Великие художники

[Рона]

Выдающийся русский живописец,мастер парадного портета,исторического и мифологического жанра.Обалденный мастер рисунка и акварели

Брюллов Карл Павлович (1799 - 1852)

В картине посредством красок, освещения и перспективы художник приближается более к натуре и имеет некоторое право иногда отступать от условной красоты форм.

» Брюллов К.П.

Выдающийся русский живописец. Родился в обрусевшей немецкой семье в Петербурге (отец будущего мастера сам был резчиком по дереву) 12 (23) декабря 1799. Учился в Академии художеств (1809-1821), в частности у А.И.Иванова (отца А.А.Иванова). В 1823-1835 работал в Италии, выехав туда как "пенсионер" Общества поощрения художеств и испытав глубокое воздействие античного, равно как и итальянского ренессансно-барочного искусства.

Итальянские картины Брюллова проникнуты чувственной негой ("Итальянский полдень", 1827; "Вирсавия", 1832); в этот период окончательно формируется и его дар рисовальщика. Он выступает и как мастер светского портрета, превращая свои образы в миры сияющей, "райской" красоты ("Всадница (Дж. и А.Паччини)", 1832). Стремясь к большим историческим темам, начинает в 1830 работу над "Последним днем Помпеи" (побывав на месте раскопок древнеримского города, разрушенного извержением Везувия). Многофигурное трагическое полотно становится в ряд характерных для романтизма "картин-катастроф". "Помпея" Брюллова (завершенная в 1833 и хранящаяся в Русском музее) производит сенсацию как в России (где о ней восторженно пишут А.С.Пушкин, Н.В.Гоголь, А.И.Герцен и др.), так и за рубежом, где ее приветствуют как первый большой международный успех русской живописной школы.

На родину в 1835 художник возвращается уже как живой классик. Посетив по пути Грецию и Турцию, он создает целый ряд поэтических образов Восточного Средиземноморья. Обратившись по предложению Николая I к русской истории, Брюллов пишет "Осаду Пскова Стефаном Баторием" (1836-1843, ГТГ), не сумев, однако же, добиться (несмотря на ряд ярких живописных находок в эскизах) эпической цельности своего итальянского шедевра. Важную сферу его творчества отныне составляют монументально-оформительские проекты, где ему удалось органически сочетать таланты декоратора и драматурга (эскизы росписей Пулковской обсерватории, 1839-1845; этюды и наброски ангелов и святых для Исаакиевского собора, 1843-1848).

Полным хозяином своих образов Брюллов выступает в портретах. Даже в заказных вещах (типа "Графини Ю.П.Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью А.Паччини", ок. 1842, ГРМ) феерическая пышность колорита и мизансцен выглядит в первую очередь как триумф искусства. Еще более непринужденны, психологически-задушевны по краскам и светотени образы людей искусства (поэта Н.В.Кукольника, 1836; скульптора И.П.Витали, ок. 1837; баснописца И.А.Крылова, 1839; писателя и критика А.Н.Струговщикова, 1840), в том числе известный меланхолический автопортрет (1848).

Все более слабея от болезни, с 1849 Брюллов живет с 1849 на острове Мадейра, а с 1850 - в Италии. Умер Брюллов в местечке Мандзиана (близ Рима) 23 июня 1852.

[Рона]

[Рона]

Величайший маринист в истории мирового исскуства

Иван Константинович Айвазовский

Те картины, в которых главная сила - свет солнца, ... надо считать лучшими.

» Айвазовский И.К.

Иван Константинович Айвазовский родился 17 июля 1817 года в Феодосии в семье армянского предпринимателя, позднее разорившегося.

Сначала учился в гимназии в Симферополе, затем в 1833 году поступил в Петербургскую Академию художеств, где с 1833 по 1839 годы учился у М.Н.Воробьева в пейзажном классе.

Появившаяся на академической выставке в 1835 году первая картина Айвазовского "Этюд воздуха над морем" сразу же получила хвалебные отзывы критики. В 1837 году живописец за три своих работы с морскими видами награждается большой золотой медалью.

Вскоре Айвазовский отправляется в Крым, получив задание написать ряд пейзажей с крымскими городами. Там он познакомился с Корниловым, Лазаревым, Нахимовым. Крымские работы художника также были успешно представлены на выставке в Академии художеств.

В 1840 году Айвазовский направляется по заданию Академии в Италию. Там он много и плодотворно работает, изучает классическое искусство. В Риме и других европейских городах проходят успешные выставки его работ.

Парижский Совет Академий награждает его золотой медалью. По возвращении в Россию Айвазовский получает звание академика, его направляют в Главный морской штаб, где художнику поручают нарисовать ряд балтийских видов.

Живописец Главного морского штаба (с 1844), Айвазовский принимает участие в ряде военных кампаний (в том числе в Крымской войне 1853–1856), создав немало патетических батальных полотен (Чесменский бой, 1848, Феодосийская картинная галерея). Хотя он исполнил немало «чисто земных» пейзажей, среди которых выделяются украинские и кавказские виды, именно море обычно предстает у него универсальной основой природы и истории, особенно в сюжетах с сотворением мира и потопом; впрочем, образы религиозной, библейской или евангельской, иконографии, равно как и античной мифологии, нельзя причислить к самым большим его удачам. Целый ряд картин Айвазовский посвятил древней и новой армянской истории (Посещение Дж.Г.Байроном монастыря мхитаристов близ Венеции, 1880, Картинная галерея Армении, Ереван).

Море предстает у Айвазовского как бы основой природы, в его изображении художнику удается показать всю жизненную красоту могучей стихии. Одной из самых известных картин Айвазовского стал его "Девятый вал", написанный в 1850 году.

Но Айвазовский оставил след в истории не только, как талантливый живописец, но и меценат. Скопив благодаря популярности своих работ немалый капитал, Айвазовский щедро занимался благотворительностью. На его деньги было выстроено здание археологического музея в Феодосии, проведено большое количество работ по благоустройству города.

Из его феодосийской мастерской вышло много известных художников - Куинджи, Лагорио, Богаевский.

Умер Иван Константинович Айвазовский 19 апреля 1900 года.

[Рона]

[Рона]

Великий русский мастер портрета

Репин Илья Ефимович (1844–1930)

Родился будущий художник 5 августа 1844 года в маленьком городке Чугуеве на Украине, в семье военного поселенца. Рано обнаружив склонность к рисованию, и получив с помощью местных живописцев первые, но довольно уверенные навыки владения кистью и карандашом. Что, несомненно, поможет ему в дальнейшем.

Вся репинская жизнь, и в особенности юность и молодость, представляется в его интерпретации какой-то нескончаемой цепью редких удач и просто неслыханных везений. Удачей стал его приезд - провинциального иконописца - в Петербург, счастьем - сознание того, что он находится в одном городе с Академией и учится в Рисовальной школе на Бирже.

Неверие в собственную исключительность и гениальность, в свое законное первенство осталось в нем навсегда. Он любил называть себя «посредственным тружеником» и ежедневным каторжным трудом отрабатывал свое громкое имя. Удачи не сделали его небожителем, а неудачи не озлобляли. Поступив в желанную Академию, он делает стремительные успехи: и уже через месяц после поступления ему ставят за рисунки первые номера. И не удивительно: он приехал в Петербург уже крепким мастером, профессионалом, услугами которого охотно пользовалась вся чугуевская округа.

Живописные и графические произведения, созданные Репиным в годы пребывания в Академии художеств, могут показаться свидетельством раздвоения его творческих усилий. Отчасти так оно и было.

