Великие художники

[Рона]

Цитатник Iron_Ann

Дневник: (220) Видео: (2) Лента Профиль->

Страсти по Пшибышевскому. Любовные многоугольники.

Фантази реаль про LA FEMME FATALE рубежа веков.

«Ее чертами наделял он всех своих женщин, она и в "Мадонне", и в "Созревании", и в "Смехе", в "Красном и белом", в тройственном образе Женщины, хотя это ускользало от проницательного глаза Пшибышевского, но не ушло от бездонного взора Стриндберга (…) Она была для него и той девочкой-подростком, что затаилась на огромной кровати, потрясенная наступившей зрелостью, и вампир ром, пьющим кровь из затылка жертвы, и крылатой когтистой гарпией над растерзанным мужским трупом, и прелестной невинной девушкой у окна, босоногой, в легкой рубашке, и той отчаявшейся, с распущенными волосами и обнаженной грудью, у которой остался лишь пепел чувства».

Ю.Нагибин «Трое, один и еще одна»

Начнем наше повествование с жены пана Пшибышевского.

Дагни Юлль Пшибышевская

Dagny Juel Przybyszewska

(1867 – 1901)

Дагни Юлль родилась в небольшом норвежском городке Конгсвингер (Kongsvinger), где провела детство и юность. В 1898 году она приехала в Берлин обучаться музыке: игре на фортепиано и пению. Здесь она встретила своего земляка, художника Эдварда Мунка, которого знала еще по Осло.

Э.Мунк. Автопортрет с сигаретой.

Дагни стала для Мунка настоящей музой на долгие годы. Именно с нее он написал многие свои работы. В том числе известнейшую мадонну, изменив разве что цвет волос модели – с ослепительно рыжих на темные.

Э. Мунк. Мадонна.

Эдвард Мунк ввел Дагни в артистическую компанию, которая собиралась в берлинском винном погребке «Под черным поросенком». Больше всего здесь было выходцев из Скандинавии. Например, известный шведский писатель Август Стриндберг.

Э. Мунк. А. Стриндберг

Поговаривали, что он тоже проникся чувствами к рыжеволосой, раскованной в поведении норвежке.

Однако, настоящий роман у Дагни случился с иным мужчиной. Из всех поклонников она выбрала именно его, и вскоре они поженились. Это был поляк Станислав Пшибышевский, на то время публицист и редактор социалистической газеты, а позже писатель и идеолог польского модернизма. В его внешности не было ничего привлекательного: невысокого роста, худощавый, по острому замечанию одной из берлинских газет: «похожий на несколько ободранного рыжего кота».

Э.Мунк. Портрет С. Пшибышевского. Обратите внимание на то, что он держит в руке...

Стах и Дагни

Однако этот невзрачный человек обладал какой-то необычной внутренней силой и особенным влиянием на женщин, которые безоглядно влюблялись в Пшибышевского. Было в нем и нечто демоническое, не зря один из самых «острых языков» Польши начала ХХ века – Тадеуш Бой-Желенский называл его Грустным Сатаной. Сам Пшибышевский серьезно увлекался сатанизмом, что и отразилось в его творчестве. Одна из работ польского художника Войцеха Вайсса (WojciechWeiss) «Демон» у меня всегда ассоциируется именно с образом Станислава Пшибышевского.

В.Вайсс. Демон.

В самом начале совместной жизни Дагни и Станислава случилась очень неприятная история: покончила с собой гражданская жена Пшибышевского Марта Фодер, с который у него было двое детей.

Несмотря на это первые годы их они были счастливы.

Фрагмент письма Пшибышевского к Дагни, которую он, а потом уже и все друзья, называли Духа:

«Ты представить себе не можешь, что Ты для меня значишь. Моя суть существует только в Тебе, поскольку Ты являешься для меня абсолютным, самым высоким и самым глубоким моим идеалом…»

Фрагмент письма Дагни к Станиславу:

«Самый мой дорогой, самый дорогой. Прошу Тебя, не грусти и приезжай поскорее ко мне, как только сможешь… Тоскую по тебе и люблю Тебя. Твоя Духа».

Омрачить эту идиллию могло лишь самое банальное, что только существует на свете – нехватка средств к существованию. Пшибышевский вроде бы и старался зарабатывать, в основном редакторством, но нужно было время и на встречи с друзьями, и на литературное творчество. Ситуация омрачалась и его пристрастием к спиртному (это мягко сказано). Круг друзей постепенно распадался, С. Пшибышевский постоянно занимал у них деньги, а отдавать не было из чего. Пшибышевские, спасаясь в сложной финансовой ситуации, уехали в Норвегию к родителям Духи. Там, однако, Станислав чувствовал себя некомфортно, бытовые устои мещанской скандинавской семьи не отвечали его декадентскому образу жизни.

Первый настоящий свой дом Пшибышевские обрели в Польше, куда Станислава пригласили на работу. Он стал главным редактором журнала «Жизнь» – это было серьезное, авторитетное литературно-художественное издание, в котором печаталось лучшее из лучшего, как польской так и зарубежной современной литературы. Художественным редактором журнала был – Станислав Выспянский.

Однако со временем переезда в Краков наступают первые серьезные размолвки между Дагни и Станиславом. Духа не может освоиться в Польше: она не знает языка, у нее нет друзей, и страна и город кажутся ей, эмансипированной, свободной женщине, какой-то жуткой провинцией. Краковская молва связывает ее имя сразу с несколькими мужчинами. В частности, говорилось о том, что молодой поэт Станислав Кораб Бжозовский покончил жизнь самоубийством в возрасте 25лет, именно из-за рыжеволосой Духи. У Пшибышевского в то же время начинается роман с Ядвигой Каспрович, женой известного польского поэта, публициста, ученого, будущего ректора Львовского университета – Яна Каспровича.

Я. Мальчевский. Ян Каспрович.

Ядвига была уже зрелой женщиной, матерью двух девочек-подростков, внимательной и любящей женой, когда безоглядно влюбилась сначала заочно в творчество Пшибышевского, а потом и в него самого. Во время визита С. Пшибышевского во Львов, который и гостил у Каспровичей, Ядвига призналась ему в любви, на что Грустный сатана ответил взаимностью.

В это же время у С. Пшибышевского образовался роман с молодой львовской художницей Анелей Пайонкувной, которая позже родит ему дочь, названную Станиславой. Станислава Пшибышевская так же как и ее отец стала писательницей. Среди ее произведений наиболее известной является драма «Дело Дантона», по которой Анджей Вайда поставил фильм «Дантон» в главной роли с Жераром Депардье.

А. Пайонкувна. Автопортрет с дочерью Стасей.

На то время у Пшибышевских уже было двое детей, сын – Зенон и дочь Иви. Дагни в это время жила с ними отдельно, то в Закопане, то у родителей в Норвегии, то во Львове. Молва окружала ее аурой бесконечных романов. Но неизвестно на самом деле – были ли они столь многочисленны.

Сложные и запутанные отношения Духи и Станислава нашли свою окончательную трагическую развязку в 1901 году.

Молодой, как бы мы теперь сказали бизнесмен, сын богатого промышленника Владислав Эмерик должен был ехать по делам отца в Тифлис. Его отец был владельцем залежей магния на Кавказе и наследник должен был туда отправиться по делам фирмы.

Сначала договаривались ехать компанией, которая по разным причинам распалась. Собирались втроем: Владислав и Пшибышевские с пятилетним сыном Зеноном. В последний момент Станислав Пшибышевский свой визит отложил и пообещал приехать позже.

Владислав Эмерик поселился в тифлисском Гранд Отеле, в своих постоянных апартаментах. С Кавказа Духа написала мужу несколько писем, полных отчаяния, в одном из них она умоляла срочно прислать ей паспорт (!!!!). К слову, на конвертах сохранились штемпели отправления и получения: письмо из Тбилиси в Краков в начале 1901 года шло – 3 (!!!!) дня.

Ответа из Польши отчаявшаяся женщина не получила.

23 мая 1901 года по старому стилю в Гранд Отеле разыгралась трагедия. Владислав Эмерик застрелил из пистолета сначала Дагни (она ничего не почувствовала, т.к. спала), а потом покончил с собой. Мальчика он предварительно отвел к своему товарищу. Перед этим он отправил несколько писем, в частности С. Пшибышевскому писал: «Стах! Я убиваю ее для нее же самой».

