Рона

Радзивиловская летопись: Призвание варягов. Каждый, кто знаком с российской историей, знает о существовании Радзивиловской летописи. Известно, что в состав этой летописи входит “Повесть временных лет”, в которой описано норманнское происхождение первых русских князей. Много лет мы были вынуждены принимать эту версию на веру, так как полного издания Радзивиловской летописи не существовало. Но когда в конце 20 века исследователи стали изучать текст летописи, то обнаружили в ней явные следы подлога. Авторы фильма решили проверить результаты исследований российских ученых и провели собственное расследование, подробно рассмотрев и отсняв подлинник Радзивиловской летописи. О результатах расследования расскажет этот фильм. http://www.svarogday.com/novaya-xronologiya-film-20-radzivilovskaya-letopis/

Шедевры и модели. Таинственная связь. Четверг, 02 Января 2014 г. 06:59 + в цитатник Из мистических историй, окружающих знаменитые полотна, можно составить целый том. И не один, наверно. Многие шедевры, поражающие воображение, привлекающие зрителей, неразрывно связаны с художниками, написавшими их. Эта подборка – малый перечень моделей, умерших после создания полотна. Не удивительно, что зрители, восхищенные «Данаей» Рембранта, не могли забыть, что Саския умерла после завершения картины… Рембрандт, один из величайших мастеров кисти. Пережил двух жен и всех детей. Саския знакома всем по «Данае», «Флоре» и другим бессмертным картинам. Умерла спустя 8 лет после свадьбы. Рембрандт много рисовал и детей. Трое умерли в младенчестве. Четвертый — Титус — дожил лишь до 27 лет. Вторая жена — Хендрике Стоффельдс. Излюбленная модель, запечатленная на многих картинах Рембрандта. Тоже быстро умерла. Флора Юная Саския Примерно та же история произошла с великим фламандским живописцем Рубенсом. Его постоянной моделью была первая жена — красавица Изабелла. Часто писал он и свою дочь. Изабелла умерла, не дожив до тридцати пяти лет, дочь скончалась в двенадцатилетнем возрасте. Рубенс долго оплакивал своих близких и лишь многие годы спустя, когда ему уже перевалило за пятьдесят, женился на шестнадцатилетней красавице Елене Фоурмент, тоже ставшей его натурщицей. Вскоре Елена... похоронила своего супруга. Современные специалисты утверждают, что она обладала очень сильным биополем, способным защитить ее от «вытягивания» жизненной энергии за полотно. Первая жена этого качества была лишена и поплатилась жизнью. "Знаменитая модель художника Владимира Боровиковского Лопухина умерла через три года после написания портрета безо всякой на то причины. Портрет Лопухиной. Лопухиной. Часто писал он и свою дочь Клару Серену .Она скончалась в двенадцатилетнем возрасте. Та же участь постигла и мальчика Васю, позировавшего для картины Перова "Тройка". Его мать как чувствовала: запрещала сыну позировать художнику.(Мальчик в центре.) Буквально за месяц сгорела от внезапно начавшейся чахотки единственная любовь Константина Сомова, позировавшая ему для картины "Дама в голубом". Этот перечень можно продолжать,я же хочу в завершении поста рассказать одну городскую легенду, связанную с самым знаменитым полотном, возможно, большинство из вас знает ее… Дурную славу снискала знаменитая картина Леонардо да Винчи "Джоконда". Восторг и восхищение творением великого флорентийца смешаны с загадками и страхом. На знаменитой улыбке Моны Лизы останавливаться не станем, а вот о странном (если не сказать ужасном) воздействии образа на зрителя стоит поговорить. Заметили эту удивительную способность полотна доводить впечатлительных людей до обморочных состояний в XIX веке, когда Лувр открылся для публичного посещения. Первым таким человеком из публики стал писатель Стендаль. Он неожиданно для себя остановился у "Джоконды" и некоторое время любовался ею. Кончилось плохо - знаменитый писатель тут же у картины упал в обморок. А всего на сегодняшний день зафиксировано уже более сотни подобных случаев. Гений Леонардо? Ведь великий художник никогда так долго не работал над обычным портретом. Казалось бы, обычная заказная вещь. Так нет, художник до конца своих дней не удовлетворится работой и будет переписывать картину оставшиеся шесть лет жизни. Все это время его будут преследовать меланхолия, слабость, изнеможение. Но главное, что он не захочет расставаться с "Джокондой", будет часами смотреть на нее, а потом дрожащей рукой вновь начинать вносить поправки. Работники Лувра, кстати, отметили, что длительные перерывы в работе музея приводят к потускнению "Джоконды". Она темнеет, но стоит посетителям вновь заполнить залы музея, и Мона Лиза словно оживает, проявляются сочные краски, фон осветляется, улыбка видна более четко. http://www.liveinternet.ru/users/2496320/post305811334/#

Кулинарный атлас мира: Словакия Пятница, 16 Августа 2013 г. 08:26 + в цитатник Страна таинственных легенд, преданий и удивительных детских сказок – Словакия. Как не назвать сказочной и волшебной страну, где сохранилось около 180 средневековых замков, среди стен которых, если верить местным жителям до сих пор бродят духи их знаменитых владельцев. В один миг, как в сказке, из Словакии можно очутиться в другой стране - ее столица Братислава, очень тесно соприкасается с Венгрией и Австрией. Настолько тесно, что это так же создает иллюзию сказочного мира, ведь пройдя по Копчанской улице, не сворачивая, можно очутиться в австрийском городе Киттзее на Прессбургерштрассе, а до 1945 года обычным трамваем можно было добраться из Братиславы до Вены. Все здесь удивительно – и природа, и города, и люди, и язык. В словацком языке столько слов без гласных, что из них составляются даже целые предложения: Крт здрг скрз трн, зпрв зглт грст зрн (крот сбежал через терновник, вначале проглотил горсть зёрен). Взгляните на герб Словакии, там изображены три снежных пика Высоких Татр - Матра, Татра и Фатра. Может быть, мы и правда в сказке?Чтобы удостовериться в этом, остается только попробовать блюда словацкой кухни, именуемые: спишская похутька, смачна забиячка, пструх или страпочки и подаваемые в любой разбойничьей избе! Страна: Слова́кия (Slovensko) Официальное название Слова́цкая Респу́блика (Slovenská republika) Словакия на карте мира: государство расположено в Центральной Европе, граничит с Чешской республикой и Австрией на западе, Польшей на севере, Украиной на востоке и Венгрией на юге. В 1993 году страна вышла из состава Чехословакии и получила независимость. Немного фото Чем здесь кормят?