Но прежде чем в 1873 году художник уедет из России, он испытает свой первый настоящий успех, связанный с появлением на выставке в марте 1873 года картины «Бурлаки на Волге». Над ней Репин вплотную работал три года, настойчиво отыскивая наиболее выразительную композицию и впечатляющий типаж. Картина построена так, что процессия движется из глубины на зрителя, но одновременно композиция прочитывается как фризообразная, так что фигуры не заслоняют друг друга. Это сделано мастерски. Перед нами - вереница персонажей, каждый из которых - самостоятельная портретная индивидуальность. Репину удалось соединить условность картинной формы с удивительной натурной убедительностью. Художник разбивает ватагу бурлаков на отдельные группы, сопоставляя различные характеры, темпераменты, человеческие типы.

Возглавляет ватагу тройка «коренников»: в центре бурлак Канин, лицом напоминавший Репину античного философа, справа - бородач с несколько обезьяньей пластикой, олицетворение первобытной дремучей силы, справа - «Илька-матрос», озлобленным, ненавидящим взглядом уставившийся прямо на зрителя. Спокойный, мудрый, с несколько лукавым прищуром, Канин являет собой как бы серединный характер между этими двумя противоположностями.

Столь же характерны и другие персонажи: высокий флегматичный старик, набивающий трубку, юноша Ларька, непривычный к такому труду и словно пытающийся освободиться от лямки, черноволосый суровый «Грек», обернувшийся, словно для того, чтобы окликнуть товарища - последнего, одинокого бурлака, готового рухнуть на песок.

Начало и конец пути, продуманное повествование о жизни людей, годами существующих рядом, вместе - таков «сверхсюжет» репинских «Бурлаков».

Широта интересов, отзывчивость таланта - основные свойства творческой натуры Репина. В одно и то же время он способен был работать с различными вещами и в различной манере. Репина упрекали в художественной неразборчивости: «Сегодня он пишет из Евангелия, завтра народную сцену на модную идею, потом фантастическую картину из былин…» Но не все это ценили.

В 1882 году начинается самый значительный, самый плодотворный период его творчества. За какие-нибудь десять - двенадцать лет Репин создает большинство своих наиболее известных произведений. Такие как: «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883). Тема крестного хода - одна из популярнейших в русской живописи. Однако Репин не имеет соперников в изображении толпы, шествия. В «Крестном ходе» толпа показана как единый массив. Но когда взгляд начинает выхватывать отдельные фигуры, создается впечатление, что Репин буквально каждое лицо увидел в жизни.

В характеристиках привилегированной части толпы - мещан, купцов, кулаков и помещиков - отчетливы обличительные интонации, имеющие своим источником критическую тенденцию 1860 годов. На лицах - выражение притворного благочестия, сознание собственной значительности, важность.

Особое место в творческой биографии художника занимает серия работ посвященных революционной теме. Именно эти замыслы имел в виду мастер, когда, собираясь переезжать из Москвы в Петербург, заявлял о своем желании писать картины «из самой животрепещущей жизни».

В картинах «Отказ от исповеди» (1879-85), «Не ждали» (1884), «Арест пропагандиста», 1880-92; тема эта воплощена с невиданной масштабностью и смелостью. В центре образов — борец с самодержавием, героически непреклонный, но в то же время трагически отчужденный от окружающей его человеческой среды. Этот круг одинокого фанатизма экспрессивно очерчен светотеневыми контрастами и (в особенности в «Не ждали») Самое значительное произведение на революционную тематику. Художник изобразил революционера, возвратившегося в родной дом из ссылки. Его неловкая поза, ожидание, застывшее в глазах, свидетельствующих о неуверенности, даже страхе: узнает ли его семья, примут ли отца, отсутствующего много лет, его дети? Репину удалось мастерски передать всю сложную гамму чувств, отраженных на лицах революционера и членов его семьи. Испуганно смотрит на незнакомого мужчину девочка (когда его забрали, она была слишком мала и потому забыла своего отца), изумлением полны глаза жены, сидящей у рояля. А на лице мальчика - радостная улыбка, говорящая о том, что ребенок догадался, кто стоит перед ним.

Репин написал свою картину очень быстро, на одном дыхании. Но затем дело остановилось: в течение нескольких лет он переделывал голову революционера, стремясь добиться нужного выражения. По первоначальному замыслу его герой должен был иметь мужественный облик, но, в конце концов, художник остановился на мысли, что гораздо важнее показать муки и душевные переживания человека, на много лет оторванного от родного дома и семьи.

Чрезвычайно важную часть репинского наследия составляют и его портреты. Он создает замечательные, острохарактерные типажные композиции («Мужичок из робких»),1877. Живая, трепетная убедительность образа, порой доходящая до натурализма (как в портрете Мусоргского, где великий композитор представлен тяжело больным), достигает особой задушевности в камерных портретах мастера («Графиня Луиза Мерси дАржанто», 1890, Третьяковская галерея) и портретах родных [«Осенний букет» (дочь художника Вера), 1892, там же; ряд портретов жены Репина Н. И. Нордман-Северовой.

Репин так же проявил себя и как высокоодаренный педагог. Был профессором — руководителем мастерской (1894-1907) и ректором (1898-1899) Академии художеств, одновременно преподавал в школе-мастерской Тенишевой; среди его учеников — Б. М. Кустодиев и И. Э. Грабарь. Давал также частные уроки В. А. Серову.

Художник прожил долгую жизнь, жизнь человека, полностью преданного своему делу. Его огромный живописный талант признавали все, но не все могли в полной мере оценить исторический, общественный смысл его искусства.

Умер Репин в преклонном возрасте, в 1930 году, и вплоть до последних лет своих не выпускал из рук кисть.

[Рона]

Осенний букет. 1892.

Это портрет дочери художника В. И. Репиной. Живя в 1890-х годах в имении "Здравнево" в Белоруссии, Репин особенно увлекался пленэрной живописью на натуре. Пейзаж играет большую роль в его картинах и портретах этого периода. О портрете В. И. Репиной, получившем название "Осенний букет", Репин сообщал: "Теперь начал писать с Веры; посреди сада с большим букетом грубых осенних цветов, с бутоньеркой тонких изящных; в берете, с выражением чувства жизни, юности и неги". Портрет с самого начала писался как жанрово-пейзажное изображение. Здесь в основе лежало стремление к передаче человека в связи с природой. Пейзаж осеннего дня с его покоем и вместе бодрящим душу состоянием, с холодной прозрачностью воздуха и освещения подчеркивает ту полноту "жизни, юности и неги", которые выражены в лице и фигуре девушки. Эта связь с пейзажем хорошо передана самой живописью, единством и гармонией ее общего колорита, где преобладают рыжие, коричневые и вяло-зеленые цвета осеннего пейзажа. Они как бы концентрируются в костюме девушки, в ее коричневой кофте и сильном пятне красно-коричневого берета. Букет цветов в руках девушки усиливает связь фигуры с пейзажем; фигура в известной мере входит внутрь пейзажа, оставаясь вместе с тем по-портрет ному на первом плане. Этот букет в живописном отношении связывает сильные цветовые пятна кофты и берета с мягкостью цветов осеннего пейзажа.

--------------------------------------------------------------------------------

[Рона]

[Рона]

Великий русский художник-пейзажист

Иван Иванович Шишкин(1832—1898)

Борьба с технической частью искусства - тайна развития таланта.

» Шишкин И.И.

И. И. Шишкин - не только один из крупнейших, но и едва ли не самый популярный среди русских пейзажистов. В этом с ним может соперничать лишь И. К. Айвазовский. Шишкин знал русскую природу "ученым образом" (И. Н. Крамской) и любил ее со всей силой своей могучей натуры. Из этого знания и этой любви родились образы, которые давно стали своеобразными символами России. Уже сама фигура Шишкина олицетворяла для современников русскую природу. Его называли "лесной богатырь-художник", "царь леса", "старик-лесовик", его могли сравнивать со "старой крепкой сосной, мохом поросшей", но, скорее, он подобен одинокому дубу со своей знаменитой картины, несмотря на множество поклонников, учеников и подражателей.

