечных просторах Вселенной. Нет другого художника, который бы так реально, так осязаемо чувствовал романтику космоса». (Э. Межелайтис) Мир Чюрлёниса — это мир прекрасный, чистый и непосредственный, все части которого соразмерны, созвучны друг другу. «Вселенная представляется мне большой симфонией; люди — как ноты», — писал художник. В гармоническом единстве соединяются у него живопись и музыка, музыка и поэзия, когда он пишет картины-фуги, картины-прелюды, живописные сонаты и симфонии, музыкальные симфонические поэмы. В его творчестве воплотилась давнишняя мечта о синтезе искусств. Чюрлёнисом восхищались, но тех, кто его действительно понимал, было немного. Первыми большого мастера в нем увидели члены кружка А. Бенуа, будущие мирискусники. «Умение заглянуть в бесконечность пространства и в глубь веков делали Чюрлёниса художником чрезвычайно широким и глубоким, далеко шагнувшим за узкий круг национального искусства», — отмечал М.В. Добужинский. В 1907 году Чюрлёнис познакомился с 22-летней Софией Кимантайте. Она изучала филологию в университете Кракова и писала стихи, прозу, драматические произведения на литовском языке. София стала его музой-вдохновительницей, возлюбленной и женой. «А ты знаешь, кто такая Зосе? — писал Чюрлёнис. — Та, о которой я столько мечтал и которую искал на своем пути. Она похожа на весну, на море, на солнце». Мир Чюрлёниса символичен. Внешняя наивность и фантастичность его сюжетов скрывает глубокие тайны бытия. О картинах Чюрлёниса трудно говорить, их надо рассматривать, над ними нужно размышлять — и тогда в, казалось бы, хаотическом нагромождении красок и предметов откроется гармония и сокровенный смысл, невыразимый словами. И необычные музыкальные картины уведут в волшебную, зачарованную страну, лежащую где-то за пределами времени и пространства, куда художник поднимался на крыльях воображения. Чюрлёнис опередил свое время. Вестник далекой Страны мечты, он явился, чтобы пробудить в сердцах стремление к поиску, жажду крыльев и высокого-высокого полета. http://www.newacropolis.ru/magazines/6_200...kar_Churlenius/

http://video.mail.ru/mail/ilya_guzey/Bible_plot/1182.html

http://www.artsait.ru/art/b/borismus/art1.php

http://www.smallbay.ru/roerich.html

http://www.kontorakuka.ru/museums/main.htm Ирэна, что найду, отправлю на форум,o.k.?

Говорят что даже открытки помогают.Святой Город.

Юленька, тебе не за что изиняться.Ты умничка, многие боятся говорить.Я тоже боюсь, часто не хотят тебя понять и мои слова истолковывают черт те как.Ты знаешь что у меня эмоций слишком, поэтому и молчу.