Духа и Эмерик были похоренены в Тифлисе. Детей Пшибышевских забрали родственники Дагни, и они были воспитаны в Швеции, где жила одна из ее сестер. Станислав Пшибышевский и Ядвига Каспрович поженились, но брак их не был счастливым, и это уже совсем другая история.

Еще несколько портретов Дагни:

С. Выспянский

Конрад Кшижановский. Портрет углем.

Войцех Вайсс

Этому художнику Дагни особенно симпатизировала, восхищалась его искусством. Они много времени проводили вместе.

Еще одна фотография Дагни.

А теперь Мунк:

Э. Мунк. Тут возможен любовный треугольник. На первом плане - С. Пшибышевский, на втором - Дагни и Мунк (?).

Э. Мунк. И это тоже она.

Совершенно случайно узнал, что в России в 2007 году был снят фильм "Натурщица" по рассказу Ю. Нагибина "Трое и одна и еще один". Фильм не смотрел. Может кто смотрел, поделитесь.

Источник: Парашутов

http://www.liveinternet.ru/community/moja_polska/post188621524/

[Рона]

Кустодиев Борис Михайлович

(1878-1927)

Автопортрет

КУСТОДИЕВ, БОРИС МИХАЙЛОВИЧ (1878–1927), русский художник.

Родился в Астрахани 23 февраля (7 марта) 1878 в семье преподавателя духовной семинарии. Учился в петербургской Академии художеств (1896–1903), где его наставником был И.Е.Репин. Член объединений «Мир искусства» и «Союз русских художников». Репин привлек молодого художника к соавторству в картине Заседание Государственного Совета (1901–1903, Русский музей, Петербург). Уже в эти годы проявился виртуозный талант Кустодиева-портретиста (И.Я.Билибин, 1901, там же). Позднее (с 1908) увлеченно работал также в жанре скульптурного портрета. В годы Первой русской революции 1905–1907 выступал как карикатурист в журналах «Жупел» и «Адская почта».

Жил в Петербурге и Москве, часто наезжая в живописные уголки русской провинции, прежде всего в города и села Верхней Волги, где рождались его знаменитые образы традиционного быта (серии «ярмарок», «маслениц», «деревенских праздников») и красочные народные типажи («купчихи», «купцы», красавицы в бане – «русские венеры»). Первая картина такого рода (Ярмарка, 1906, Третьяковская галерея) написана по заказу Экспедиции государственных бумаг для неосуществленной серии массовых лубков. Эти серии и близкие им полотна (портрет Ф.И.Шаляпина, 1922, Русский музей) подобны красочным снам о старой России. Революцию Кустодиев тоже воспринял карнавально, в духе яркого народного лубка (Большевик, 1920, Третьяковская галерея).

Хотя в 1916 паралич приковал художника к инвалидному креслу, он продолжал активно работать в разных видах искусства, продолжая свои популярные «волжские» серии. После революции создал лучшие свои вещи в сфере книжной иллюстрации (Леди Макбет Мценского уезда Н.С.Лескова; Русь Е.И.Замятина; обе работы – 1923; и др.) и сценографии (Блоха Замятина во 2-м МХАТе, 1925; и др.).

Умер Кустодиев в Ленинграде 26 мая 1927.

Продолжение:

[Рона]

ПУШКИН И РАФАЭЛЬ

Цитата

Это цитата сообщения NADYNROM [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Живопись и поэзия

Интересна тема отношения Александра Сергеевича Пушкина к творчеству Рафаэля. В пушкинском пантеоне величайших гениев мира Рафаэль занимает одно из первых мест. Это видно из поэтического творчества Пушкина, на протяжении всей жизни возвращавшегося к имени великого творца эпохи Высокого Возрождения

Вот ЗДЕСЬ находится замечательная и подробная статья о том, как Пушкин обращался к имени и творчеству знаменитого уроженца Урбино. Я же остановлюсь только на трех стихотворениях.

В 1819 г. Пушкин пишет стихотворение "Возрождение" (здесь название имеет двойной смысл), связанное с впечатлением от картины Рафаэля "Мадонна с безбородым Иосифом"("Святое семейство"), выставленной в Эрмитаже.

Картина поступила в музей в 1772 г. в составе знаменитой коллекции Пьера Кроза. На первых страницах каталога выставки пушкинского времени, открывавшегося репродукцией картины, сообщалось: "Господин Барруа весьма дешево купил сию картину, принадлежавшую Ангулемскому дому. Она хранилась в оном без особенного внимания. Не искусной какой-то живописец, желая поновить ее и не умея совместить работы своей, с работой творца оной, всю ее переписал снова, так что уже не видно было в ней кисти Рафаэла. Но когда господин Барруа ее купил, то Вандин, очистив ее от посторонней работы, возвратил свету подлинное ее письмо, которое вместо повреждения стало от того гораздо свежее; наложенные на нее краски не искуснаго живописца послужили ей покрышкой и сохранили ее от вредных действий воздуха". Сегодня принято считать, что картина датируется 1506 г. и ее создание связано либо с именем Таддео Таддеи, либо с именем Гвидобальдо да Монтефельтро. Именно этот факт и послужил Пушкину при написания следующих строк:

ВОЗРОЖДЕНИЕ

Художник-варвар кистью сонной

Картину гения чернит

И свой рисунок беззаконный

Над ней бессмысленно чертит.

Но краски чуждые, с летами,

Спадают ветхой чешуей;

Созданье гения пред нами

Выходит с прежней красотой.

Так исчезают заблужденья

С измученной души моей,

И возникают в ней виденья

Первоначальных, чистых дней.

В том же 1819 г. Пушкин пишет стихотворение, посвященное последней, не законченной картине Рафаэля "Преображение".

НЕДОКОНЧЕННАЯ КАРТИНА

Чья мысль восторгом угадала,

Постигла тайну красоты?

Чья кисть, о небо, означала

Сии небесные черты?

Ты, гений!.. Но любви страданья

Его сразили. Взор немой

Вперил он на свое созданье

И гаснет пламенной душой.

Подлинная причина гибели Рафаэля остается тайной и сегодня. В биографиях, восходящих к жизнеописаниям Джорджо Вазари о последних днях говорится так: "...Рафаэль втихомолку продолжал заниматься своими любовными делами, превыше всякой меры предаваясь этим утехам. И вот однажды после времяпровождения еще более распутного, чем обычно, случилось так, что Рафаэль вернулся домой в сильнейшем жару, и врачи решили, что он простудился, а так как он в своем распутстве не признавался, ему по неосторожности отворили кровь, что его ослабило до полной потери сил... после исповеди и покаяния он завершил свой жизненный путь в день своего рождения, в страстную пятницу тридцати семи лет от роду". В 1805 г. в русской книге "Эрмитажная галерея" сообщалось: "Рафаэль достиг бы блистательных успехов в колорите, если бы пламенное его сложение, непрестанно влекшее его к любви, не причинило ему преждевременной смерти". Во французском "Всеобщем словаре" 1810 г. эта же версия излагалась так: "Рафаэль умер вследствие истощения от своей страсти к женщинам". Отсюда идет и Пушкинская оценка: "Но любви страданья Его сразили.". Во времена Пушкина даже "Сикстинская мадонна"(1515) так высоко не ценилась, как "Преображение", которое считалась общепризнанным шедевром мировой живописи. Вверху картины изображен "преобразившийся" Христос, вознесшийся над горой Фавор, он излучает сияние, а рядом с ним пророки Илья и Моисей, спустившиеся за ним с небес. Ощущение парения трех основных фигур передано настолько сильно, что кажется невесомость возможна и вблизи поверхности земли. Внизу изображены павшие ниц апостолы, а у подножия горы евангельские персонажи. Но, присмотритесь внимательно к лицу Христа и сравните его с автопортретом художника, и вы найдете сходство, еще ранее Рафаэль изобразил себя и в самом ясновидящем из всех ветхозаветных пророков - в портрете пророка Исайи. Незаконченной картина "Преображение" стояла у гроба великого художника, Рафаэль скончался 6 апреля 1520 г., в тот же день когда и родился в 1483 г.

Но наиболее интересна, наверное, история стихотворения «Мадона» и картины Рафаэля "Бриджуотерская мадонна".

Считается, что именно старинной копией этой картины в июле далекого 1830 года любовался Пушкин. Копия (но об этом тогда мало кто знал - ведь картина приписывалась кисти самого Рафаэля) была выставлена для продажи в Петербурге на Невском проспекте, в витрине книжного магазина, принадлежавшего И.В. Сленину, знакомцу поэта. Пушкин не мог оторвать глаз от чудесного образа мадонны: в ее лике виделись ему небесные черты невесты.