У Шишкина была нелегкая личная судьба. Дважды он женился по любви, и дважды смерть уносила любимых им женщин. У него умирали сыновья. Но никогда Шишкин не позволял себе переносить собственное тяжелое состояние на природу. Он был в полном смысле слова эпическим поэтом.

Шишкин родился в семье небогатого купца. Отец - человек широких интересов - единственный из близких поддержал (после долгих колебаний) желание сына стать художником.

В 1852-56 гг. Шишкин учится в МУЖВ под руководством А. Н. Мокрицкого (бывшего ученика А. Г. Венецианова). В 1856-60 гг. продолжает свое обучение в Петербургской АХ у пейзажиста С. М. Воробьева. Развитие его идет стремительно. За свои успехи Шишкин получает последовательно все возможные награды. Твердость его руки вызывает изумление: многим его тщательно сделанные, сложные пейзажные рисунки пером и тушью кажутся гравюрами. Техниками печати он тоже занимается, в литографии даже экспериментирует, выскребая ножом светлые места на закрашенном литографском камне. Присматривается к офорту, не очень в те времена распространенному в России.

Получив большую золотую медаль за две картины одного названия "Вид на острове Валааме. Местность Кукко" (1860), Шишкин три года (1862-65) проводит за границей как пенсионер АХ. Он работает главным образом в Германии и Швейцарии. Посещает Чехию, Францию (Париж), Бельгию и Голландию.. Он разочаровывается как в своих нынешних наставниках (швейцарце Р. Коллере), так и в былых авторитетах (швейцарском пейзажисте А. Каламе). Теперь он чувствует себя совершенно свободно и уверенно. Ему есть что сказать. Шишкин рвется домой. Перед отъездом из Дюссельдорфа он устраивает выставку своих рисунков пером. Выставка вызывает бурю восторга, и долго потом еще здесь сохраняются легенды о невероятном русском мастере, а торговцы хранят у себя его рисунки, как святыни.

В 1865 г. Шишкин обосновывается в Петербурге, сближается с Артелью художников, потом всю жизнь будет связан с ТПХВ (всегда особо высоко ценил мнение И. Н. Крамского). Теперь он с наслаждением пишет "русское раздолье с золотой рожью, реками, рощами и русской далью", которые снились ему в Европе. Один из первых его шедевров можно назвать песней радости - "Полдень. В окрестностях Москвы" (1869). Он и дальше предпочитает ясность, полдень, яркий солнечный свет, лето, полноту жизни - "Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии" (1872), "Рожь" (1878), "Среди долины ровныя" (1883), "Лесные дали" (1884) и др.

Однако есть у Шишкина и лесная темная чаща, вызывающая у зрителя некоторый трепет, как если бы он оказался на самом деле один в этом жутковатом для человека месте, - "Лесная глушь" (1872). И как настоящий лес, этот пейзаж открывается зрителю не сразу. Полный деталей, он рассчитан на долгое рассматривание: вдруг неожиданно замечаешь лисицу и улетающую от нее утку.

За иллюзорную выписанность деталей Шишкина как раз часто упрекали. Даже многие художники находили его живопись неживописнои, называли его картины раскрашенным рисунком. Тем не менее его картины, при всей их детализации, всегда дают целостный образ. И это образ мира, который Шишкин не может "смазать" произвольными движениями собственной души. В этом смысле он далек от нарождавшегося в 1880-х гг. в русской живописи "пейзажа настроения". Даже самое малое в мире несет в себе частицу большого, потому его индивидуальный облик не менее важен, чем изображение целого леса или поля ("Травки", 1892 "Сныть-трава. Парголово", 1884 или 1885). Вот почему малое никогда не теряется в его программных картинах. Оно выходит на первый план, как будто нам под ноги, каждой травинкой, цветком, бабочкой. Потом мы переводим взгляд дальше, и он теряется среди безбрежных просторов, вобравших в себя все.

Во всех своих произведениях он является удивительным знатоком растительных форм, воспроизводящим их с тонким пониманием как общего характера, так и мельчайших отличительных черт всякой породы деревьев, кустов и трав. Брался ли он за изображение соснового или елового леса, отдельные сосны и ели, точно так же, как и их совокупность, получали у него свою истинную физиономию, без всяких прикрас или убавок, - тот вид и с теми частностями, которые вполне объясняются и обусловливаются почвою и климатом, где художник заставлял их расти. Изображал ли он дубы или березы, они принимали у него донельзя правдивые формы в листве, ветвях, стволах, кореньях и во всех подробностях. Самая местность под деревьями - камни, песок или глина, неровности почвы, поросшие папоротниками и другими лесными травами, сухие листья, хворост, валежник и пр. - получала в картинах и рисунках Шишкина вид совершенной действительности. Но эта реалистичность нередко вредила его пейзажам: во многих из них она заслоняла собою общее настроение, сообщала им характер картин, задуманных не с целью возбуждать в зрителе то или другое чувство, а случайных, хотя и превосходных этюдов.

Должно также заметить, что с Шишкиным повторилось то, что бывает почти со всяким особенно сильным рисовальщиком: наука форм далась ему в ущерб для колорита, который, не будучи у него слабым и не гармоничным, все-таки не стоит на одном уровне с мастерским рисунком. Поэтому талант Шишкина иногда гораздо ярче выказывается в одноцветных рисунках и офортах, чем в таких работах, в которых он пользовался многими красками.

Во второй половине 1880-х гг. живопись Шишкина несколько (но не кардинально) меняется: "тон почуял" (И. Н. Крамской), то есть стал уделять больше внимания общему атмосферному состоянию, объединяющей предметы световоздушной среде, но, в противоположность тенденциям эпохи, сохранял ясность и цельность видения предметной формы: "Сосны, освещенные солнцем" (1886), "Дубы" (1887), "Мордвиновские дубы" (1891), "Осень" (1892) и др. "Дождь в дубовом лесу" (1891) - это и великолепный по красоте и верности в передаче атмосферного состояния образ природы, и наглядная иллюстрация такого равновесия между предметом и средой, между общим и индивидуальным.

В 1891 г. в АХ состоялась персональная выставка Шишкина (более 600 этюдов, рисунков и гравюр). В 1894 г. вышел альбом "60 офортов И. И. Шишкина. 1870-1892". В этой технике он тогда не знал себе равных и тоже экспериментировал в ней. Какой-то период он преподавал в АХ. В процессе обучения, как и в своей работе, для лучшего изучения природных форм он использовал фотографию.

Последнее произведение художника - "Корабельная роща" (1898). Вскоре Шишкин скончался, во время работы над новой картиной. Смерть его была мгновенна, как он сам себе и желал.

----

Пока готовила материал по этому художнику в памяти всплыл услышанный и успешно забытый интересный факт о картине Шишкина "Утро в сосновом бору".Оказывается, эта до боли знакомая с детства картина была написана Шишкиным вместе со своим другом, художником К.Савицким.Замысел картины подсказал Шишкину Савицкий К.А. Медведей написал Савицкий в самой картине. Эти медведи с некоторыми различиями в позах и количестве (сначала их было двое) фигурируют в подготовительных рисунках и эскизах. Медведи получились у Савицкого столь удачно, что он даже расписался на картине вместе с Шишкиным. А когда эту картину приобрел Третьяков, он снял подпись Савицкого, оставив авторство за Шишкиным.Интересно и то,что оба считали эту картину неудачной.