Отведать настоящей словацкой кухни можно в разбойничьих избах – как называют местные ресторанчики колибы. Уважающая себя колиба придерживается трех правил: пища готовится только в присутствии гостя на открытом огне, слух гостя услаждает фольклорная музыка и в каждой колибе должно быть что-то особенное. Например, отдавая дань разбойничьим традициям, у гостя могут, не говоря ни слова, отрезать галстук и прикрепить на стену. Не принято быть официально одетым в разбойничьем логове! Вы еще сомневаетесь, что попали в сказочную страну? Тогда пройдемте на кухню! Самые популярные блюда, которые непременно нужно попробовать в колибе: спишская похутька – гуляш с шампиньонами и картофельными оладьямизапеченный гусь или утка с квашеной капустой и кнедликамилокшами – картофельные лепешкипечено вепрево колено – знаменитое блюдо всех Карпат, пропустить которое просто грех! Мы непременно приготовим его позже.капустница - щи из квашеной капусты с мясом и колбасойпструх в масле – форель томленая на пару или припущенная с большим количеством сливочного масла.пастушьи галушки с брынзойвыпроженный сыр - кусочки мягких сортов сыра, зажаренные в панировке на сковороде с ветчиной или грибами (фирменное словацкое блюдо)страпочки – это галушки с квашеной капустойоштепок - копченый сыри множество разнообразных супов, копченостей и колбас, по части которых словацкие хозяйки настоящие мастерицыПочти к любому блюду подаются маленькие клецки с беконом, сыром и паприкой. А как восхитительны лонгоше – жареные пончики с чесночком и маслом, вкус которых еще долго будет занимать ваши мысли! В колибах периодически, но регулярно, проводят так называемые Охотничьи дни. Если вам повезет попасть в одни из таких дней в Словакию, вам доведется отведать поистине сказочное меню: отбивная из медвежатиныбифштекс из оленины или лосятиныблюда из фазана и куропаткипаштет из дичиНо для начала вам предложат очень простую закуску: вкуснейший козий сыр, лук, хлеб и вино – для аппетита! Напитки и десертКоличество сортов пива и его вкусовые качества дадут вам понять – вы в сказке! А вина Словакии утвердят вас в этом мнении, ибо только на сказочных пирах может быть такое разнообразие напитков: знаменитые "Токай", "Лимбашский Силван", "Влашский Рислинг", "Зеленый Велтелинер", игристое Hubert, Карпатское бренди, ликеры Demänovka и Horec. Хотя по сказочным меркам в колибе неплохо бы отведать рюмочку сливовицы или боровички, настоянной на можжевельнике, да запить вкусный обед темным пивом "Шариш" и светлым "Топваром" или, как настоящие разбойники, заказать "Мартинер портер" и "Резаны" (сметь темного и светлого пива). Для дам есть сладкое пиво "Смедник мних" (жаждущий монах) - пиво с легендой, согласно которой его изобрел неизвестный монах, пожелавший угостить одну из приглянувшихся ему прихожанок чем-то особенным. Зайдя в колиб, вы непременно должны отведать особый напиток – Татранский чай. Не найдетесь, что вам подадут особый сорт чая – это спиртовая настойка на разных травах, который подают поджигая! Десерты и выпечка в Словакии особенно вкусные, ведь помимо местных традиций чувствуется и влияние австрийской кухни. Отведайте блинчиков с персиками, знаменитых пончиков лонгоше с разнообразными начинками, фруктовые кнедлики и локше с творогом и маком, яблочный штрудель (не хуже венского), а так же знаменитый шоколад "Фигаро". Национальные блюдаПопробуем создать атмосферу словацкой сказочной кухни у себя дома! Попробовав один раз знаменитое "вепрево колено", вы почувствуете себя настоящими разбойниками и… включите это блюдо в постоянное меню праздничных вечеринок с пивом. Pečené vepřové koleno (запеченная свиная рулька) Нужно: колено с передней свиной ноги (рулька) - 2 шттемное пиво2 луковицы2-3 кислых яблокамускатный орех, душистый и черный перец горошком, лавровый лист, сольголовка чеснока2 ч.л. французской горчицы (с зернами)1 л меда2-3 ст.л. соевого соусаГотовим! Готовим маринад: режем лук полукольцами и яблоки ломтиками, кладем все специи, вливаем пиво. Погружаем рульки в маринад на 10-12 часов (на ночь или с утра). Затем ставим кастрюлю с рульками в маринаде на огонь, доводим до кипения и варим около часа на маленьком огне. Затем достаем рульки, остужаем, делаем надрезы, в которые вставляем зубчики чеснока. Смешиваем горчицу, мед, соевый соус и обмазываем каждую рульку со всех сторон. Заворачиваем в фольгу и запекаем в духовке 40 минут, после чего раскрываем фольгу и запекаем еще минут 20 для получения золотистой вкуснейшей корочки. Самое сложное в этом рецепте – выдержать изумительный аромат, распространяющийся по всей кухне. Совет: купите сразу 4 рульки! Tradičné šišky (традиционные пончики) Словацкий язык для русского уха не звучит совсем уж иностранным, многие слова вполне понятны, но некоторые из них только созвучны русским. Причем созвучны они одним словам, а означают совсем другое, порой вызывая улыбку. Итак, готовим самый традиционный десерт – пончики! Правда название его для нас звучит немного забавно. Нужно: 1 кг мукицедра половинки лимона40 г свежих дрожжей (или пакетик сухих для сдобы)4 желтка80 г сахарной пудры100 г сливочного маслащепотка солимолоко – примерно 1/ 2 стакана2 ст.л. рома250 г джема (абрикосового)растительное масло для жаркисахарная пудра с ванилином для посыпкиГотовим! Предварительно смешиваем муку с лимонной цедрой и солью. Разводим дрожжи в теплом молоке. Замешиваем тесто из муки, желтков, сахара, растопленного масла и рома, вливая молочно-дрожжевую смесь. Тесто должно быть эластичным, не липнущим к рукам, но не крутым! Присыпаем тесто мукой, накрываем салфеткой и оставляем подходить на час-полтора. Раскатываем тесто в пласт толщиной 1- 1, 5 см, вырезаем кружки (можно стаканом). В центр каждого кружка выкладываем ложечку джема и защипываем тесто так, чтобы получился шарик. Даем пончикам подойти еще 15 минут и жарим их в разогретом растительном масле в толстостенной кастрюле. Готовые пончики выкладываем на бумажные полотенца для удаления лишнего жира, а затем перекладываем на блюдо и посыпаем сахарной пудрой. Народная мудрость Дом стоит не на земле, а на жене. Тяжело теще на зятьевой улице Корова, что много мычит, мало молока дает Галина Замыслова, etoya.ru http://www.liveinternet.ru/users/marusya_esk/post287552541/#

Торговые дома / Elizabeth Arden / 5th Avenue After Five Elizabeth Arden 5th Avenue After Five Перейти к покупке Женский ароматчерная слива, золотая жимолость, бергамот, кориандр жасмин самбак, ландыш, индийский лотос, шафран сандаловое дерево, белая береза, бобы тонка, мускус,Аромат энергичной молодой женщины, она следит за модными тенденциями, посещает только дорогие рестораны и ночные клубы, ее неповторимый задор и радость жизни завораживает и удивляет всех. Она преуспевает не только на работе, но и в жизни. Ее окружают только самодостаточные и стильные мужчины. Аромат 5th Avenue Night After Five от Elizabeth Arden для женщины живущей полной жизнью.