В письме к своей невесте, Н. Н. Гончаровой, от 30 июля 1830 г. Пушкин писал: "Часами простаиваю перед белокурой мадоной, похожей на вас как две капли воды; я бы купил ее, если бы она не стоила 40000 рублей".

МАДОНА.

Не множеством картин старинных мастеров

Украсить я всегда желал свою обитель,

Чтоб суеверно им дивился посетитель,

Внимая важному сужденью знатоков.

В простом углу моем, средь медленных трудов,

Одной картины я желал быть вечно зритель,

Одной: чтоб на меня с холста, как с облаков,

Пречистая и наш божественный спаситель -

Она с величием, он с разумом в очах -

Взирали, кроткие, во славе и в лучах,

Одни, без ангелов, под пальмою Сиона.

Исполнились мои желания. Творец

Тебя мне ниспослал, тебя, моя Мадона,

Чистейшей прелести чистейший образец.

http://www.liveinter...6959/page2.html

[Рона]

ДВОЙНЫЕ КАРТИНЫ (ЧАСТЬ 10 - КРАСАВИЦЫ БОРИСА КУСТОДИЕВА)

http://www.liveinternet.ru/users/2010239/post64581654/

СУДЬБА "КРАСАВИЦ" БОРИСА КУСТОДИЕВА.

Пройдут века, но навсегда напоминанием о вечной кpасоте останутся богини Рубенса, закованные в паpчу и дpагоценности инфанты Веласкеса, очаpовательные и милые паpижанки Ренуаpа. Сpеди них будут и наши pусские кpасавицы Бориса Кустодиева.

Б.М.Кустодиев Автопортрет 1912 г. Галерея Уффицы, Флоренция

В обиход прочно вошло словосочетание «кустодиевские красавицы». Художника называют русским Рубенсом. Репродукция его «Купчих» — непременный участник учебных пособий.

Румяные и белотелые кустодиевские купчихи и красавицы являют собой наpодный, отчасти даже пpостонаpодный идеал кpасоты. Художник любуется ими, хотя его собственные эстетические пpедставления, воспитанные на полотнах Веласкеса, Гольбейна, Тициана, не соответствуют этим обpазам. Нет, его идеал вовсе не такие дебелые женщины. Но, по словам Кустодиева, во вpемя pаботы над каpтинами тонкие и изящные кpасавицы не вдохновляли его и не казались интеpесными. Мало кому столько доставалось от художественной кpитики и коллег-живописцев, сколько Кустодиеву.

В 1915 году Кустодиев завершил окончательное формирование своего стиля картиной "Красавица". Он раскрыл здесь традиционные вкусы в образе, окрашенном одновременно и любованием, и эротикой, и иронией, изобразив не просто полную, а на сей раз особенно пышнотелую женщину. Эта картина удивляла многих. Именно о ней он говорил, что „нашел свой стиль, так долго не дававшийся".

ИСТОРИЯ СОЗДАНИЯ

Сын художника, Кустодиев К.Б., вспоминал: В апреле 1915 года мы переехали на Введенскую, где была мастерская с двумя большими окнами, выходящими на улицу. Вскоре отец принялся здесь за работу над картиной "Красавица", явившейся своеобразным итогом исканий собственного стиля, начатых еще в 1912 году. Основой для картины послужил рисунок карандашом и сангиной, сделанный с натуры (позировала актриса МХТ Ш).

С натуры написано и пуховое одеяло, которое мама подарила отцу в день рождения. Он работал над картиной ежедневно, начинал в шесть-семь часов утра и работал весь день. В десятых числах мая мои мать и сестра уехали в "Терем", и мы остались вдвоем. Как-то бабушка, жившая в то лето в Петербурге, принесла нам три гипсовые фигурки, купленные на Сытном рынке. Они отцу очень понравились, и он вписал их в картину (на комоде, справа). Дома у нас хранилась чудесная старинная стенка сундука с росписью по железу - на черном фоне красные розы в вазе. Отец воспользовался и этим мотивом для yзоров на сундуке, хотя цвет и изменил.

"Красавица", по мысли автора, должна олицетворять русский идеал женской красоты. В качестве модели Кустодиев пригласил 21-летнюю актрису МХТ – Фаину Шевченко. Долгое время по просьбе женщины картина не выставлялась.

Рассказывают, как почти свихнулся некий митpополит, узpев один из вариантов этой каpтины : "Видимо, диавол водил деpзкой pукой художника, когда он писал свою "Кpасавицу", ибо смутил он навек покой мой. Узpел я ее пpелесть и ласковость и забыл посты и бдения. Иду в монастыpь, где и буду замаливать гpехи свои."

О КАРТИНЕ

(цитаты из монографий искусствоведов В.Володарского, В.Круглова и И.В.Раздобреевой)

Художник создает яркий образ роскошной купчихи. Ее изобильная красота сродни цветастым обоям, цветочному орнаменту полога кровати и кружевам зефирно-розового теплого одеяла, похожего на свою хозяйку. Она вызывает ироническую улыбку и восхищение одновременно.

Дебелая, золотоволосая, ясноглазая после сна "красавица", стыдливо прикрывающая грудь, изображена покидающей мягкую перину на расписном кованом сундуке. Пышнотелая, со свежей кожей и красивыми волосами, она спокойно взирает на мир, воплощая народное представление о здоровой красоте, о том, какой должна быть купчиха.

Лицо "красавицы" таит странное выражение, что вообще характерно для кустодиевских героинь этого «цикла». Оно безмятежно и вместе с тем лукаво; героиня глядит на зрителя, ничуть не смущаясь своей наготы, словно понимая, что главная драгоценность здесь - это она. Полусидя, полулежа на постели, она, подобно "Венере Урбинской" Тициана, спокойно взирает на то, как воспринимает ее зритель. Эта обезоруживающая откровенность помогает перевести образ из почти двусмысленной ситуации в сферу эстетического. Кустодиев с наслаждением передал сходство нежной и гладкой розовой кожи своей модели с цветом и гладкостью атласного одеяла, обшитого кружевами, сопоставляя крупные округлые формы женского тела с мягкостью пуховых подушек и складок одеяла.

Интерьер с мебелью, нежно-розовым одеялом и кружевными наволочками, дорогой сундук, нежно-голубые обои с букетами и гирляндами роз воплощают народное представление о достатке. Пуховое нежно-розовое одеяло (и чистые кружевные наволочки на подушках) - примета купеческого мира, любящего уют, комфорт и тепло.

Вся атмосфера алькова с обоями на стене, украшенными розанами, с расписной нарядной нижней стенкой постели, мягким пуфиком под ногой женщины, с фигурками (в другом варианте - цветами и украшениями) на комоде, вызывает ощущение чувственно-сонной, сладкой, расслабляюще-спокойной жизни, олицетворением которой являются кустодиевская красавица и привычная ей среда.

Формам тела "красавицы" свойственна округлость - в героине полотна, в отличие от многих других персонажей тогдашней живописи, нет ничего резкого, изломанного, кричащего. Причем это, если можно так выразиться, гибкая округлость - обратите внимание на неестественно согнутую в локте руку. Вообще, несколько неуклюжая поза "красавицы" "рифмуется" с целомудренной чистотой.

Любовно выписанные крохотные ступни - в сочетании с полным телом и определенной "дебелостью" - рождают ощущение хрупкости героини, что еще больше "идеализирует" ее образ, которому свойственны странная грация и неповторимая прелесть.

В этом произведении мастер силой таланта создал новую, живущую по своим законам художественную реальность, отмеченную чертами неоромантизма, также похожую и непохожую на жизнь, как похожи и не похожи на живые цветы букеты на сундуке и стене. Силой таланта пестрые краски натуры преображены в новые, чарующие гармонии. Тонко и изысканно написанная картина богата по фактуре, бесконечно интересна для глаза в том, как искусно переданы различные, наполняющие комнату материалы и самая большая драгоценность - тело женщины.

Но наряду с прославлением красоты ощутима во всех вариантах "Красавицы" Кустодиева и ирония. Бессмысленная, бездумная животная жизнь восхитительной блондинки, весь интерьер опочивальни - предел мечтаний обывательского мещанства.