[Рона]

http://www.artprojekt.ru/Gallery/Shishkin/Pic/14.jpg

[Рона]

Левицкий, Дмитрий Григорьевич - выдающийся русский портретист, академик (1735 - 1822)

Левицкий принадлежал к старинному украинскому роду. Отец художника был потомственным священником и одновременно занимался гравюрой - церковные книги в то время в изобилии украшались гравированными заставками и виньетками. Именно отец стал первым учителем будущего художника. Позднее, когда в Киеве появился А. П. Антропов, приехавший из Петербурга для росписи только что построенного архитектором Ф.-Б. Растрелли Андреевского собора, Левицкий поступил к нему в ученики.

Занятия, а впоследствии и совместная работа с Антроповым продолжались более десяти лет. После окончания росписи собора Левицкий вместе с учителем отправился в Петербург (1758), а позднее и в Москву (1762), где выполнял росписи Триумфальных ворот, построенных по случаю коронации Екатерины II. Профессиональные навыки, полученные во время работы с Антроповым и другими опытными мастерами "живописной команды" Канцелярии от строений, позволили Левицкому стать на самостоятельный творческий путь.

Известность пришла к художнику в 1770 г., когда на выставке в Петербургской АХ публика увидела 6 первоклассных портретов его кисти. Среди них особое внимание привлекал парадный портрет архитектора А. Ф. Кокоринова (1769), автора проекта здания АХ и ее первого директора. Кокоринов представлен в парадном мундире, сшитом по случаю открытия АХ. Жест руки, указывающей на развернутый чертеж академии, величественная осанка, окружающая обстановка - все соответствует жанру парадного портрета. Однако художник подчеркнул в нем не сословное, а профессиональное достоинство архитектора.

За этот портрет Левицкий был удостоен звания академика живописи. Тогда же ему предложили возглавить портретный класс АХ, руководителем которого он оставался до 1788 г. Одновременно с нелегкой преподавательской работой, отнимавшей много сил и времени, Левицкий продолжал плодотворно заниматься живописью. Созданная художником галерея портретов современников принесла ему заслуженную известность. Появились солидные заказы. Одним из них был заказанный И. И. Бецким портрет П. А. Демидова (1773). Потомок тульских кузнецов, превратившийся в царствование Петра I в баснословно богатого заводчика, Прокофий Демидов слыл большим оригиналом, удивлявшим своими чудачествами не только Петербург и Москву, но и Европу. Левицкому удалось передать индивидуальные черты портретируемого, умело и тонко сочетать их с глубоким пониманием сложной натуры своей модели. Демидов представлен в домашнем халате и колпаке, опирающимся рукой на садовую лейку. Горделивая осанка подчеркнута торжественным жестом, указующим на горшки с цветами, любителем которых был этот баловень фортуны. При всей пародийности образа, по-видимому согласованной с заказчиком, Левицкий сумел сочетать эти черты экстравагантности с элементами парадного портрета (колонны, драпировка, пейзаж с видом на Воспитательный дом в Москве, огромные пожертвования на который, сделанные Демидовым, были известны в обществе). Однако в лице изображенного проскальзывают нотки горького скепсиса и иронии. Портрет свидетельствует о высоком мастерстве художника, его умении за внешним, напускным увидеть черты глубокой человечности.

В 1773-77 гг. Левицкий был занят выполнением заказа императрицы Екатерины II, которая поручила ему написать семь портретов воспитанниц Смольного института благородных девиц. Эта портретная галерея объединена общим замыслом: художник представил смолянок танцующими или разыгрывающими театральные сценки. Изображения даны на фоне пейзажей или драпировок, так что каждое из них воспринимается как своеобразная сюжетная картина.

В портрете Е. И. Нелидовой (1773), представленной танцующей, изящество движений раскрывается в грациозном повороте фигуры, а непосредственность и обаяние выражены в задорном блеске карих миндалевидных глаз и лукавой улыбке.

Кроме однофигурных портретов смолянок - Г. И. Алымовой, играющей на арфе (1776), Е. И. Молчановой, сидящей у столика с физическими приборами (1776), А. П. Лев-шиной (1775) и Н. С. Борщовой (1776), показанных танцующими, - Левицкий создал и парные портреты Ф. С. Ржевской и Н. М. Давыдовой (1772?), Е. Н. Хованской и Е. Н. Хрущовой (1773). Особенно удачен последний портрет, изображающий девочек-подростков, разыгрывающих сцену из комической оперы "Капризы любви, или Нинетта при дворе". Шаловливая десятилетняя Хрущева, исполняющая мужскую роль, и застенчивая Хованская, робко взирающая на своего "кавалера", увидены Левицким во всей непосредственности, проглядывающей сквозь заученные театральные жесты. Единство композиционных приемов, ритмичность движений и тонкое колористическое решение объединяют эту оригинальную портретную сюиту.

Среди официальных парадных портретов, созданных художником, особое место занимает картина "Екатерина II - законодательница в храме богини Правосудия" (1783). В нем в аллегорической форме выражено представление русских просветителей об идеальном монархе. Екатерина II изображена в горностаевой мантии, на фоне колонн и драпировок, возжигающей фимиам из маков перед статуей богини Правосудия. За балюстрадой - морской пейзаж с кораблями, напоминающий о победах русского флота на Черном море у ног императрицы - орел с лавровой ветвью в клюве, сидящий на огромных фолиантах Свода законов, как бы утверждает роль Екатерины II - законодательницы.

Подобная концепция образа отвечала требованиям классицизма - стиля, господствовавшего в литературе и искусстве конца XVIII в. Его идеалы определяли и характер так называемого львовско-державинского кружка, к которому был близок Левицкий. Передовые мыслители и литераторы Н. А. Львов, Г. Р. Державин, В. В. Капнист оказали на художника большое влияние. В этот период Левицким созданы портреты философа Д. Дидро (1773), находящийся теперь с Женеве, и писателя А. В. Храповицкого (1781). Мастерски написан портрет Н. А. Львова (конец 1770-х), в личности которого воплотились лучшие черты человека эпохи Просвещения: возвышенный ум, талант, чистота и благородство помыслов. Шедевром Левицкого стал портрет будущей жены Н. А. Львова, дочери обер-прокурора Сената М. А. Дьяковой (1778), блиставшей красотой, обаянием, образованностью. Недаром на обороте холста написаны поэтические строки: "В ней больше очарования, чем смогла передать кисть. И в сердце больше добродетели, чем красоты в лице".

Последний период жизни Левицкого был горек. В результате натянутых отношений с Советом АХ ему пришлось покинуть ее стены, оставить преподавание. Уменьшилось и число заказов. Болезни, бедность и, наконец, слепота привели его к могиле.

http://www.nearyou.ru/levitsk/0levitsk1.html

[Рона]

Хронология Жизни

1844 Родился в Петербурге, в семы историка и археолога Д. В. Поленова.

1863 Поступает в Петербургский университет. Одновременно начинает посещать занятия в Академии художеств.

1871 Оканчивает университет со званием кандидата прав. Оканчивает Академию художеств. За картину "Воскрешение дочери Иаира" получает, Большую золотую медаль и право на заграничную стажировку.

1872 Едет в качестве пенсионера Академии за границу. В течение ближайших четырех лет живет в Германии, Италии, Франции.

1876 Участвует в сербско-черногорско-турецкой войне, а затем в русско-турецкой войне.

1877 Переселяется в Москву.

1878 Становится членом Товарищества передвижных художественных выставок. На VI передвижной выставке показывает картину "Московский дворик".

1879 На VII передвижной выставке экспонируются картины Поленове "Бабушкин сад" и "Заросший пруд".

1881 Предпринимает первое путешествие на Восток (Турция, Египет, Сирия).

1882 Женится на Н. В. Якунчиковой. Возглавляет пейзажный и натюрмортный классы в Московском училище живописи, ваяния, и зодчества.

1890 Покупает участок земли близ села Бехово, на Оке.