Парфюмер — создатель чуда под названием духи ≡ Главная → АРОМАТНЫЕ ИСТОРИИ → Парфюмер — создатель чуда под названием духиВремена, когда составители духов, как алхимики колдовали над колбами и ретортами в своих маленьких лавках, а слава их не распространялась дальше своих улиц и городов, миновали вместе с наступлением эры промышленного производства. Некоторые парфюмеры пожелали выделиться из ремесленников и доказать, что они не просто профессионалы, а художники и предприниматели. Среди них выделяются несколько имен, известных всем. В 1828 году поставщик императрицы Евгении Пьер Франсуа Паскаль Герлен создает свою фирму. Сегодня уже пятое поколение парфюмеров продолжает семейный ароматный бизнес и » носом» престижной фирмы является внук знаменитого Герлена- Жан Поль. В один год с Герленом родился еще один знаменитый парфюмер Франсуа Коти, создатель знаменитого аромата Chypre, запах которого столь необычен, что дал название целому семейству ароматов в общепризнанной классификации духов. Имя Эрнеста Бо неразрывно связано со знаменитыми духами Шанель №5. Мало кто знает, что родился он в Москве и сделал свою карьеру в России на фирме Рале и лишь в 1920 году переезжает во Францию, в Граас. Мировую известность принесло ему смелое новаторство — добавление в духи альдегидов, давших необычный привкус знаменитой Шанели №5. Первой женщиной ворвавшаяся в закрытый круг составителей ароматов стала Жермен Селье(1909г). Ее называют белокурой Арлетти. В 1944 году она создает сильный, чувственный шипровый аромат с нотами кожи Вandit для моделиста Роберта Пеже. Вскоре она становится руководителем фирмы Экзаром. Именно на этой фирме был создан первый рекламный фильм о духах. Она создавала духи для дома Нина Риччи, Элизабет Арден и др. Наряду с этими известными именами есть множество имен остающимися в неизвестности. И хотя имена их творений известны всем, сами создатели, увы, остаются в забытьи. Среди них стоит выделить Анри Альмера, создавшего Joy Пату и многих духов Парфюм де Розин, Луи Арменжа, творившего для Л.Т. Пивер, Жана Карла (Tabu и Canoe),Эрнеста Далтроффа (Narciss noir), Анри Роббера и др. Один из известнейших парфюмеров современности Эдмон Рудницки назвал духи поэтическим творением и с ним трудно не согласиться. http://aromaclub.biz/parfyumer-sozdatel-chuda-pod-nazvaniem-duxi/ Элизабет Арден. Мечта женщины. ≡ Главная → АРОМАТНЫЕ ИСТОРИИ → Элизабет Арден. Мечта женщины.В небольшом городке в Канаде в 1978 году, в семье простого фермера родилась девочка, которую назвали Флоренс Найтингейл Грем. Она росла обычным ребенком и никто не мог бы предположить, что она станет одной из самых богатых женщин Америки, а ее имя будут проговаривать с благоговением женщины во всем мире. Маленькая Фло помогала отцу продавать на рынке выращенные овощи. Каждый день она наблюдала за красивыми женщинами, которые делали покупки и мечтала стать богатой, чтобы и самой покупать то, что ей нравится. После школы она поступила в медицинский колледж. Работая в больнице, Флоренс заметила, что мази на основе яичного белка разглаживают кожу, делая ее гладкой и эластичной. Она заразилась мечтой создать чудо-крем для роскошных женщин. Она часами проводила опыты на кухне родительского дома. Родители не разделяли оптимизма Фло — они считали, что ей лучше искать достойную пару и завести собственную семью. Не найдя поддержки дома, 29-летняя Флоренс отправляется в Нью-Йорк – город, где сбываются мечты. Нью-Йорк поразил ее обилием раскошных домов, автомобилей и женщин. Именно последние интересовали ее, потому что она была уверена, что они помогут ей достичь своей мечты. Она работала в химической лаборатории, в косметологическом салоне, впитывая знания и лелея свою мечту. Буквально через год случай свел ее с косметологом Элизабет Хаббард, которая создала уже несколько продуктов, заслуживающих внимания. Вместе они открыли салон на знаменитой Пятой Авеню и назвали его Элизабет. Благодаря умению Флоренс продавать дела пошли неплохо, но как это часто бывает, компаньоны рассорились и Элизабет Хаббард ушла из бизнеса. Другая на месте Флоренс могла бы растеряться, но только не она. Ведь у нее была большая мечта и уверенность, что она может все. Одолжив 6000 долларов ( по тому времени огромные деньги), она обустроила шикарный салон и выкрасила дверь красной краской, предположив, что ни одна женщина не сможет пройти мимо нее. К названию салона она добавила красивое имя Арден ( из любимой поэмы Альфреда Теннисона). Так началась история знаменитого модного дома Элизабет Арден, давшего в последствии имя всемирно известной марки. Флоренс умерла в возрасте 88 лет, одной из известнейших и богатых женщин Америки, доказав всем, что если у женщины есть мечта, то ничто не остановит настоящую женщину на пути осуществления этой мечты. Пятая авеню — одна из самых знаменитых улиц в мире. Будучи воплощением роскоши и богатства, синонимом осуществившейся мечты, она подсказала Фло идею создания аромата 5th Avenue. Этот чудесный аромат есть в моей коллекции, в моей волшебной шкатулке с ароматами. Какое невероятное удовольствие иметь в своём ароматном гардеробе аромат, созданный этой необыкновенной женщиной! http://aromaclub.biz/elizabet-arden-mechta-zenchiny/

ВРЕМЯ И МОДА » ОДЕЖДА XIX ВЕКА » Европейская одежда первой четверти XIX века Европейская одежда первой четверти XIX векаОпубликовано26 Июн 2013 - admin. В рубрике ОДЕЖДА XIX ВЕКА. Портрет Маргариты-Шарлотты Жак Луи Давид Быстрые темпы роста промышленности в европейских странах, частая смена направлений в искусстве, конкурентная борьба в производстве и торговле, появление на рынке новых технологий производства тканей, а также появление новых различных частей и составляющих одежды – все это явилось мощным толчком для развития моды в XIX веке. После свержения монархии во Франции на политическую арену выходят идеи демократии. Основными носителями этой идеи являются буржуа. Аристократические придворные моды уступили место модам буржуазным. Одежда всех слоев европейского общества значительно демократизировалась. Часто меняющаяся мода вызывает больший спрос на текстильные товары. А это значит, что производство требует больше рабочей силы. В XIX веке завершился процесс формирования единого европейского стиля в одежде. Мода перестает быть привилегией избранных, из салонов она выходит на улицы. Еще важной чертой моды этой эпохи явилось то, что основное влияние моды испытывает женский костюм, а основным потребителем моды становиться женщина. Женщина становиться витриной благосостояния семьи и положения в обществе своего мужа. Открывает круговорот стилей в моде XIX века – ампир. В 1804 г. Наполеон объявляет себя императором. Поэтому стиль,Мужской костюм эпохи Ампир сформировавшийся в этот период назвали «ампир» (от фр. Empire — империя) – торжественный и величественный, основанный на эстетике древнеримских и древнегреческих образцов. Этот стиль являлся государственным и официальным, поэтому быстро распространился по всей Европе. В архитектурных сооружениях и в интерьерах многократно повторялись мотивы императорского Рима с его атрибутами