Восторг перед плотской красотой этой купчихи, ее здоровьем, примитивной радостью бытия и злая ирония сплетены здесь в один неразрывный узел. В искусстве Кустодиева восхищение и ирония тонко балансируют на чашах весов.

ВАРИАНТЫ

«Красавица» — один из любимых персонажей Кустодиева. Мастер создал несколько композиционных вариантов этой картины, неоднократно повторял своих «Красавиц».

В Третьяковской галерее имеются две одноименные картины - 1915 года и вариант 1921 года. Вариант 1918 года находится в Тульском музее изобразительных искусств.

Один из этих вариантов „Красавицы" Кустодиев подарил Максиму Горькому, и она была любимой картиной пролетарского писателя.

О четвертом варианте «Красавицы» известно следующее. Четвертую "Красавицу" Кустодиев написал по просьбе Федора Шаляпина. Картина представляет собой более театрализованный вариант знаменитой "Красавицы". Полотно выполнено в традиционной для Кустодиева манере: зажигательные цвета, традиционная русская эстетика, богатство и вычурность деталей.

Шаляпин и Кустодиев были друзьями и поклонниками таланта друг друга. Шаляпин очень любил свою "Красавицу" и увез ее с собой в Париж, в эмиграцию. Последние годы картина хранилась в особняке недавно скончавшейся Марфы Федоровны Шаляпиной в Ливерпуле.

21 мая 2003 г на лондонских торгах «Сотбис» распродавались раритеты русского искусства из собрания Федора Шаляпина. Среди картин Нестерова, Архипова, Головина и Коровина была и "Красавица" Кустодиева.

Работы такого класса, как «Красавица», выставленная на торги, появляются на рынке крайне редко. Это наиболее декоративная и богато оформленная «Красавица» из всех известных. Поэтому неудивительно, что именно вокруг данного полотна, созданного в 1919 г., развернулись настоящие баталии, которые привели к рекордному за всю историю «русских торгов» результату — 845 600 фунтов (около 1 388 475 долл.).

Оставшаяся в живых дочь Шаляпина - Марина - специально приехала из Рима, где она живет, чтобы посмотреть, как продают картины, некогда принадлежавшие ее великому отцу. Марина Федоровна очень спокойно воспринимала происходящее.

Из всего перечисленного можно сделать вывод: факт авторского повторения говорит о том, что сам художник высоко ценил эту работу, считал ее программной для своего творчества.

Теперь смотрим:

1. 2. 3. 4.

1. Борис Кустодиев Красавица 1915

141 х 185 см

Холст, масло

Государственная Третьяковская галерея, Москва

2. Борис Кустодиев Красавица. 1918

Вариант-повторение картины 1915 г.

Холст, масло. 81x93 см

Тульский областной художественный музей, Тула

3. Борис Кустодиев Красавица 1919 г.

78,5 х 102 см,

Холст, масло

Частная коллекция Продана Сотбис в 2003 г. за 845 600 ф.с.

4. Борис Кустодиев Красавица. 1921

Уменьшенный вариант-повторение одноименной картины 1915 г.

Холст, масло. 72x89 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва

И последнее! Когда в 1915 году на выставках появилась кустодиевская «Красавица», других художников до обмороков бесило то, что именно перед этим полотном народ собирается толпами, стоит амфитеатром и подолгу не расходится.

Перед зрителями предстал образ такой женщины, о которой каждый здоровый мужчина невольно думал: «Вот бы такая родила мне сына!», а каждая нормальная женщина, глядя на нее, думала: «Вот бы мне быть такою. И рожать, рожать!» От «Красавицы» Кустодиева исходит сумасшедшая энергия любви, но язык не повернется сказать, что она сексуальна. Она — женственна, она прекрасна, как мать-природа.

Рубрики: Картины-двойники

Художники

Теги: живопись кустодиев двойные картины

[Рона]

Александр Николаевич БЕНУА

Автопортрет. 1896 г. (бумага, тушь, перо)

Бенуа Александр Николаевич (1870-1960) художник-график, живописец, театральный художник, издатель, литератор, один из авторов современного образа книги. Представитель русского модерна.

Купальня маркизы. 1906г.

Карнавал-на-Фонтанке.

Итальянская комедия. «Любовная записка».1907г.

Летний сад при Петре Великом. 1902г.

Павильон. 1906г.

Ораниенбаум. Японский зал 1901г.

Набережная Рей в Базеле в дождь.1902г

Маскарад при Людовике 14. 1898г.

Парад при Павле 1. 1907г.

Свадебная прогулка. 1906г.

Париж. Каррузель. 1927 г.

Петергоф. Цветники под Большим Дворцом. 1918г.

Петергоф. Нижний фонтан у Каскада. 1942 г.

Петергоф. Главный фонтан. 1942г.

Петергоф. Большой каскад. 1901-17г

Биография Александра Бенуа.

Бенуа Александр Николаевич (1870-1960) художник-график, живописец, театральный художник, издатель, литератор, один из авторов современного образа книги. Представитель русского модерна.

А. Н. Бенуа родился в семье известного архитектора и рос в атмосфере почитания искусства, однако художественного образования не получил. Обучался он на юридическом факультете Петербургского университета (1890-94), но при этом самостоятельно изучал историю искусства и занимался рисованием и живописью (главным образом акварельной). Делал он это настолько основательно, что сумел написать главу о русском искусстве для третьего тома "Истории живописи в XIX веке" Р. Мутера, вышедшего в 1894 г.

О нем сразу заговорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства. В 1897 г. по впечатлениям от поездок во Францию он создал первую серьезную работу - серию акварелей "Последние прогулки Людовика XIV", - показав себя в ней самобытным художником.

Неоднократные поездки в Италию и Францию и копирование там художественных сокровищ, изучение сочинений Сен-Симона, литературы Запада XVII-XIX вв., интерес к старинной гравюре - явились фундаментом его художественного образования. В 1893 Бенуа выступил как пейзажист, создав акварели окрестностей Петербурга. В 1897-1898 он пишет акварелью и гуашью серию пейзажных картин Версальских парков, воссоздав в них дух и атмосферу старины.

К концу 19 началу 20 века Бенуа снова возвращается к пейзажам Петергофа, Ораниенбаума, Павловска. Он прославляет красоту и величие архитектуры XVIII в. Природа интересует художника главным образом в ее связи с историей. Обладая педагогическим даром и эрудицией, он в конце XIX в. организовал объединение "Мир искусства", став его теоретиком и вдохновителем. Много работал в книжной графике. Часто выступал в печати и каждую неделю публиковал свои "Художественные письма" (1908-16) в газете "Речь".

Не менее плодотворно работал он и как историк искусства: издал в двух выпусках (1901, 1902) получившую широкую известность книгу "Русская живопись в XIX веке", существенно переработав для нее свой ранний очерк; начал выпускать серийные издания "Русская школа живописи" и "История живописи всех времен и народов" (1910-17; издание прервалось с началом революции) и журнал "Художественные сокровища России"; создал прекрасный "Путеводитель по картинной галерее Эрмитажа" (1911).

После революции 1917 г. Бенуа принимал деятельное участие в работе всевозможных организаций, связанных главным образом с охраной памятников искусства и старины, а с 1918 г. занялся еще и музейным делом - стал заведовать Картинной галереей Эрмитажа. Им был разработан и успешно реализован совершенно новый план общей, экспозиции музея, способствовавший наиболее выразительной демонстрации каждого произведения.

В начале XX в. Бенуа иллюстрирует произведения Пушкина А.С. Выступает как критик и историк искусства. В 1910-х в центр интересов художника попадают люди. Такова его картина "Петр I на прогулке в Летнем саду", где в многофигурной сцене воссоздается облик минувшей жизни, увиденной глазами современника.

В творчестве Бенуа-художника решительно преобладала история. Две темы неизменно пользовались его вниманием: "Петербург XVIII - начала XIX в." и "Франция Людовика XIV". К ним он обращался в первую очередь в своих исторических композициях - в двух "версальских сериях" (1897, 1905-06), в широко известных картинах "Парад при Павле I" (1907), "Выход Екатерины II в Царскосельском дворце" (1907) и др., воспроизводя давно ушедшую жизнь с глубоким знанием и тонким ощущением стиля. Тем же темам, в сущности, были посвящены и его многочисленные натурные пейзажи, которые он обычно исполнял то в Петербурге и его пригородах, то в Версале (Бенуа регулярно ездил во Францию и подолгу жил там). В историю русской книжной графики художник вошел своей книжкой "Азбука в картинах Александра Бенуа" (1905) и иллюстрациями к "Пиковой даме" А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями к "Медному всаднику", трем вариантам которых посвятил почти двадцать лет труда (1903-22).