1892 Переселяется в новый дом, построенный в усадьбе "Борок".

1899 Снова едет на Восток.

1905 Направляет вместе с В. Серовым в Совет Академии художеств протест против расстрела демонстрации.

1909 Завершает создание грандиозного цикла "Из жизни Христа".

1913 Становится председателем секции народных театров при московском Обществе народных университетов.

1926 Получает звание народного художника РСФСР.

1927 Умер в усадьбе "Борок" (ныне - Поленово Тульской области).

Василий Дмитриевич Поленов

Бабушкин сад (1878), Государственная Третьяковская галерея

Этот шедевр Поленова входит в своеобразную лирико-философскую трилогию, созданную в 1878-79 годах, - ее, помимо "Бабушкиного сада", составляют картины "Московский дворик" и "Заросший пруд". Более того, с "Московским двориком" она перекликается даже топографически: старый дворянский особняк, изображенный здесь, - это то же самое здание, что присутствует и в "Московском дворике", но - "взятое" с другой стороны. Известен и его тогдашний адрес: дом Баумгартен, угол Трубниковского и Дурновского переулков на Арбате. Вспоминая об эффекте, произведенном этой картиной, показанной на VII передвижной выставке в 1879 году, поленовский ученик М. Нестеров говорил, обращаясь к учителю уже в советское время (на 80-летнем юбилее художника): "Вы с таким молодым, непосредственным чувством, с такой красочной полнотой показали поэзию старого, родного быта, неисчерпаемые тайны нашей родины. Вы как бы заново открыли волшебное обаяние красок". Это было общее ощущение - ощущение предельной родственности и вместе с тем неизбежности происходящего на полотне. Поленов вновь соединяет в одном произведении пейзаж и жанровую картину, добиваясь при этом удивительной цельности образа.

Поленов - один из создателей "пейзажа настроения" в русской живописи. Он шел по стопам А. Саврасова, утверждая целую традицию, - в ней позже работало немало великолепных художников. Особенно прославился на этом поприще ученик Поленова И. Левитан.

"Бабушкин сад" -типичный "пейзаж настроения". Эта особенность картины была чутко подмечена рецензентом "Московских ведомостей", откликнувшимся на поленовские работы, которые экспонировались на VII передвижной выставке: "Такие картины, - писала газета, - рассчитаны на то, чтобы дать вам, прежде всего, "настроение", и составляют в живописи приблизительно то же самое, что в поэзии составляет элегию".

Любопытно, что Поленов никак не нагнетает этого настроения; более того, не вносит в свою работу социальные мотивировки, столь свойственные для творчества его коллег-передвижников. И это была его твердая позиция - искусство, по его мнению, должно нести людям радость, звать к гармонии и некоторым образом заменять собой стремительно теряющую свое влияние церковь.

Тогдашний законодатель мод в искусстве, В. Стасов, ранее довольно подозрительно относившийся к творчеству только что вернувшегося из-за границы Поленова и критиковавший его за "французистость", на этот раз выделил "Бабушкин сад" в числе лучших вещей выставки, особенно отметив "свежесть тонов" поленовской живописи.

Московский дворик (1878), Государственная Третьяковская галерея, Москва

В первой половине 1877 года Поленов перебрался в Москву на постоянное жительство. Этот "географический" перелом в его жизни совпал с переломом "творческим" - на русской художественной сцене появился новый самобытный живописец. Возвестила об этом картина "Московский дворик", показанная на VI передвижной выставке в 1878 году. Сам Поленов, кажется, не придавал особого значения этой работе, даже как бы извинялся в объяснительном письме И. Крамскому, стесняясь недостаточной "идеологической" выдержанности своего произведения: "К сожалению, я не имел времени сделать более значительной вещи - мне хотелось бы ступить на Передвижную с чем-нибудь порядочным..." Если верить ему, он и создал картину будто между делом: "Ходил искать квартиру. Увидал записку, зашел посмотреть, и прямо из окна мне представился этот вид. Я тут же сел и написал его". Между тем картина имела оглушительный успех - зрители почувствовали в этом городском пейзаже, дополненном элементами жанровой сцены, теплоту и прелесть будничной жизни, вещь небывалую для тогдашней живописи, привыкшей размахивать критической дубинкой.

[Рона]

[Рона]

Исаак Ильич Левитан

Хронология Жизни

1860 Родился в посаде Кибарты близ станции Вержболово в семье железнодорожного служащего и переводчика Ильи Абрамовича Левитана.

1870 Переезжает в месте семьей в Москву

1873 Поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Занимается в мастерской А. Саврасова.

1875 Умирает мать. Знакомится и сближается с И. П. Чеховым, который сводит его со своим братом Н. II, Чеховым. Лето (как и в следующем году) проводит в имении Бабкино под Москвой у Чеховых.

1877 Умирает отец. Левитан остается без средств к существованию. Бедствует. Голодает. На ученический выставке МУЖВЗ представляет свои первые пейзажи.

1879 Становится стипендиатом генерал-губернатора Москвы. Пишет картину Осенний день. Сокольники - купленную П. Третьяковым. После покушения "землевольца" А. Соловьева на царя по постановлению властей вместе с другими евреями выезжает из Москвы.

1884 Покидает МУЖВЗ с дипломом не классного художника, дающего право работать лишь учителем рисования.

1885 Пишет декорации для Частной оперы С. Мамонтова.

1886 Знакомится с С. П. Кувшинниковой.

1887 Впервые едет на Волгу.

1891 Становится членом Товарищества передвижных художественных выставок. Показывает с огромным успехом на очередной выставке передвижников картину "Тихая обитель".

1894 Пишет картину "Над вечным покоем". Расстается с С. Кувшинниковой.

1895 Измученный новым романом, совершает неудачную попытку самоубийства.

1897 Становится членом мюнхенского Сецессиона, картины Левитана покупают во Франции, приходит всеевропейская известность.

1898 Становится академиком живописи. Возглавляет пейзажный класс в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Мечтает о создании Дома пейзажа.

1900 Сближается с "Миром искусства" и его лидерами С. Дягилевым и А. Бенуа. 4 августа умирает в Москве.

[Рона]

[Дмитрий]

18.05.2008

Сегодня отмечается Всемирный день музеев

С утра и до позднего вечера во многие галереи попасть можно бесплатно. Посмотреть будет на что. Помимо основных экспозиций, к этому дню известные музеи разрабатывают специальные программы.

Много хлопот сейчас и у сотрудников Национальной галереи Британии. Там завершается грандиозная реставрация, длившаяся 200 лет. И едва специалисты добрались до последних шедевров, настала пора приступать к тем, работа над которыми проводилась несколько десятилетий назад.

Репортаж Ирады Зейналовой:

Мартин Вилд, главный реставратор национальной галереи: "Шутка, конечно, но когда некоторые картины попадали в собрание, я сидел и думал - эти отмыть или новые нарисовать. Знаете, пыль времен - плохая оправа для картины".

Три месяца на полотно - Мартин за медицинским микроскопом "лечит" икону XV века - все вручную. Убирает налет времени, к которому принято относиться с пиететом.

Здесь впервые в мире реставрировали Сезанна - без спектрограммы паров краски невозможно было понять - чем же он рисовал. Оказалось, золотом.

Ашок Рой, глава отдела науки национальной галереи: "После нашей "химчистки" даже Рафаэль смотрится подозрительно новеньким, но зато таким, каким его задумали. Королева нам верит, но королевские хранители следят, чтобы для каждой картины мы делали целую научную разработку - как чистить".

Как говорят в национальной галерее, в следующем году цикл реставрации начинается заново - им снова придется 200 лет отмывать все картины национальной коллекции.

[Рона]

Хронология Жизни

Ок. 1842 Родился в Мариуполе в семье бедного грека-сапожника.