власти, военного триумфа и процветания: лавровыми венками, копьями, шлемами, факелами, фашинами, гирляндами цветов а также грифонами, львами и орлами. Также, благодаря военным походам Наполеона, в моду вошли элементы одежды Востока (Египет, Турция), России, Польши, Италии, Испании. Военная форма, тоже оказала свое влияние на гражданскую одежду, так как армия и военные в обществе того периода были почитаемы. Мужской костюм эпохи ампир значительно упростился, по сравнению с предыдущей эпохой. Он состоял из удлиненных брюк (доЭНГР ЖАН ОГЮСТ ДОМИНИК Филибер Ривьер, 1805 г. щиколотки) светлой рубашки со стоячим воротником, и кокеткой на спине, жилета (иногда надевали несколько жилетов сразу) и фрака темных тонов. Фраки шили с завышенной талией, рукава расширялись к плечу, манжеты расширялись на манер воронки. Воротник фрака обтягивали бархатом иного цвета, чем сам фрак. Фраки были различных цветов, чаще из однотонной ткани, но были и из узорной ткани — в полоску, в мушку и т. д. Брюки держались на подтяжках и имели штрипки. Брюки (панталоны) заправлялись в сапоги. На шею повязывали галстук (из батиста, муслина или шёлка). Панталоны всегда были светлее, чем фрак. Голову прикрывал цилиндр или форменная треуголка (с 1800 г. двууголка). Верхом ездили в рединготе, который вскоре превратился в повседневную одежду – сюртук. Сюртук надевали поверх фрака или мундира, он заменял современное пальто. Со временем сюртук вытеснит фрак. Костюм дополняли перчатки и трость. Кроме сапог носили еще бальные туфли, но сапоги имели преимущество. В мужском костюме использовались дорогие плотные ткани: тяжелые шелк, бархат, сукно. Фрак и верхнюю одежду шили из шерсти. Жан Огюст Доминик Энгр: Портрет мадемуазель Ривьер Женские одежды периода ампир стали проще и сдержаннее, чем ранее. Впервые, в зависимости от назначения, платья стали разделять на летние, парадные, даже визитные и уличные. В течение дня дама могла (и должна была) несколько раз переодеваться.Женская верхняя одежда эпохи Ампир Декольте у платьев уменьшилось, но талия по-прежнему завышена. Хотя античный силуэт сохранился, разнообразие фасонов было очень велико. Оно достигалось за счет разнообразия воротничков, отделки, форм рукавов. Для придания фигуре величественности и неподвижности потребовался корсет. Юбки стали расширяться книзу и приобрели форму колокола, длина же укоротилась до щиколотки. Платье имело рукава с маленькими буфами, в виде фонарика, на широком манжете. В качестве верхней одежды дамы стали носить спенсер – короткая до талии курточка. Также по–прежнему, носят редингот, который повторял своими линиями и размером силуэт, покрой и форму деталей платья. В моду стали входить русские шубы, только их носили мехом внутрь. Для летних платьев использовали легкие ткани: батист, шелк, лен, муслин; для парадных — атлас, тафту, бархат; для визитных — легкую шерсть, причем независимо от времени года. Фасоны головных уборов менялись часто. Чаще всего носили шляпку фасона «кибитка». В периоде 1812 г.до 1814 г. носили шляпы, напоминавшие военные кивер. Законодательницей мод теперь стала жена Наполеона – Жозефина Богарне. Императрица тягатеет к роскоши и покрывает себя, и всеЖозефина Богарне вокруг, золотом и драгоценными камнями. Она ввела моду на восточные ткани, тюрбаны, шали. Ее наряды поражали воображение: платье из перьев экзотических птиц, из лепестков роз, из тюля усыпанного звездами и т.д. Портрет императрицы Марии Жозефины Пьер-Луи Бувье Модная женщина выглядела, как витрина ювелирного магазина: массивные античные орнаменты на платьях; золотое шитье по шлейфам платьев, кольцами унизаны все пальцы, цепочки от часов несколько раз обвивали вокруг шеи, волосы украшали нитями жемчуга, в ушах – серьги с богатыми подвесками. В большую моду вошли диадемы, у которых одна половина была осыпана жемчугом, а другая – бриллиантами. Большой популярностью пользовались браслеты на руках и ногах разных форм и фасонов. Популярны были всевозможные пряжки (например, женщины на поясе носили пряжку из серебра, золота, стали, к ней подвешивали на цепочках наперстки, ножнички, флакончики с нюхательной солью и т.д.); камеи, имитирующие античные образы. Дополнением всякому наряду шли перчатки, которые не снимали ни дома, ни на улице. С собой женщины обязательно носили веера, сумочку-ридикюль и зонтик от солнца. Обувь по-прежнему оставалась на плоской подошве, в основном это были бальные туфельки. Платья эпохи Ампир Парики канули вместе с французским королевским двором. Дамы укладывали волосы в греческий узел и прически из изящно уложенных локонов. Мужчины завивали прически «а-ля Титус» и «а-ля Каракалла», гладко брились (подражая римским образцам). Романтизм в одежде или одежда периода Реставрации — часть IIОпубликовано22 Авг 2013 - admin. В рубрике ОДЕЖДА XIX ВЕКА.Анн Луи Жироде де Руси-Триозон Портрет Шатобриана Стили в XIX веке сменяли один другого, не задерживаясь более чем на несколько десятков лет. Разочарование в современности у многих культурных и политических деятелей различных стран Европы породило желание обратиться к истории культуре своей страны и Европы, в целом. Античные образцы были отринуты, а народные традиции подверглись пристальному изучению. Сформировавшейся в результате, общеевропейский стиль романтизм призывал к обновлению и свободе, поиску идеала. Г.У. Пикенсджил Портрет Джеймса Букингема с супругой 1816 г. Вся мода XIX века проникнута духом историзма, но первым в длинной череде «ретро-стилей» стал именно романтизм, датирующийся началом века и продлившийся включительно 30-е годы позапрошлого столетия. Теперь мода и модная одежда перестает быть исключительно аристократической забавой, и все более широкие круги общества вовлечены в эту «игру». Тем не менее, Франция и Англия продолжают занимать главенствующие положение в моде и диктовать её. Героями этого направления стали одинокие и благородные бунтари, боровшиеся за свободу и справедливость. К романтикам себя причисляли художники (Эжен Делакруа, Теодор Жерико), и музыканты (Бетховен, Шопен), также писатели (Байрон, Вальтер Скотт), в общем, все те, кто формировал общественный вкус. Неудивительно, что мода быстро откликнулась на потребности желающих выразить свои настроения и вкусы в одежде. Романтики подчеркивали свою индивидуальность и неординарность каждой деталью костюма. Формирование стиля романтизм происходило под влиянием творческих и художественно-одаренных натур. Романтики не желали выглядеть простыми обывателями. К примеру, художник Эжен Девериа одевался как богатый венецианец XVI века, а писатель Теофиль Готье предпочитал ярко-красные жилеты, сюртуки а ля Ван Дейк и шляпы а ля Рубенс. Молодежь носила шляпы а ля Боливар, польские казакины и венгерки вместо жилетов, отпускали длинные волосы как у Ференца Листа. Романтики предпочитали нарочитую небрежность в одежде: расстегнутый воротник рубашки, небрежно повязанный галстук, плащ сД. Линнел Леди Торренс с детьми 1820 г. закинутой на плечо полой, развевающиеся волосы – все должно подчеркнуть дух свободолюбия и страстность натуры. Мужская мода продолжает идти по пути сдержанности и консервативности. Мужской костюм состоит из рубашки (более прилегающей со стоячим воротником или воротником на пуговицах) длинные брюки (светлых тонов), жилет (ярких или контрастных цветов), узкий фрак, сшитый в талию, галстук и цилиндр. Верхней одеждой служило облегающее пальто или длинный плащ. Сапоги уступают место узким туфлям. В целом костюм человека из общества становиться более сдержанным в цветовом отношении. Большой популярностью начинает пользоваться шотландская клетка. Из тканей с такой расцветкой шьют жилеты и сюртуки, а также и дамские наряды. Шотландка обязана своей востребованностью Вальтеру Скотту, чьи исторические романы воспевали Шотландию. Мужчины по-прежнему предпочитают гладко бриться, волосы же завивают. Хотя, крайнеФ.