В эти же годы принимает участие в оформлении "Русских сезонов", организованных Дягилевым С.П. в Париже, которые включали в свою программу не только оперные и балетные постановки, но и симфонические концерты.

Бенуа оформил оперу Р. Вагнера "Гибель богов" на сцене Мариинского театра и вслед за тем исполнил эскизы декораций к балету Н. Н. Черепнина "Павильон Армиды" (1903), либретто которого сочинил сам. Увлечение балетом оказалось настолько сильным, что по инициативе Бенуа и при его непосредственном участии была организована частная балетная труппа, начавшая в 1909 г. триумфальные выступления в Париже - "Русские сезоны". Бенуа, занявший в труппе пост директора по художественной части, исполнил оформление к нескольким спектаклям.

Одним из высших его достижений были декорации к балету И. Ф. Стравинского "Петрушка" (1911). Вскоре Бенуа начал сотрудничество с МХТ, где он удачно оформил два спектакля по пьесам Ж.-Б. Мольера (1913) и некоторое время даже участвовал в руководстве театром наряду с К. С. Станиславским и В. И. Немировичем-Данченко.

С 1926 жил в Париже, где и скончался. Основные работы художника: "Прогулка короля" (1906), "Фантазия на Версальскую тему" (1906), "Итальянская комедия" (1906), иллюстрации к Медному всаднику Пушкина А.С. (1903) и другие

©

Рубрики: Художники

http://www.liveinter...9/post64522670/

[Рона]

КУСТОДИЕВ Б.М. ПРОДОЛЖЕНИЕ ЖИВОПИСЬ

КУСТОДИЕВ Б.М.

Один из крупнейших русских художников первой четверти XX в. Живописец, график, художник театра. Иллюстратор. Занимался скульптурой. Жанрист, портретист. Его искусство глубоко национально. Яркие, жизнерадостные полотна отображают ярмарки, масленицы, гулянья - крестьянский, купеческий быт провинции. Создал ряд портретов, в т.ч. знаменитый портрет Ф.И.Шаляпина, проявил себя как театральный художник.

"Конечно, надо знать мировое искусство, чтобы не открывать америк, не быть провинцией, но необходимо уметь сохранить в себе нечто свое, родное и дать при этом нечто большое и равноценное тому крупному, что дает Запад. Ведь и Запад у нас ценит все национально оригинальное (и, конечно, талантливое), например Малявина..." (Кустодиев Б.М.)

ЖИВОПИСЬ - ПРОДОЛЖЕНИЕ

Портрет Юлии Евстафьевны Кустодиевой. 1903

Пасхальный обряд (Христосованик). 1916

Русская Венера. 1925

Продолжение:

Рубрики: Художники

Теги: живопись художники кустодиев

БОРИС КУСТОДИЕВ (Часть 2)

Цитата сообщения gzhelka11

Прочитать целиком

КУСТОДИЕВ Б.М.

Талантливый бытописатель, мастер психологического портрета, автор книжных иллюстраций и театральный декоратор, Кустодиев создал значительные произведения почти во всех областях изобразительного искусства. Но с наибольшей силой его дарование проявилось в поэтических картинах на темы народной жизни, в которых художнику удалось передать неиссякаемую силу и красоту русской души. "Не знаю, - писал Кустодиев, - удалось ли мне сделать и выразить в моих вещах то, что я хотел, любовь к жизни, радость и бодрость, любовь к своему русскому - это было всегда единственным "сюжетом" моих картин..."

СЕРИЯ "РУССКИЕ ТИПЫ"

Матрос и милая. 1920г.

Купчиха за чаем. 1918г.

Булочник. 1920г.

Продолжение:

Через десятилетия пронес художник наблюдения детства, чтобы потом воссоздать их в картинах и акварелях. Интерес к рисованию пробудился у мальчика рано. Посетив в 1887 году выставку передвижников и впервые увидев картины настоящих живописцев, мальчик был потрясен... Он твердо решил стать художником. Несмотря на денежные затруднения, мать предоставила ему возможность брать уроки у местного живописца и педагога А. П. Власова, которого Кустодиев всегда считал своим лучшим и любимым учителем. Окончив в 1896 году духовную семинарию, Кустодиев едет в Петербург и поступает в Академию художеств. Занимаясь в мастерской И. Е. Репина, он много пишет с натуры, стремится овладеть мастерством передачи красочного многообразия мира. "На Кустодиева, - писал Репин, - я возлагаю большие надежды. Он художник даровитый, любящий искусство, вдумчивый, серьезный; внимательно изучающий природу..."

http://www.hrono.ru/.../o_kustodi.html

Рубрики: Художники

Теги: художники живопись кустодиев

http://www.liveinternet.ru/users/2010239/post62436927/

[Рона]

ПРИЧУДЫ ЛЮБВИ. КОНСТАНТИН СОМОВ

Название заголовка ни в коей мере не относится к самому художнику. Так я назвал серию жанровых картин Сомова, тему которых можно обозначить несколькими словами - "мужчина и женщина, роман, флирт, карнавал, любовь". Любовь именно на последнем месте, ибо не верится, глядя на героев картин Сомова, в ее искренность и "настоящесть". Но прежде чем представить подобранную мной галерею, давайте познакомимся с самим художником!

СОМОВ КОНСТАНТИН АНДРЕЕВИЧ

18 (30) ноября 1869 Петербург – 6 мая 1939 Париж

Русский художник, представитель русского символизма и модерна.

Родился в семье известного историка искусства А.И.Сомова. Отец художника много лет состоял в должности хранителя коллекций Эрмитажа. Дом наполняли картины и рисунки старых мастеров, которые долгое время со знанием дела собирал хозяин. Искусством занимались здесь все. Мать К. А. Сомова была хорошим музыкантом и развивала у своих детей интерес к пению, театру, живописи. В одном из первых рисунков Сомова изображены сестра и мать за мольбертами.

В 1889 г. Сомов поступил в Академию художеств , в стенах которой находился до 1897 г. За этот период произошло преобразование старой педагогической системы АХ, и Сомов оказался зачисленным в мастерскую И. Е. Репина. Здесь он создал две свои картины: "Дама у пруда" и "Людмила в саду Черномора". В них проявился интерес к ретроспективизму, элегичность, изысканность - то, что впоследствии определяло манеру художника.

В 1897 г., не окончив полного курса Академии, Сомов отправился в Париж, где занимался два года в частной школе-студии Ф. Коларосси и изучал памятники искусства. Одновременно с ним в Париже учились и работали А. Н. Бенуа, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова и другие "мирискусники". Особенно сблизился Сомов с Бенуа, который написал о нем первую статью, появившуюся в журнале "Мир искусства" за 1898 г.

В этой статье художественный критик подчеркивал влияние на творчество Сомова немецкой графики (О. Бердслей, Ш. Кондер, Т. Гейне), а также воздействие французской живописи XVIII в. (А. Ватто, Н. де Ларжильер), "малых голландцев" и русской живописи первой половины XIX в.

Вернувшись в Россию, Сомов отдал дань портретному жанру. Им были созданы портреты отца (1897), Н. Ф. Обер (1896), А. Н. Бенуа (1896) и А. П. Остроумовой (1901). Вершиной творчества в этот период стал портрет художницы Е. М. Мартыновой ("Дама в голубом", 1897-1900), изображенной на фоне пейзажа с флейтистами.

Был членом объединения «Мир искусства».

Как живописец получил известность портретами, но в первую очередь жанровыми сценками, воскрешающими жеманный мир придворных балов и маскарадов «галантного» 18 столетия ( Вечер, 1900–1902Третьяковская галерея, Москва; Зима. Каток, 1915, Русский музей, Петербург). Современный взгляд сочетается здесь с ретроспекциями былого романтически-причудливо, так что персонажи – в том числе портретов – порой кажутся элегантными пришельцами с того света (барышня-«ревенант» в картине Эхо прошедшего времени, 1903, Третьяковская галерея). Внутренне-ирреальны, подобно некоему натурному видению, даже и вполне повседневные, а не исторические пейзажи мастера (Радуга, 1908, там же).