1845 Умирает отец Куинджи, чуть позже - мать.

Ок. 1855 Живет в Феодосии, беря уроки живописи у А. Фесслера.

1868 Получает звание "свободного художника" за один из крымских пейзажей.

1870 Впервые посещает Валаам. Картина "Ладожское озеро" открывает его "северную" серию.

1873 Совершает заграничное путешествие (Германия, Англия, Франция). Пишет "На острове Валааме" - первую картину, приобретенную П. Третьяковым.

1874 Женится на Вере Елевфериевне Кетчерджи.

1875 Вновь едет за границу. Становится членом Товарищества передвижных художественных выставок (ТПХВ).

1876 Пишет новаторскую "Украинскую ночь".

1878 Картины Куинджи встречают теплый прием на Всемирной выставке в Париже.

1880 Официально выходит из ТПХВ. Устраивает выставку одной картины ("Лунная ночь на Днепре") - в Петербурге она воспринята как сенсация.

1882 Прекращает выставочную деятельность.

1890 Входит в Комиссию по подготовке нового академического устава.

1892 Утверждается в звании профессора Академии художеств.

1894 Возглавляет пейзажную мастерскую Академии художеств.

1897 Уходит с должности руководителя пейзажной мастерской.

1901 После двадцатилетнего перерыва показывает свои новые работы. Выделяет 100 тысяч рублей в премиальный фонд академических выставок.

1910 Умирает 11 июля (24 июля по новому стилю) в Петербурге. Похоронен на Смоленском кладбище.

1952 Прах художника перенесен в Некрополь мастеров искусств Александра-Невской лавры.

[Рона]

[Рона]

Пахомова Ольга

САВРАСОВ

Он шел в кабак, дыша на руки

В мозолях, ссадинах и краске,

И, подтянув душе подпруги,

Входил. Предать себя. Огласке.

Смущенно кашлял. В сердце — кратер...

«Профессор спился, слышь, — художник!»

Стал кроткий Алексей Кондратьич

Своей известности острожник.

Угрел нутро. Убаил мысли.

Душа расстегнутая — дышит...

В каморке два этюда скисли,

А он все пишет, пишет, пишет!

Течет саврасовское небо,

За кроны сосен задевает.

Он недоволен. Волен. Недо-

писал. Да что куда девает?..

Народ, он: «Гы!...» — и пальцем тычет.

Ему бы зрелищ и без хлеба.

Народ — охотник всякой дичи...

Течет саврасовское небо.

Молчат сподвижники заката,

Вдыхая лАвровый веночек:

«Чуть-чуть бы фосфора за хаты...» —

На тишь и гладь из травня* ночек.

«Купецкий сын? Да ты наплюй, брат!

Ты закуси, а мы закажем…» —

И за полтину он малюет

Грачиный выводок с пейзажем.

А кратер жжет... Залить глазищи,

Свести мосты густых надбровин.

Подпруги — прочь! Господь не взыщет!

Кто платит?!!

...................Плачет лишь Коровин...

«Неси ещё!»

.................Подрамник. Остов

Картины, проданной забвенью.

Бежать. Бежать в Лосиный Остров,

К его купели омовенью.

Иль — в Молвитиново**, оплакав

Очередное свое чадце,

Найти часовню без окладов

И с каждым гнездышком качаться...

...........................................................

Он, ежась, выложил целковый.

В ночи маячил рваным пледом.

И всё ж — согнул себя подковой,

Прозрел, ослепнув напоследок.

...........................................27.10.2005

26 сентября 1897

Москва

Только любя природу, учась у нее, можно найти себя, свое. Манер живописи много, дело не в манере, а в умении видеть красоту.

» Саврасов

А.К. Саврасов старался отыскать и в самом простом и обыкновенном те интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу. С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле.

» Левитан И.И.

Художник, выдающийся пейзажист, основоположник символистского "пейзажа настроения" в русской живописи. Родился в Москве 12 (24) мая 1830 в семье мелкого купца. Подростком писал пейзажные картинки на продажу. С 1844 по 1854 - учился в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1862 и 1867 побывал в Европе; особое впечатления на него произвели горные виды Швейцарии. В 1870-1875 совершал ежегодные творческие поездки на Волгу. Был одним из членов-учредителей "Товарищества передвижников". Жил в Москве.

Раннее творчество Саврасова ("Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду", 1851; "Вид в окрестностях Ораниенбаума", 1854) пребывает целиком в рамках романтизма. Постепенно художник приходит к более спокойным, гармонически-ясным по композиции и колориту решениям. Первоочередное значение в его образах получает влажная почва, прописанная с тонким пониманием ее фактуры, и световоздушная среда, органично объединяющая пространственные планы ("Лосиный остров в Сокольниках", 1869; "Лунная ночь. Болото", 1870). Изначально свойственная Саврасову "виньеточная" манера рисунка, сразу выделяющая главные, наиболее запоминающиеся свойства натурного мотива, перерастает в высокое мастерство поэтических обобщений-символов.

На Волге в 1871 мастер создает этюды к ряду лучших своих работ ("Печерский монастырь под Нижним Новгородом"), в том числе к знаменитой картине "Грачи прилетели", ставшей самым популярным русским пейзажем, своего рода живописным символом России. Этюдная работа над "Грачами" шла в марте, в селе Молвитино (ныне Сусанино) Костромской губернии. Талый снег, весенние грачи на березках, серо-голубое, блеклое небо, темные избы и старая церквушка на фоне стылых дальних лугов, - все это сплавилось в образе удивительно проникновенном и лирическом. Именно тут "настроение" - как особое созерцательное пространство, в котором идет диалог картины со зрителем. Незримо-зримая "душа", особое символико-поэтическое настроение животворит и последующие вещи мастера, в том числе его замечательные московские мотивы, покоряющие своей безыскусной простотой ("Дворик"), либо контрастом бытовой скудости переднего плана с величавыми далями ("Сухарева башня", 1872; "Вид на Московский Кремль. Весна", 1873). Виртуозна по передаче почвенной влаги и световой игры облаков картина "Проселок" (1873).

Помимо картин авторитету Саврасова способствует и его плодотворная педагогическая деятельность: в 1857 он вел пейзажный класс в Московском училище живописи, ваяния и зодчества; среди его учеников были К.А.Коровин и И.И.Левитан.

Черты символизма в искусстве Саврасова быстро нарастают, придавая натуре свойства ностальгического видения ("Могила на Волге", 1874). Однако в поздний период мастер уходит с большой художественной сцены: страдая алкоголизмом и житейски опустившись, он прозябает в основном за счет копий с прежних своих работ, в том числе "Грачей".

Умер Саврасов в Москве 26 сентября (8 октября) 1897.

Его ученик И. И. Левитан писал: "Не стало одного из самых глубоких русских пейзажистов, с Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле. Да, покойный Саврасов создал русский пейзаж, и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества".

[Рона]

[Рона]

[Рона]

Хочу в Третьяковку, очень люблю Саврасова.

http://www.hydojnik.ru/Savrasov/

http://www.artprojekt.ru/Gallery/Savrasov/index.html

[Рона]

http://vs1969r.narod.ru/Frend/Svr/svr00.htm

http://alexey-savrasov.ru/kartina/21.php

[Рона]

ЗАГАДКА ВЕКА

Великий маляр

Двадцать с лишним лет назад вся страна запела «Миллион алых роз». «Это про грузинского художника Нико Пиросмани», – писали и говорили повсюду. Так имя великого мастера закрепилось в массовом сознании. Но до сих пор мы мало что о нем знаем

Прислонившись к дверному косяку, стоял высокий, очень худой грузин с тонким лицом и печальными глазами, в старом пиджаке и, не шевелясь, смотрел на Маргариту.