К. Винтерхальт Герцогиня Амалия 1846 г. романтические натуры отпускают длинные волосы и бороды. Романтизм сформировал новый женский идеал – утонченная и изысканная, хрупкая и мечтательная натура. Женская мода претерпевает более заметные изменения. Талия у платьев спускается на свое естественное место, рукава расширяются. Возвращается корсет и кринолин. Романтичность наряда подчеркивала отделка – ряды оборок и кружев, которые теперь располагались по всей поверхности юбки. Лифы платьев были облегающими, линия плеч спущена, что позволяло выделить шею. Ф.К. Винтерхальт Мария Амалия Бурбон-Сицилийская, королева Франции, 1842 В связи с этим изменились и дамские прически, они стали более сложными, помимо накладных локонов, их стали дополнять ленты, искусственные цветы, кружева. Над висками располагали группы локонов, остальные волосы укладывали на макушке пучками или петлями. Наиболее популярными головными уборами были капоры, которые тоже украшпли кружевом и композициями из искусственных цветов. Верхней одеждой становятся перелины, туфли, по-прежнему носили без каблуков или на очень низком каблуке. Обязательным дополнением дамского костюма были перчатки и зонтик ( для вечернего туалета – веер). Еще одной характерной чертой романтизма была его эклектичность. В костюме модника или модницы мирно уживались восточный тюрбан и готические воротники, барочные расцветки и тяжеловесность ренессансных силуэтов. Ювелирные украшения этого периода разнообразны, но наиболее интересным украшением периода романтизмаЖ.Д. Энгр Портрет мадам Леблан 1823 г. считается, браслеты и кольца из волос их плели из волос любимых и они символизировали неразрывную связь с их владельцем. Локоны вкладывали в медальоны, украшали золотыми оправами. Обращение моды к истории обусловлено было стремлением аристократии подчеркнуть свои корни, а для успешных буржуа возможностью подчеркнуть свое положение. Шассерио Теодор Две сестры, 1843. (На руке одной из сестер браслет из волос) http://fashionstime.ru/?p=2318

http://www.youtube.com/watch?v=AK4tE1EExQM Легенда о Ван Гоге Суббота, 16 Июня 2012 г. 15:53 + в цитатник Интересный факт о Ван Гоге.Тот факт, что Ван Гог ампутировал себе ухо – правда, но сильно преувеличенная. На самом деле художник отрезал лишь маленький кусочек мочки, так, что его облик после этого радикально не поменялся. Почему Ван Гог решил стать художником? Согласно легенде, выдуманной автором биографии Ван Гога немцем Мейер-Грефе, художник был сумасшедшим гением-одиночкой и мучеником и за свою жизнь продал лишь одну картину («Красные виноградники в Арле»). На самом деле Ван Гог только по официально найденным документам продал 14 картин, а до начала карьеры художника был профессиональным торговцем искусством. При выборе стиля живописи он принял стратегию, по которой его картины должны были восприниматься как хорошее украшение интерьеров домов среднего класса. Легенда о Ван Гоге По оценкам социологов, в мире наиболее известны три художника: Леонардо да Винчи, Винсент Ван Гог и Пабло Пикассо. Леонардо «отвечает» за искусство старых мастеров, Ван Гог — за импрессионистов и постимпрессионистов XIX века, а Пикассо — за абстракционистов и модернистов XX столетия. При этом если Леонардо предстает в глазах публики не столько живописцем, сколько универсальным гением, а Пикассо — модным «светским львом» и общественным деятелем — борцом за мир, то Ван Гог олицетворяет именно художника. Его считают сумасшедшим гением-одиночкой и мучеником, не думавшим о славе и деньгах. Однако этот образ, к которому все привыкли, не более чем миф, который был использован, чтобы «раскрутить» Ван Гога и с выгодой продать его картины. В основе легенды о художнике лежит подлинный факт — он занялся живописью, будучи уже зрелым человеком, и всего за десять лет «пробежал» путь от начинающего художника до мастера, перевернувшего представление об изобразительном искусстве. Все это еще при жизни Ван Гога воспринималось как «чудо», не имеющее реальных объяснений. Биография художника не изобиловала приключениями, как, например, судьба Поля Гогена, который успел побывать и брокером на бирже, и матросом, и умер от экзотической для европейского обывателя проказы на не менее экзотическом Хива-Оа, одном из Маркизских островов. Ван Гог был «скучным трудягой», и, кроме странных психических припадков, появившихся у него незадолго до смерти, и самой этой смерти в результате попытки самоубийства, зацепиться мифотворцам было не за что. Но эти немногочисленные «козыри» были разыграны настоящими мастерами своего дела. Главным творцом Легенды о мастере стал немецкий галерист и искусствовед Юлиус Мейер-Грефе. Он быстро понял масштаб гениальности великого голландца, а главное — рыночный потенциал его картин. В 1893 году двадцатишестилетний галерист приобрел картину «Влюбленная пара» и задумался о «рекламе» перспективного товара. Обладая бойким пером, Мейер-Грефе решил написать привлекательную для коллекционеров и любителей искусства биографию художника. Живым он его не застал и поэтому был «свободен» от личных впечатлений, которые отягощали современников мастера. Кроме того, Ван Гог родился и вырос в Голландии, а как живописец окончательно сложился во Франции. В Германии, где Мейер-Грефе стал внедрять легенду, о художнике никто ничего не знал, и галерист-искусствовед начинал с «чистого листа». Он не сразу «нащупал» образ того безумного гения-одиночки, который сейчас знают все. Сначала мейеровский Ван Гог был «здоровым человеком из народа», а его творчество — «гармонией между искусством и жизнью» и провозвестником нового Большого стиля, которым Мейер-Грефе считал модерн. Но модерн выдохся за считанные годы, и Ван Гог под пером предприимчивого немца «переквалифицировался» в бунтаря-авангардиста, который возглавил борьбу против замшелых академистов-реалистов. Ван Гог-анархист был популярен в кругах художественной богемы, но отпугивал обывателя. И только «третья редакция» легенды удовлетворила всех. В «научной монографии» 1921 года под названием «Винсент», с необычным для литературы такого рода подзаголовком «Роман о Богоискателе» Мейер-Грефе представил публике святого безумца, рукой которого водил Бог. Гвоздем этой «биографии» стала история об отрезанном ухе и творческом безумии, которое вознесло маленького, одинокого человека, вроде Акакия Акакиевича