Напротив, сугубо реальны – своей интеллектуальной энергией – созданные им образы людей творчества (написанные в смешанной технике портреты А.А.Блока (1907), М.В.Добужинского (1910), М.А.Кузмина (1909), Е.Е.Лансере (1907), Ф.К.Сологуба (1907)), по праву считающиеся предельно объективными.

Помимо портретной графики Сомов работал и в области книжной иллюстрации. В начале XX в. художники "Мира искусства", среди которых был и Сомов, возродили после долгого забвения этот вид искусства.

Свободно работая в разных техниках, Сомов как художник-оформитель внес выдающийся вклад в искусство книги, где свойственный его манере привкус черного гротеска проступил еще острее.

Наряду с другими "мирискусниками" Сомов принимал самое деятельное участие в графическом оформлении журналов "Мир искусства" и "Парижанка", периодического издания "Художественные сокровища России" и др.

Из его иллюстративных циклов наиболее известны Граф Нулин А.С.Пушкина (1899), Невский проспект и Портрет Н.В.Гоголя (1901)

Снабдил изящными иллюстрациями и оформил "Книгу маркизы" Ф. фон Блея (1908), (вышедшая в полном «эротическом варианте» в 1918), используя характерный для XVIII в. черно-белый силуэт и стилизованные "китайские мотивы".

Лейтмотивом обложек книг, оформленных Сомовым, всегда была концентрация замысла произведения. Таковы обложка для издания стихотворений К. Д. Бальмонта "Жар-птица, свирель славянина", фронтиспис стихотворного сборника В. И. Иванова "Corardens", титульный лист книги А. А. Блока "Театр" (все 1907) и др. Строгость композиции и декоративная звучность колорита отличают эти работы художника.

Все творчество Сомова пронизывает интерес к пейзажу, будь то портрет, жанровая сцена или интерьер с видом из окна. Его ранние работы - "Сумерки в старом парке", "Конфиденции" (обе 1897), "Поэты" (1898), "Купальщицы" (1899) и др. - отмечены гармонией цвета и игрой фактуры, передающими идиллически-задумчивый, одухотворенный образ природы.

Любование и гротеск сопровождают настроение многих ретроспекций Сомова. Таковы картины "Эхо прошедшего времени" (1903), "Арлекин и смерть" (1907), "Осмеянный поцелуй" (1908), "Зима. Каток" (1915).

Помимо живописи и графики художник много и успешно работал в области мелкой пластики, создавая изысканные «рокайльные» фарфоровые композиции: "Граф Нулин" (1899), "Влюбленные" (1905) , «Дама, снимающая маску» (1906) и др.

Экспонируя свои произведения на выставках "Мира искусства", персональной выставке 1903 г. в Петербурге, на берлинском "Сецессионе" и парижском Осеннем Салоне 1906 г., Сомов приобрел широкую известность. Февральскую революцию 1917 г. художник встретил с радостью, Октябрьскую - сдержанно, но лояльно. И хотя на его антикварную коллекцию была дана охранная грамота, а сам он пережил разруху, довольствуясь продовольственными карточками, работать по-прежнему Сомов уже не мог. Заказов не было, продавать свои картины случайным людям, скупающим их для спекуляции, было для него неприемлемо, поэтому, когда художнику предложили выехать в качестве уполномоченного от петроградцев с Русской выставкой в США, он охотно согласился.

Выехав в начале декабря 1923 в командировку в Нью-Йорк, художник в 1925 обосновался во Франции, где жил в столице, а летом на ферме Гранвилье в Нормандии.

По-прежнему плодотворно работал как живописец и график-станковист, равно как и иллюстратор: циклы Манон Леско А.Прево (1926, Музей декоративных искусств, Буэнос-Айрес) и Дафнис и Хлоя Лонга (1930, частное собрание, Париж)). Написал ряд откровенно-эротических сценок гомосексуального толка (Обнаженные в зеркале у окна, 1934, частное собрание, Париж).

Последние годы жизни художник был тяжело болен, с трудом ходил, но и тогда продолжал интенсивно работать.

Умер Сомов в Париже 6 мая 1939.

Ну, а теперь обещанные ПРИЧУДЫ ЛЮБВИ! Эту галерею я посвящаю Анжелине и Ирине.

Смотрите и получайте удовольствие!

К.Сомов Идиллия 1905 г.

К.Сомов Поцелуй (Силуэт) 1906 г.

К.Сомов Осмеянный поцелуй 1908 г. Русский музей, Санкт-Петербург

К.Сомов Влюбленные. Вечер. 1910 г. Национальная галерея Армении, Ереван

К.Сомов Пьеро и дама 1910 г. Художественный музей, Одесса

К.Сомов Влюбленный Арлекин 1912 г. Частная коллекция

К.Сомов В лесу 1914 г. Русский музей, Санкт-Петербург

К.Сомов Юноша на коленях перед дамой 1916 г. Музей-квартира И.И.Бродского, Санкт-Петербург

К.Сомов Галантная сцена. В саду. 1918 г. Частная коллекция

К.Сомов Влюбленные 1920 г. Художественный музей им. Радищева, Саратов

К.Сомов Арлекин и дама 1921 г. Русский музей, Санкт-Петербург

К.Сомов Дафнис и Хлоя 1930 г. Музей Ашмолеан, Оксфорд

И вдобавок еще одна история сюжета. Впервые Сомов нарисовал картину "Поцелуй" в 1908 году, как иллюстрацию к "Книге маркизы" методом цинкографии. Через 6 лет (в 1914 году) художник ее повторил для частной коллекции уже в цвете, но видимо в спешке, ибо сочные кисти винограда - единственные не прописанные детали полотна. И, наконец, третий вариант вышел еще через 4 года - в 1918. Опять же в цвете, но практически дублируя первый рисунок. Посмотрите, сравните!

К.Сомов Поцелуй 1908 г.

К.Сомов Поцелуй 1914 г.

К.Сомов Поцелуй 1918 г.

Рубрики: Художники

Тематические подборки живописи

Теги: художники любовь живопись сомов

http://www.liveinter...9/post60934299/

[Рона]

КАРЛ УЛОФ ЛАРСОН (ШВЕЦИЯ) часть 1

Цитата сообщения Ostreuss

Прочитать целикомВ свой цитатник или сообщество!Carl Larsson 1853-1917

Сегодня наконец добрался до Карла Ларссона. Долго я к нему шел.

Шведы не то придерживают в инете Ларссена. Не то считают, что на фоне гениальных прозрений Ванов Гог-Гогенов он слишком безбунтарский. Но величайший рисовальщик переливается через запреты, ограничения, коды и намёки на то, что хоть пару евро нужно бы заплатить... Он возникает где-то на сайте по вязанию носков, или на сайте, полностью написанным неберушимися даже у меня иероглифами. И я скачал "Дом под солнцем". Целиком! Он был у меня, настоящая книга, 1911 года. Но я подарил его девушке. Тогда я делал очень дорогие подарки...

Давайте зайдём в гости к шведу. Это хорошие люди, не бойтись. Вот он, Дом-Под-Солнцем...

Поближе он - вот такой:

А летом - вот такой:

Там живёт семья Ларсенов, и младшие отпрыски довольно часто пытаются что-то подправить на рисунках своего папы...

Это его студия. Утро наверное, никого...

Ну вот, кто-то

проснулся.

Пора брать бардак в руки и занять всех делом.

Завтрак. Ну, что опять не так? Кто там хмурит лобик?

Завтрак. Ну, что опять не так? Кто там хмурит лобик?

Народ учится, когда время - учться. Играет гаммы, читает обязательное чтение...

Вот тут старшие решили сделать дом таким, каким они хотели бы его видеть. Наверное, поэтому эти акварели Ларссена открывают и закрывают все выставки, посвыщённых скандинавскому дизайну.

Молодёжь свалила на речку...

Они уже позавтракали. По случаю тёплого дня завтрак был под Большой Березой.

Поскольку положенные мне 2 Gb подходят к завершению, рассказ о том, как здесь празднуют, встречают Новый Год, ставят самодеятельные пьески, и встречаются за огромным столом с родственниками и друзьями в торжество - в другой раз.

В другой раз - как здесь болеют, выздоравливают, чевствуют именниников; как сидит в углу наказанный , а кто-то клюют носом перед сном. Здесь всё как у людей.

Но почему-то - завидно.

http://www.liveinter...9/post66896878/

АНТУАН БЛАНШАР И ЕГО ПАРИЖ

Цитата сообщения gzhelka11

Прочитать целикомВ свой цитатник или сообщество!