Это был бродячий художник Нико Пиросманишвили. Он любил Маргариту. Она была для него единственным человеком на свете. Каждая пядь земли, куда не ступала нога Маргариты, казалась ему остатком пустыни. Но там, где сохранялся ее след, была благословенная земля. Каждая крупинка песка на ней грела, как крошечный алмаз.

Так, очевидно, спели бы о чувствах Пиросмани иранские поэты средней руки. Но все равно они были бы правы, несмотря на цветистую речь. Тот день, когда Нико не слышал ее голоса, был для него самым глухим днем на земле.

Чрезмерная любовь вызывает желания, недоступные трезвому человеку. Кому из людей в их будничном состоянии может прийти в голову дикая мысль поцеловать человеческий голос, или осторожно погладить по голове поющую иволгу, или, наконец, похохотать вместе с воробьями, когда они поднимают вокруг вас неистовый гам, пыль и базар?

У Пиросмани появлялось иногда удивительное желание осторожно дотронуться до дрожащего горла Маргариты, когда она пела, желание одним только дыханием прикоснуться к этому таинственному голосу, к этой теплой струе воздуха, что издает такой великолепнейший взволнованный звон.

Люди говорят, что слишком большая любовь покоряет человека.

Любовь Нико не покорила Маргариту. Так, по крайней мере, считали все. Но все же нельзя было понять, действительно ли это так? Сам Нико не мог сказать этого. Маргарита жила, как во сне. Сердце ее было закрыто для всех. Ее красота была нужна людям. Но, очевидно, она совсем не была нужна ей самой, хотя она и следила за своей наружностью и хорошо одевалась. Шуршащая шелком и дышащая восточными духами, она казалась воплощением зрелой женственности. Но было в этой ее красоте нечто грозное, и, кажется, она сама понимала это.

Историю любви Пиросмани рассказывают по-разному. Я повторил один из этих рассказов. Я коротко записал его, не придавая чрезмерного значения его сугубой подлинности. Пусть этим занимаются придирчивые и скучные люди. Но об одном я не могу умолчать, потому что это, пожалуй, одна из самых горьких правд на земле, - вскоре Маргарита нашла себе богатого возлюбленного и сбежала с ним из Тифлиса.

Каждому свое.Паустовский

[Рона]

http://wsvoboda.narod.ru/PIROSMANI_Kartini.html

Пиросмани любил француженку Маргариту, певичку из шантана в Верийских садах Тифлиса и однажды, как известно, подарил ей миллион алых роз. Бояхчян воссоздал портрет Маргариты по картине, написанной Пиросмани, в виде очень похожей на Маргариту куклы.

Что знал Пиросмани о Франции? Он видел хорошие репродукции французских художников, об одном из них, Делакруа, ему много рассказывал один гимназист. Но вряд ли он знал о художнике-примитивисте Анри Руссо. Руссо не мог видеть клеенок Пиросмани, иначе он позавидовал бы искренности и естественности грузинского самоучки. И уж никто, наверное, не мог бы предположить, что он перенесется из полутемных тифлисских духанов в нью-йоркский ресторанчик, где возродится в росписях и кукле своего молодого и талантливого последователя.

Пиросмани оставил огромное живописное богатство. Его картины собрал и спас живший в начале этого века в Тифлисе художник Кирилл Зданевич. Он разыскал почти всего Пиросмани, писавшего на жестяных листах вывески для лавок и духанов, расписывавшего клеенки на столах за тарелку супа и стакан вина. Зданевичу удалось по обрывкам и крохам собрать биографию Пиросмани и, хотя и неполно, но восстановить его жизнь.

Пиросмани родился в 1862 году в кахетинском селении Мирзаани в семье бедного крестьянина. До двадцати лет он был слугой в состоятельной грузинской семье в Тифлисе. Первой его работой был портрет начальника железнодорожной станции на Закавказской железной дороге, куда он поступил кондуктором. Потом торговал молоком и еще Бог весть чем. Но он любил только живопись, первые свои картины раздаривал и бывал счастлив, когда их охотно брали. Ему платили гроши за его вывески и клеенки. Он голодал. Голодал и страдал от неразделенной любви к Маргарите.

Когда Константин Паустовский приехал в Тифлис, Пиросмани уже не было в живых. Писателю сняли комнату в доме Ильи и Кирилла Зданевичей.

"Я переступил порог этой квартиры и оторопел. Стены во всех комнатах, террасы и коридоры, даже кладовые и ванная были завешаны от потолка до пола необыкновенными по рисунку и краскам картинами, - пишет Паустовский. - Меня все время не оставляла непонятная тревога, как будто меня быстро провели за руку через удивительную, совершенно причудливую страну, как будто я уже ее видел или она мне давно приснилась, и с тех пор я никак не дождусь, чтобы осмотреться в этой стране, прийти в себя и узнать ее во всех подробностях... Пиросмани стал для меня живописной и свободной в своем выражении энциклопедией Грузии, ее истории и природы".

Свой "Бросок на юг" Паустовский написал в 1960 году, а лет через пять, в Музее искусств Грузии в Тбилиси, я увидел "Дворника" с бородой, такой же косматой, как и его растрепанная метла, встретился с его веселыми виноградарями, бедными и робкими женщинами, рыбаками, спесивыми богачами с толстыми усами.

Композиция "Пиросмани"

Исполнитель: Гвердцители Тамара

Над ковром зеленым Алазани

Утром небо цвета лазурита.

Как живешь, художник Пиросмани,

Без своей красотки Маргариты?

Звезды наших встреч и расставаний

Замели осенние метели,

И цветы несбывшихся желаний

Под дождем и ветром облетели.

Припев:

А вино в бокале - сердце ало,

И вино любви в глазах разлито.

За тебя, мой милый, из бокала

Пьет твоя красотка Маргарита!

Прошумели годы, и в печали

Заросли травой дорожки сада,

Где любили мы под знойным солнцем

Золотые кисти винограда.

И теперь уже чужие дали -

Нежность и весна проходят мимо.

Где же ты, художник Пиросмани?

Грустно без тебя мне петь, любимый

Булат Окуджава

Что происходит с нами,

когда мы смотрим сны?

Художник Пиросмани

выходит из стены,

из рамок примитивных,

из всякой суеты

и продает картины

за порцию еды.

Худы его колени

и насторожен взгляд,

но сытые олени

с картин его глядят,

красотка Маргарита

в траве густой лежит,

а грудь ее открыта -

там родинка дрожит.

И вся земля ликует,

пирует и поет,

и он ее рисует

и Маргариту ждет.

Он жизнь любил не скупо,

как видно по всему...

Но не хватило супа

на всей земле ему

[Рона]

PAINTER

Главная » Архив материалов

--------------------------------------------------------------------------------

Salvador Dali

Вступление

Понимание места Сальвадора Дали в истории современного искусства сходно с восприятием его картин - ощутимые и четкие образы оказываются одновременно полными неопределенности и двусмысленности. Судя по тому, что известно о его ранней юности, им двигало желание отличаться от своих современников, и в то же время ему хотелосьбыть признанным ими главенствующей личностью со своими всегда правильными взглядами.

Психологическое объяснение - самому Дали оно очень нравилось - могло бы быть таковым, что он ясно осознавал свою собственную неполноценность, которую ему нужно было как-то компенсировать. Но если все обстояло таким образом, откуда взялись эти чувства и как они развились? Его жизнь в небольшом каталонском городке Фигерас на севере Испании, казалось, ... Читать дальше »

Просмотров: 66 | Добавил: painter | Дата: 27.05.2009 | Комментарии (0)

Сальвадор Дали (Salvador Dali)

Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 года в испанском городе Фигерасе (Каталония). Его настоящее имя Сальвадор Хасинто Дали Доменч Куси Фаррес. Отец называл его Сальвадор, что в переводе с испанского означает "Спаситель". Первый сын, появившийся в семье, умер, и родители хотели, чтобы второй стал их утешением, спасителем древнего рода.