Башмачкина, до высот гениальности. О «кривизне» прототипа Винсент Ван Гог. 1873 год Настоящий Винсент Ван Гог имел мало общего с «Винсентом» Мейер-Грефе. Начать с того, что он окончил престижную частную гимназию, свободно говорил и писал на трех языках, много читал, чем заслужил в художественных парижских кругах кличку Спиноза. За Ван Гогом стояла большая семья, которая никогда не оставляла его без поддержки, хотя и была не в восторге от его экспериментов. Его дед был известнейшим переплетчиком старинных манускриптов, работавшим для нескольких европейских дворов, трое из его дядей успешно торговали искусством, а один был адмиралом и начальником порта в Антверпене, в его доме он жил, когда учился в этом городе. Реальный Ван Гог был довольно трезвым и прагматичным человеком. Например, одним из центральных «богоискательских» эпизодов легенды с «хождением в народ» стал факт, что в 1879 году Ван Гог был проповедником в бельгийском шахтерском районе Боринаж. Чего только не насочиняли Мейер-Грефе и его последователи! Тут и «разрыв со средой» и «стремление пострадать вместе с убогими и нищими». Объясняется же все просто. Винсент решил пойти по стопам отца и стать священником. Для того чтобы получить сан, необходимо было пять лет учиться в семинарии. Или — пройти ускоренный курс за три года в евангельской школе по упрощенной программе, да еще бесплатно. Предварял все это обязательный полугодичный «стаж» миссионерства в глубинке. Вот Ван Гог и отправился к шахтерам. Конечно, он был гуманистом, старался помочь этим людям, но сближаться с ними и не думал, всегда оставаясь представителем среднего класса. Отбыв положенный срок в Боринаже, Ван Гог решил поступать в евангельскую школу, и тут оказалось, что правила изменились и голландцам вроде него, в отличие от фламандцев, надо платить за обучение. После этого обиженный «миссионер» оставил религию и решил стать художником. И этот выбор тоже не случаен. Ван Гог являлся профессиональным торговцем искусством — артдилером в крупнейшей фирме «Гупиль». Партнером в ней был его дядя Винсент, в честь которого и назвали юного голландца. Он ему покровительствовал. «Гупиль» играл ведущую в Европе роль в торговле старыми мастерами и солидной современной академической живописью, но не боялся продавать и «умеренных новаторов» вроде барбизонцев. За 7 лет Ван Гог сделал карьеру в непростом, основанном на семейных традициях антикварном бизнесе. Из амстердамского филиала он перебрался сначала в Гаагу, потом в Лондон и, наконец, в штаб-квартиру фирмы в Париже. За эти годы племянник совладельца «Гупиля» прошел серьезную школу, изучил основные европейские музеи и многие закрытые частные собрания, стал настоящим экспертом в живописи не только Рембрандта и малых голландцев, но и французов — от Энгра до Делакруа. «Находясь в окружении картин, — писал он, — я воспылал к ним неистовой, доходящей до исступления любовью». Его кумиром был французский художник Жан Франсуа Милле, прославившийся в то время своими «крестьянскими» полотнами, которые «Гупиль» сбывал по ценам в десятки тысяч франков. Брат художника Теодор Ван Гог Вот таким преуспевающим «бытописателем низших классов», как Милле, собирался стать и Ван Гог, используя свое знание жизни шахтеров и крестьян, почерпнутое в Боринаже. Вопреки легенде артдилер Ван Гог не был гениальным дилетантом вроде таких «художников воскресного дня», как таможенник Руссо или кондуктор Пиросмани. Имея за плечами фундаментальное знакомство с историей и теорией искусства, а также с практикой торговли им, упорный голландец в двадцать семь лет приступил к систематическому изучению ремесла живописи. Начал он с рисования по новейшим специальным учебникам, которые ему со всех концов Европы присылали дяди-артдилеры. Руку Ван Гогу ставил его родственник, художник из Гааги Антон Мауве, которому позже благодарный ученик посвятил одну из своих картин. Ван Гог даже поступил сначала в брюссельскую, а затем в антверпенскую Академию художеств, где проучился три месяца, пока не отправился в Париж. Туда новоиспеченного художника уговорил в 1886 году уехать его младший брат Теодор. Этот бывший на подъеме успешный артдилер сыграл ключевую роль в судьбе мастера. Тео посоветовал Винсенту бросить «крестьянскую» живопись, объяснив, что это уже «паханое поле». И, кроме того, «черные картины» вроде «Едоков картофеля» во все времена продавалась хуже, чем светлое и радостное искусство. Другое дело — буквально созданная для успеха «светлая живопись» импрессионистов: сплошное солнце и праздник. Публика рано или поздно ее обязательно оценит. Тео-провидец Так Ван Гог оказался в столице «нового искусства» — Париже и по совету Тео поступил учиться в частную студию Фернана Кормона, бывшую тогда «кузницей кадров» нового поколения художников-экспериментаторов. Там голландец близко сошелся с такими будущими столпами постимпрессионизма, как Анри Тулуз-Лотрек, Эмиль Бернар и Люсьен Писсарро. Ван Гог изучал анатомию, рисовал с гипсов и буквально впитывал все новые идеи, которыми бурлил Париж. Тео знакомит его с ведущими художественными критиками и своими клиентами-художниками, среди которых были не только добившиеся прочного положения Клод Моне, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Огюст Ренуар и Эдгар Дега, но и «восходящие звезды» Синьяк и Гоген. К моменту приезда в Париж Винсента его брат был руководителем «экспериментального» отделения «Гупиля» на Монмартре. Человек с обостренным чувством нового и превосходный бизнесмен, Тео одним из первых разглядел наступление новой эры в искусстве. Он уговорил консервативное руководство «Гупиля» позволить ему рискнуть заняться торговлей «светлой живописью». В галерее Тео проводил персональные выставки Камиля Писсарро, Клода Моне и других импрессионистов, к которым Париж начал понемногу привыкать. Этажом выше, в своей собственной квартире, он устраивал «сменные экспозиции» картин дерзкой молодежи, которые «Гупиль» боялся показывать официально. Это был прообраз элитных «квартирных выставок», вошедших в моду в XX веке, и их гвоздем стали работы Винсента. Еще в 1884 году братья Ван Гоги заключили между собой соглашение. Тео в обмен на картины Винсента выплачивает ему 220 франков в месяц и обеспечивает его кистями, холстами и красками лучшего качества. Кстати, благодаря этому картины Ван Гога в отличие от работ Гогена и Тулуз-Лотрека, из-за безденежья писавших на чем попало, так хорошо сохранились. 