ПОД НЕБОМ ФРАНЦИИ, СРЕДИ СТОЛИЦЫ СВЕТА...

Bouquinistes de Notre-Dame

Под небом Франции, среди столицы света,

Где так изменчива народная волна,

Не знаю отчего грустна душа поэта

И тайной скорбию мечта его полна.

Каким-то чуждым сном весь блеск несется мимо,

Под шум ей грезится иной, далекий край;

Так древле дикий скиф средь праздничного Рима

Со вздохом вспоминал свой северный Дунай.

О боже, перед кем везде страданья наши

Как звезды по небу полночному горят,

Не дай моим устам испить из горькой чаши

Изгнанья мрачного по капле жгучий яд!

(Фет Афанасий Афанасьевич-1856)

Porte St. Denis

Place de la Republique

[Рона]

ДВОЙНЫЕ КАРТИНЫ (ЧАСТЬ 8 - ПУШКИН И АЙВАЗОВСКИЙ)

Анжела в своем Дневнике выложила целую серию замечательно-познавательных постов, посвященных теме Пушкина, что мне ничего не оставалось, как сделать этот материал в дополнение к теме Анжелы и в продолжение своей темы картин-"двойников" (хотя я знаю, что такого термина нет в искусствоведении!!!)

Итак, Пушкин и Айвазовский.

Алексей Тыранов Портрет И.Айвазовского 1841 г. Третьяковская галерея

Василий Тропинин Портрет А.С.Пушкина 1827 г. Государственный музей Пушкина, Санкт-Петербург

Мастер кисти Иван Айвазовский всецело посвятил свое дарование "свободной стихии", как окрестил море Пушкин, и стал ее преданным певцом.

На формирование творчества Айвазовского поэзия А.С. Пушкина оказала большое влияние, поэтому часто перед картинами Айвазовского в нашей памяти возникают пушкинские строфы.

У Айвазовского была своя сложившаяся система творческой работы. "Сюжет картин слагается у меня в памяти, как у поэта. Сделав набросок на клочке бумаги, я приступаю к работе и до тех пор не отхожу от полотна, пока не выскажусь на нем кистью…"

Сопоставление методов работы художника и поэта здесь не случайно.

Интересная деталь - Айвазовский лично встречался с Пушкиным.

Встреча произошла в 1836 году, в Санкт-Петербурге на Академической выставке. Вот как сам Айвазовский описывает эту встречу: «Узнав, что Пушкин на выставке, в Античной галерее, мы, ученики Академии и молодые художники, побежали туда и окружили его. Он под руку с женою стоял под картиной Лебедева, даровитого пейзажиста. Поэт восхищался ею. Наш инспектор Академии Крутов, который его сопровождал, искал между всеми Лебедева, чтобы представить Пушкину, но Лебедева не было, а, увидев меня, взял за руку и представил Пушкину как получившего тогда золотую медаль (я оканчивал Академию). Пушкин очень ласково меня встретил, спросил, где мои картины. Я указал их Пушкину. Как сейчас помню, их было две. Узнав, что я крымский уроженец, великий поэт спросил, из какого города, и если я так давно уже здесь, то не тоскую ли я по родине и не болею ли на севере. На красавице супруге поэта было платье черного бархата, корсаж с переплетенными черными тесемками и настоящими кружевами, а на голове — большая палевая шляпа с большим страусовым пером, на руках — длинные белые перчатки. Мы все, ученики, проводили дорогих гостей до подъезда».

Знакомство с Пушкиным произвело неизгладимое впечатление на молодого Айвазовского. "С тех пор и без того любимый мною поэт сделался предметом моих дум, вдохновения и длинных бесед и рассказов о нем", - вспоминал художник.

Айвазовский всю жизнь преклонялся перед талантом величайшего русского поэта, посвятив ему позже, в 1880-е годы целый цикл картин (мне известны 6 картин этого цикла). В них он соединил поэзию моря с образом поэта. Сегодня мы поговорим о трех из них.

Вместе с И. Репиным в 1877 году Айвазовский создает известное полотно «Прощание Пушкина с морем». Айвазовский знал свою слабость в портрете, и сам пригласил Репина написать Пушкина. Позднее Репин так отозвался о совместной работе: "Дивное море написал Айвазовский. И я удостоился намалевать там фигурку". Картина хранится во Всероссийском музее А.С.Пушкина в Санкт-Петербурге.

Ровно через десять лет, в год пятидесятилетия со дня гибели А. С. Пушкина, в 1887 году Айвазовский пишет картину "Пушкин на берегу Черного моря". Картина находится в художественном музее Николаева.

И третье обращение к теме «Пушкин и море» происходит у Айвазовского тоже ровно через десять лет (за три года до смерти) в 1897 году. Картину он называет так же - "Пушкин на берегу Черного моря". Есть у нее и второе название - "Прощай, свободная стихия...". Четверостишье Пушкина написано прямо на холсте. Не символично ли за три года до смерти писать «Прощай» свободной стихии. Художник, как бы, сам прощался с морем! В облике поэта на картине Айвазовский, несомненно, рисует и свои молодые черты.

Теперь смотрим.

1. 2.3.

1. И.К. Айвазовский, И.Е. Репин. "Прощание Пушкина с морем" 1877 г.

Холст, масло.

Всероссийский музей А.С.Пушкина, Санкт-Петербург

2. И.К. Айвазовский "Пушкин на берегу Черного моря" 1887г.

Холст, масло. 212x314 см

Николаевский художественный музей им. В.В.Верещагина, Николаев

3. И.К. Айвазовский «А.С. Пушкин на берегу Черного моря». 1897

Холст, масло. 186x141,5 см

Одесский художественный музей, Одесса

Есть мнение, что поэт и художник были чем-то похожи.

Об этом на портале «Пассаж» есть замечательная статья Родиона Феденёва «Пушкин иль не Пушкин?», посвященная портрету Айвазовского кисти Стефана Рымаренко, написанному в 1846 году. Хотя на мой взгляд в статье использована репродукция портрета Айвазовского кисти Алексея Тыранова (1841 г.), о чем, если присмотреться, написано на картине. Тем не менее статью прочтите!

http://www.odessapassage.com/arhiv/...10/pushkin.php3

А вот и сам портрет И.К.Айвазовского работы С.А.Рымаренко (1846 г.), найденный с помощью NADYNROM.

И закончить пост мне хочется строками Багрицкого, которые подходят ко всем трем картинам.

«Клыкастый месяц вылез на востоке

Меж соснами и костяками скал.

Здесь он стоял, здесь рвался плащ широкий,

Здесь Байрона он нараспев читал.

Здесь в дымном, голубином оперенье

И ночь, и море стлалось перед ним…»

Рубрики: Картины-двойники

Художники

Теги: художники живопись пушкин айвазовский

http://www.liveinternet.ru/users/2010239/post64402623/

[Рона]

Цитата сообщения NADYNROM

Прочитать целикомВ свой цитатник или сообщество!Живопись и поэзия

Дабы рассказать о том, что я не люблю в живописи, проще всего процитировать замечательное стихотворение Александра Городницкого:

НАТЮРМОРТЫ

А я не люблю натюрморты -

Хрустальных бокалов игру,

Порядок, недвижный и мертвый,

Черемухи, яблок и груш.

Смотрю, как в окошко за ставней,

В картинку за синим стеклом.

Весь стол до отказа заставлен,

Но нет никого за столом.

Как будто нас в летнюю пору

Позвал отдохнуть от трудов

Питух, весельчак и обжора,

Хозяин цветов и плодов.

Воспримем же это за шутку:

Ведь был он умен и красив,

Он просто ушел на минутку,

На пиршество нас пригласив.

На фрукты, кувшины и вазы,

Музейное солнце, свети.

Предметы, не видные глазу,

Я с грустью пытаюсь найти.

Концы и начала историй,

Что бережно прячут года,

О том человеке, который

Уже не придет никогда.

Б. М. Кустодиев. "Натюрморт с фазанами"

Н. П. Богданов-Бельский. "Натюрморт"

Очень много красивейших натюрмортов с цветами. Можно полюбоваться и пойти дальше. К чему-нибудь более живому и одухотворенному.