Как писал Дали в своем шокирующем "Дневнике одного гения": "В шесть лет я хотел стать поваром, в семь - Наполеоном. С тех пор мои амбиции неуклонно растут. И сегодня я жажду стать не кем иным, как Сальвадором Дали". Больше всего Дали любил самого себя, о таких людях говорят - Нарцисс. Он много говорил о себе, издавал личные дневники. Он был уверен в своей исключительности.

Дали утверждал, что был гениальным уже в чреве матери. мать свою он обожал, потому что она выносила Спасителя, то есть его, и когда мать умерла, не мог прийти в себя от удара. Но ... Читать дальше »

Просмотров: 57 | Добавил: painter | Дата: 27.05.2009 | Комментарии (0)

Поль Гоген (1848–1903)

ПОЛЬ Гоген родился в Париже 7 июня 1848 года. Эго отец, Кловис, был журналистом, одержимым радикальными республиканскими идеями. В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, Кловис, не чувствуя себя в безопасности на родине, решил покинуть Францию. Вместе с семьей он погрузился на судно, идущее в Перу, где намеревался осесть в семье своей жены Алины и открыть собственный журнал. Этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку Кловис умер I от сердечного приступа.

Поль прожил в Перу до семи лет. Воспоминания об этих годах всегда жили его душе и позже вдохновили на полные опасностей скитания по свету.

В 1855 году Гогены вернулись во Францию и поселились в Орлеане. Вскоре Полю надоела серая провинциальная жизнь. При первой же возможности он нанялся на торговое судно и покинул родной дом. Это случилось в 1865 году. За несколько л... Читать дальше »

Просмотров: 40 | Добавил: painter | Дата: 17.05.2009 | Комментарии (0)

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)- один из самых удивительных мастеров Высокого и Позднего Возрождения. По масштабу своей деятельности он был подлинным универсалом - гениальным скульптором, великим живописцем, архитектором, поэтом, мыслителем - воплотив в себе идеал ренессансного творца-гуманиста. Однако по мировоззрению Микеланджело уходит далеко за пределы ясного и построенного по законам совершенного мира антропоцентризма. Мир гармонии был создан старшими современниками художника - Леонардо и Рафаэлем. Мир Микеланджело противоречив и разнообразен. В нем соединены трагическое осознание несовершенства бытия и вера в гармонию мироздания, одиночество человека и радость его победы в борьбе со стихиями. Этим, возможно, он и близок современному зрителю - многосторонним восприятием жизни.

Путь Микеланджело был труден и полон поистине титанических у... Читать дальше »

Просмотров: 51 | Добавил: painter | Дата: 07.05.2009 | Комментарии (0)

РЕНУАР Пьер Огюст (Renoir Pierre Auguste) (1841-1919)

РЕНУАР Пьер Огюст (1841-1919) - один из ведущих представителей импрессионизма во Франции.

Родился в семье провинциального портного, который в 1845 г. переехал в Париж. В молодости Ренуар работал художником по фарфору, в 1862 г. поступил в Школу изящных искусств. Кроме того, учился в мастерской Ш.Глейра и познакомился там с А. Сислеем, Ф.Базилем и К. Моне. Часто посещал Лувр, восхищался работами А.Ватто, Ф.Буше, О.Фрагонара. Подчеркнутое использование светотени, прид... Читать дальше »

Просмотров: 40 | Добавил: painter | Дата: 27.04.2009 | Комментарии (0)

Леонапдо да Винчи, живопись

Художник, который рисует так, как видит глаз,

без участия разума, напоминает зеркало, которое

отражает любой поставленный перед ним предмет,

не познавая его.

Леонардо да Винчи.

Первая датированная работа (1473, Уффици) - маленький набросок долины реки, видимой из ущелья; с одной стороны расположен замок, с другой - лесистый склон холма. Этот набросок, сделанный быстрыми штрихами пера, свидетельствует о постоянном интересе художника к атмосферным явлениям, о которых да Винчи позднее много писал в своих заметках. Пейзаж, изображенный с высокой точки зрения с видом на пойму реки, был обычным приемом для флорентийского искусства 1460-х годов (хотя он всегда служил лишь фоном картин). Рисунок серебряным карандашом античного воина в профиль (середина 1470-х годов, Британский музей) демонстрирует полную ... Читать дальше »

Просмотров: 49 | Добавил: painter | Дата: 25.04.2009 | Комментарии (0)

Леонардо да Винчи (это интересно)

• Леонардо было присуще хорошее чувство юмора. По словам Вазари, мастер взял живую ящерицу, приделал к ней крылья из кожи, налитые ртутью и трепетавшие во время движения, приклеил рога и бороду, приручил эту тварь и держал ее в коробке. Время от времени он показывал ее своим друзьям, которые, завидев такое чудовище, тут же пускались наутек. Вазари также писал, что Леонардо высушивал бычьи кишки, так, что они становились совсем маленькими. В одной из комнат у него лежали кузнечные мехи, при помощи которых он мог надуть кишку до такого размера, что она заполняла все помещение, прижимая всех присутствующих к стенам.

• Одним из самых необычных архитектурных проектов того времени был план Леонардо по поднятию старинного баптистерия Святого Джиованни во Флоренции, для того чтобы надстроить его фундамент и придать зданию более солидный вид. Современники не смогли опровергнуть расчеты мастера - настолько они... Читать дальше »

Просмотров: 42 | Добавил: painter | Дата: 25.04.2009 | Комментарии (0)

Леонардо да Винчи (2)

В одном из самых старинных рассказов о жизни Леонардо содержится история, которая, по крайней мере, проливает некоторый свет на его натуру. Эта история очень похожа на правду, потому что в ней упоминается о таких его качествах, по поводу которых точно известно, что он ими обладал: неестественно острая наблюдательность, богатейшее воображение и способность отделять себя от окружающего мира. В истории рассказывается, как однажды к отцу Леонардо подошел крестьянин из его поместья и показал ему круглый щит, вырезанный из древесины фигового дерева. Он попросил мессэра Пьеро н взять этот щит с собой во Флоренцию для того, чтобы какой-нибудь художник там его расписал. Мессэр Пьеро был обязан этому крестьянину: тот был замечательным птицеловом и рыболовом и поставлял дичь и рыбу семейству Пьеро. Мессэр Пьеро согласился. Но вместо того чтобы передать профессиональному художнику, он отдал его Леонарду, который по такому случаю ... Читать дальше »

Просмотров: 67 | Добавил: painter | Дата: 24.04.2009 | Комментарии (0)

Леонардо да Винчи

«Как хорошо прожитый день даёт спокойный сон,

так с пользой прожитая жизнь даёт спокойную смерть»

Леонардо да Винчи

Призраки юности

В одном из каменных домов городка Винчи (а все они какого-то грязновато желтого оттенка), расположенного в горах Тосканы, 15 апреля 1452 года р... Читать дальше »

Просмотров: 58 | Добавил: painter | Дата: 22.04.2009 | Комментарии (0)

Рембрандт

Рембрандт ван Рейн (Rembrandt van Rijn) - великий голландский живописец и гравер, сын мельника Гармена Герритса и Нелтье Виллемсдохтер ван Рейн, родился 15 июля 1606 г. в Лейдене.

Во время появления Рембрандта на свет дела его отца находились в цветущем положении, что позволило ему дать своему четвертому сыну более тщательное образование, чем то, какое получили старине сыновья, сделавшиеся ремесленниками. Рембрандт поступил в латинс... Читать дальше »

http://painter.ucoz.net/news/2