220 франков составляли четверть месячного заработка врача или юриста. Почтальон Жозеф Рулен в Арле, которого легенда сделала кем-то вроде покровителя «нищего» Ван Гога, получал вдвое меньше и в отличие от одинокого художника кормил семью с тремя детьми. Денег Ван Гогу хватало даже на создание коллекции японских гравюр. Кроме того, Тео поставлял брату «прозодежду»: блузы и знаменитые шляпы, необходимые книги и репродукции. Он же оплачивал лечение Винсента. Все это не было простой благотворительностью. Братья составили амбициозный план — создать рынок живописи постимпрессионистов, поколения художников, шедшего на смену Моне и его друзьям. Причем с Винсентом Ван Гогом как одним из лидеров этого поколения. Соединить, казалось бы, несоединимое — рискованное авангардное искусство мира богемы и коммерческий успех в духе респектабельного «Гупиля». Тут они почти на столетие опередили свое время: только Энди Уорхолу и другим американским попартистам удалось сразу разбогатеть на авангардном искусстве. «Непризнанный» В целом положение Винсента Ван Гога было уникальным. Он работал художником на договоре у артдилера, который был одной из ключевых фигур рынка «светлой живописи». И этим артдилером был его брат. О таком положении считающий каждый франк неприкаянный бродяга Гоген, например, мог только мечтать. Ко всему прочему Винсент не был простой марионеткой в руках бизнесмена Тео. Не был он и бессребреником, не желавшим продавать профанам свои картины, которые он даром раздавал «родственным душам», как писал Мейер-Грефе. Ван Гог, как и всякий нормальный человек, желал признания не у далеких потомков, а при жизни. Признания, важным знаком которого для него являлись деньги. И будучи сам в прошлом торговцем искусством, он знал, как этого добиваться. Одна из главных тем его писем к Тео отнюдь не богоискательство, а рассуждения о том, что надо делать, чтобы выгодно сбыть картины, и какая живопись быстрее найдет путь к сердцу покупателя. Для продвижения на рынке он вывел безупречную формулу: «Ничто не поможет нам продать наши картины лучше, чем их признание хорошим украшением для домов среднего класса». Чтобы наглядно показать, как будут «смотреться» картины постимпрессионистов в буржуазном интерьере, Ван Гог сам в 1887 году устроил две выставки в кафе «Тамбурин» и ресторане «Ла Форш» в Париже и даже продал с них несколько работ. Позже легенда обыграла этот факт как акт отчаяния художника, которого никто не хотел пускать на нормальные выставки. А между тем он постоянный участник выставок в Салоне независимых и Свободном театре — самых модных местах парижских интеллектуалов того времени. Его картины выставляют артдилеры Арсен Портье, Джордж Томас, Пьер Мартин и Танги. Великий Сезанн получил возможность показать свое творчество на персональной выставке только в возрасте 56 лет, после почти четырех десятилетий каторжного труда. Тогда как работы Винсента, художника с шестилетним стажем, можно было увидеть в любое время на «квартирной выставке» Тео, где перебывала вся художественная элита столицы мира искусства — Парижа. Реальный Ван Гог меньше всего похож на отшельника из легенды. Он — свой в среде передовых художников эпохи, самое убедительное свидетельство чему — несколько портретов голландца, написанных Тулуз-Лотреком, Русселем, Бернаром. Люсьен Писсарро изобразил его беседующим с самым влиятельным художественным критиком тех лет Фенелоном. Камилю Писсарро Ван Гог запомнился тем, что не стеснялся остановить нужного ему человека на улице и прямо у стенки какого-нибудь дома показывать свои картины. Представить в такой ситуации настоящего отшельника Сезанна просто невозможно. Легенда прочно утвердила представление о непризнанности Ван Гога, о том, что при жизни была продана всего одна его картина «Красные виноградники в Арле», которая сейчас висит в московском Музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. На самом деле продажа этого полотна с выставки в Брюсселе в 1890 году за 400 франков была прорывом Ван Гога в мир серьезных цен. Он продавался ничуть не хуже своих современников Сера или Гогена. По документам известно, что у художника купили четырнадцать работ. Первым это сделал друг семьи голландский артдилер Терстиг в феврале 1882 года, и Винсент написал Тео: «Первая овечка прошла через мост». В реальности продаж было больше, об остальных просто не сохранилось точных свидетельств. Что касается непризнанности, то начиная с 1888 года известные критики Гюстав Кан и Феликс Фенелон в обзорах выставок «независимых», как называли тогда авангардистов, выделяют свежие и яркие работы Ван Гога. Критик Октав Мирбо посоветовал Родену купить его картины. Они были в коллекции такого взыскательного ценителя, как Эдгар Дега. Еще при жизни Винсент прочитал в газете «Меркюр де Франс», что он великий художник, наследник Рембрандта и Халса. Это написал в своей статье, целиком посвященной творчеству «удивительного голландца», восходящая звезда «новой критики» Анри Орье. Он намеревался создать биографию Ван Гога, но, к сожалению, умер от туберкулеза вскоре после смерти самого художника. Спальня в Арле. 1889 год. Чикагский институт искусств Комната в гостинице супругов Раву, где Винсент проживал в 1890 году и где скончался 29 июля того же года Винсент Ван Гог. О разуме, свободном «от оков» Спальня в Арле. 1889 год. Чикагский институт искусств Комната в гостинице супругов Раву, где Винсент проживал в 1890 году и где скончался 29 июля того же года Винсент Ван Гог. Зато «биографию» издал Мейер-Грефе, и в ней он особенно расписал «интуитивный, свободный от оков разума» процесс творчества Ван Гога. «Винсент писал картины в слепом, бессознательном упоении. Его темперамент выплескивался на холст. Деревья кричали, облака охотились друг за другом. Солнце зияло ослепительной дырой, ведущей в хаос». Проще всего опровергнуть это представление о Ван Гоге словами самого художника: «Великое создается не одним только импульсивным действием, но и соучастием множества вещей, которые были приведены к единому целому... С искусством, как и со всем остальным: великое не является чем-то случайным, но должно быть создано упорным волевым напряжением». Подавляющее большинство писем Ван Гога посвящено вопросам «кухни» живописи: постановка задач, материалы, техника. Случай почти беспрецедентный в истории искусства. Голландец был настоящим трудоголиком и утверждал: «В искусстве надо работать, как несколько негров, и спускать с себя кожу». В конце жизни он действительно писал очень быстро, картину мог от начала до конца сделать за два часа. Но при этом все время повторял любимое выражение американского художника Уистлера: «Я сделал это в два часа, но работал годами, чтобы сделать в эти два часа что-нибудь стоящее». Ван Гог писал не по наитию — долго и напряженно работал над одним и тем же мотивом. В городе Арле, где он устроил свою мастерскую, уехав из Парижа, он начал серию из 30 работ, связанных общей творческой задачей «Контраст». Контраст цветовой, тематический, композиционный. Например, пандан «Кафе в Арле» и «Комната в Арле». В первой картине — мрак и напряжение, во второй — свет и гармония. В этом же ряду несколько вариантов его знаменитых «Подсолнухов». Вся серия задумывалась как пример украшения «жилища среднего класса». Перед нами от начала и до конца продуманные творческая и рыночная стратегии. Посмотрев его картины на выставке «независимых», Гоген написал: «Вы единственный думающий художник из всех». Краеугольный камень легенды о Ван Гоге— его безумие. Якобы только оно позволило ему заглянуть в такие глубины, которые недоступны простым смертным. Но художник не был с юности полубезумцем со вспышками гениальности. Периоды депрессии, сопровождаемые припадками, похожими на эпилепсию, от которых он лечился в