Рубрики: Художники

http://www.liveinternet.ru/users/2010239/post61990606/

[Рона]

http://www.liveinternet.ru/users/5458684/post354213565/Великие художники. Импрессионисты / The Impressionists

 

Описание: "Великие Художники" - это хроника жизни и творчества людей, гений которых приводил в восторг артистический мир на протяжении многих поколений. Этот цикл выдвигает на первый план наиболее важные события, происходившие в жизни каждого художника, исследует стилистические особенности и приводит детальные объяснения их техники. Также приводится комментарий экспертов и анализ ведущих историков искусства и ученых в этой области.



Эдгар Дега

Илэр Жермен Эдгар Дега (Degas, Edgar) родился 19 июля 1834 в Париже. В 1855 он поступил в Школу изящных искусств. В это время Дега совершал частые поездки в Италию, где изучал искусство старых мастеров и классические принципы композиции. В 1862 он познакомился с Эдуаром Мане (1832–1883) и другими импрессионистами, вместе с которыми впоследствии участвовал в художественных выставках.

Работы Дега, исполненные до 1860, представляют собой в основном портреты друзей и родственников; кульминацией этого периода творчества мастера стало создание группового портрета Семья Беллили (1858–1860). В конце 1860-х годов Дега начал писать сцены из городской жизни, изображая быт художественных мастерских, театров и кафе. В 1870-е годы он часто изображал танцовщиц и скачки. Свежесть, непосредственность и динамичность этих работ сближает их с искусством импрессионистов. Одно из самых известных произведений этого периода – Танцевальный класс (1872, Париж, Лувр).

Работы Дега 1880-х годов отражают его увлечение японской гравюрой и фотографией. Резкое перспективное сокращение ускоряет переход от переднего плана к заднему, пол опрокидывается, фигуры обрезаются краем холста – таким образом создаются асимметричные композиции, отражающие подвижную, изменчивую реальность, которую можно наблюдать с самых необычных точек зрения. В 1880 Дега впервые обратился к технике пастели; он стал часто изображать лавочки модисток, прачек и пр. В эти годы Дега упростил и очистил свой рисунок от всего лишнего так, что мог с помощью одного только контура передать игру мышц движущегося человеческого тела. Среди работ этого периода – Гладильщицы (ок. 1884) и Обнаженная, расчесывающая волосы (1885). Поскольку изображенные им женщины были показаны без всякой идеализации, Дега часто несправедливо обвиняли в женоненавистничестве. После 1890 живописные работы Дега приобретают более скульптурный характер. Контуры подчеркиваются толстой, прочерченной углем линией, а в колорите начинают преобладать пурпурные, розовые и зеленоватые оттенки, придающие ему звонкость; детали сводятся к минимуму.

В 1880-е годы Дега начинает работать в скульптуре, отчасти из-за усиливавшейся болезни глаз. Дега создавал свои статуи из глины или воска, которые он наносил на каркас, и многие из них погибли из-за несовершенства этой техники. Около 150 статуэток, оставшихся в мастерской после его смерти, были отлиты из бронзы.

Дега создал огромное количество подготовительных набросков и законченных произведений. Его рисунки могут служить свидетельством последовательности творческого процесса художника; они показывают, как пастельные композиции с изображением танцевальных сцен составлялись из набросков отдельных движений и поз.

Дега умер в Париже 26 сентября 1917. Кроме живописных и скульптурных работ, он оставил заметки и значительную коллекцию гравюр и живописи 19 в. В этой коллекции, распроданной с аукциона в 1918, были произведения таких крупнейших мастеров французской живописи, как Энгр, Делакруа и Гоген.

Эдуард Мане

Мане Эдуард (Manet, Edouard) (1832-1883 гг.), французский живописец и график, своим искусством предвосхитил возникновение импрессионизма и стал одним из его основоположников. Новаторская живопись Мане подвергалась яростным нападкам критики, считавшей художника бунтарём в искусстве. Используя и переосмысливая сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их острым современным звучанием, полемически внося в известные классические композиции современного человека ("Завтрак на траве", 1863 г.).

В конце 1860-х гг. Мане сблизился с Э. Дега, К. Моне, О. Ренуаром и перешёл к пленэрной живописи; глухие и плотные тона с преобладанием тёмных цветов сменилось более светлой и свободной живописью ("В лодке", 1874 г.). Основная тема произведений Мане - сцены парижской жизни ("Нана", 1877 г.; "В кабачке папаши Латюиль", 1879 г.). В самом значительном и глубоком его произведении "Бар ''Фоли-Бержер''" (1881-1882 гг.) показана иллюзорность и призрачность счастья среди сверкающего, праздничного веселья. Мане обращался к самым разнообразным темам, писал портреты, натюрморты и пейзажи, выступал как рисовальщик, мастер литографии и офорта. Творчество Мане вдохнуло новую жизнь во французское искусство 19 века и во многом определило основные пути дальнейших художественных исканий.

Клод Моне

Моне Клод (Monet, Claude) (1840-1926 гг.), французский художник, с которым связано возникновение импрессионизма (от франц. impression - впечатление). Название этому течению дала одна из его картин - "Впечатление. Восходящее солнце" (1872 г.). В юности художник жил в Гавре, где, по совету Будена, писал пейзажи на открытом воздухе. В 1859 г., переехав в Париж, Моне подружился с Писсарро, Ренуаром и Сислеем, которые тоже предпочитали писать непосредственно с натуры. Развивая достижения мастеров Барбизонской школы, со 2-й половины 1860-х г. стремился передать средствами пленэрной живописи изменчивость световоздушной среды, всю красочную картину мира, сохранив свежесть первого зрительного её восприятия.

На ранних этапах творческого пути Моне испытал влияние Мане, но потом сосредоточил всё внимание на передаче света и оттенков цвета, в чём был более последователен, чем другие импрессионисты. С 1870 г. Моне почти полностью переключился на пейзажи и передачу гармонии цвета при разном освещении ("Бульвар капуцинов в Париже", 1873 г.; "Скалы в Этрета", 1886 г.; "Поле маков", 1880-е гг.). В 1890-х гг. создал серии картин-вариаций на один сюжетный мотив ("Руанский собор"). Для работ Моне позднего периода характерно нарастание черт декоративизма ("Кувшинки", 1904-1922 гг.).

Камиль Писсарро

Писсарро Камиль (Pissarro, Camille) (1830-1903 гг.), французский живописец и график, известный представитель импрессионизма. Писсарро был единственным художником, который участвовал во всех восьми выставках импрессионистов. Считался духовным наставником этого движения. Творческое наследие художника составляют главным образом пейзажи. С 1895 г. у Писсарро ухудшается зрение, он вынужден отказаться от работы на пленэре и начинает писать виды Парижа из окон своей мастерской.

Его сын, Люсьен Писсарро (Lucien Pissaro) (1863-1944 гг.), в 1890 г. переехал в Лондон и способствовал распространению в Англии импрессионизма и постимпрессионизма.

Пьер Огюст Ренуар

Ренуар (Пьер) Огюст (Renoir, (Pierre) Auguste) (1841-1919 гг.), французский живописец, один из основателей импрессионизма. Карьеру художника начал на фабрике, расписывая изделия из фарфора, шторы, веера. В начале 1860-х гг. Ренуар учился в школе изящных искусств, где сблизился с художниками-импрессионистами, в частности с Моне, Сислеем и другими. В конце 1870-х гг. начинает писать на пленэре, органично включая в картины человеческие фигуры ("Купание на Сене", 1869 г.). В 1881-1882 гг. совершил поездку в Италию, которая оказала влияние на его творчество. В его живописи появляются черты декоративности, фигуры очерчиваются контуром, палитра сводится к сочетанию нескольких цветов. Ренуар часто обращался к темам классической мифологии.

В 1890-х гг. заболел ревматизмом, с 1912 г. был прикован к инвалидной коляске, но продолжал работать до последних лет жизни. Его скульптурные работы близки к произведениям А. Майоля. Тематика его работ Ренуара различна: прелестные портреты детей и женщин, натюрморты с цветами, пейзажи.

Жорж Сёра

Жорж Сёра (Georges Seurat) родился 2 декабря 1859 г. в Париже. В 1878—1879 г. посещал Школу изящных искусств. Затем служил в армии в Бресте. В 1880 г. вернулся в Париж. В поиске своего стиля в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек. Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии.

Сёра, как и его друг художник Синьяк, тяготели к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). На электронной аналогии этого метода основывается работа растрового дисплея.

Художник скончался 29 марта 1891 г. в Париже, предположительно от дифтерита. Похоронен на кладбище Пер-Лаше

[Рона]

http://www.liveinternet.ru/users/5458684/post354213565/