психиатрической клинике, начались у него только в последние полтора года жизни. Врачи видели в этом действие абсента — алкогольного напитка, настоянного на полыни, чье разрушительное действие на нервную систему стало известно только в XX веке. При этом как раз именно в период обострения болезни художник не мог писать. Так что псхическое расстройство не «помогало» гению Ван Гога, а мешало. Винсент Ван Гог. Сад больницы в Арле. 1889 год Сад при больнице в Арле, куда Ван Гог был помещен после приступа в декабре 1888 года Очень сомнительна знаменитая история с ухом. Оказалось, что Ван Гог не мог отрезать его себе «под корень», он просто истек бы кровью, ведь помощь ему оказали только через 10 часов после инцидента. У него была отрезана только мочка, о чем сказано во врачебном заключении. И кто это сделал? Существует версия, что это произошло во время ссоры с Гогеном, которая имела место в тот день. Искушенный в матросских драках Гоген полоснул Ван Гога по уху, и у того от всего пережитого случился нервный припадок. Позже, чтобы оправдать свое поведение, Гоген сочинил историю о том, что Ван Гог в припадке безумия гонялся за ним с бритвой в руках, а потом покалечил сам себя. Даже картина «Комната в Арле», искривленное пространство которой считали фиксацией безумного состояния Ван Гога, оказалась на удивление реалистичной. Были найдены планы дома, в котором художник жил в Арле. Стены и потолок его жилища действительно были скошенными. Никогда Ван Гог не писал картин при луне со свечами, укрепленными на шляпе. Но творцы легенды всегда вольно обращались с фактами. Зловещую картину «Пшеничное поле», с уходящей вдаль дорогой, застилаемой стаей воронов, они, например, объявили последним полотном мастера, предсказывающим его смерть. Но хорошо известно, что после нее он написал еще целый ряд работ, где злополучное поле изображено сжатым. «Ноу-хау» главного автора мифа о Ван Гоге Юлиуса Мейер-Грефе — не просто вранье, а подача вымышленных событий вперемешку с подлинными фактами, да еще в форме безупречного научного труда. Например, подлинный факт — Ван Гог любил работать под открытым небом потому, что плохо переносил запах скипидара, которым разводят краски, — «биограф» использовал как основу для фантастической версии о причине самоубийства мастера. Якобы Ван Гог влюбился в солнце — источник его вдохновения и не позволял себе покрывать голову шляпой, стоя под его жгучими лучами. У него сгорели все волосы, солнце напекло незащищенный череп, он сошел с ума и покончил с собой. На поздних автопортретах Ван Гога и изображениях мертвого художника, сделанных его друзьми, видно, что волос на голове он не утратил до самой смерти. «Прозрения юродивого» Ван Гог выстрелил в себя 27 июля 1890 года, после того как, казалось, его психический кризис был преодолен. Незадолго до этого его выписали из клиники с заключением: «Выздоровел». Сам факт того, что хозяин меблированных комнат в Овере, где Ван Гог жил в последние месяцы своей жизни, доверил ему револьвер, необходимый художнику для отпугивания ворон во время работы на этюдах, говорит о том, что он вел себя абсолютно нормально. Сегодня врачи сходятся на том, что самоубийство произошло не во время припадка, а было результатом стечения внешних обстоятельств. Тео женился, у него появился ребенок, и Винсента угнетала мысль, что брат будет заниматься только своей семьей, а не их планом покорения художественного мира. После рокового выстрела Ван Гог прожил еще два дня, был удивительно спокоен и стойко переносил страдания. Он скончался на руках у безутешного брата, который так и не смог оправиться от этой потери и умер спустя полгода. Фирма «Гупиль» за бесценок распродала все произведения импрессионистов и постимпрессионистов, которые накопил в галерее на Монмартре Тео Ван Гог, и закрыла эксперимент со «светлой живописью». Картины Винсента Ван Гога вдова Тео Иоганна Ван Гог-Бонгер увезла в Голландию. Только в начале XX столетия к великому голландцу пришла тотальная слава. Как считают специалисты, если бы не почти одновременная ранняя смерть обоих братьев, это произошло бы еще в середине 1890-х годов и Ван Гог был бы очень богатым человеком. Но судьба распорядилась иначе. Пожинать плоды трудов великого живописца Винсента и великого галериста Тео стали люди типа Мейер-Грефе. В кого вселился Винсент? Роман о богоискателе «Винсент» предприимчивого немца пришелся как нельзя кстати в обстановке крушения идеалов после бойни Первой мировой войны. Мученик от искусства и безумец, мистическое творчество которого предстало под пером Мейер-Грефе чем-то вроде новой религии, такой Ван Гог захватил воображение и пресыщенных интеллектуалов, и неискушенных обывателей. Легенда оттеснила на задний план не только биографию реального художника, но и извратила представление о его картинах. В них видели какое-то месиво красок, в котором угадываются пророческие «прозрения» юродивого. Мейер-Грефе превратился в главного знатока «мистического голландца» и стал не только торговать картинами Ван Гога, но и за большие деньги выдавать сертификаты о подлинности произведений, появлявшихся под именем Ван Гога на художественном рынке. Винсент Ван Гог. Доктор Поль Гоше. 1890 год В середине 1920-х годов к нему пришел некий Отто Вакер, выступавший с эротическими танцами в берлинских кабаре под псевдонимом Олинто Ловель. Он показал несколько картин с подписью «Винсент», написанных в духе легенды. Мейер-Грефе пришел в восторг и немедленно подтвердил их подлинность. Всего Вакер, открывший свою собственную галерею в модном районе на Потсдамерплац, выбросил на рынок больше 30 «Ван Гогов», пока не поползли слухи о том, что они фальшивые. Поскольку речь шла об очень большой сумме, в дело вмешалась полиция. На суде танцор-галерист рассказывал байку-«провенанс», которой «кормил» и своих доверчивых клиентов. Картины он якобы приобрел у русского аристократа, который купил их еще в начале века, а во время революции успел вывезти из России в Швейцарию. Имя Вакер не называл, утверждая, что озлобленные потерей «национального сокровища» большевики уничтожат семью аристократа, оставшуюся в Советской России. В битве экспертов, которая развернулась в апреле 1932 года в судебном зале берлинского района Моабит, Мейер-Грефе и его сторонники горой стояли за подлинность вакеровских «Ван Гогов». Но полиция устроила обыск в ателье брата и отца танцора, которые были художниками, и нашла 16 свеженьких «Ван Гогов». Технологическая экспертиза показала, что они идентичны проданным полотнам. К тому же химики выяснили, что при создании «картин русского аристократа» были использованы краски, появившиеся только после смерти Ван Гога. Узнав об этом, один из «экспертов», поддержавших Мейер-Грефе и Вакера, заявил ошеломленному судье: «А откуда вы знаете, что Винсент после смерти не вселился в конгениальное тело и не творит до сих пор?» Вакер получил три года тюрьмы, а репутация Мейер-Грефе была разрушена. Вскоре он умер, но легенда, несмотря ни на что, продолжает жить до сих пор. Именно на ее основе американский писатель Ирвинг Стоун в 1934 году написал свой бестселлер «Жажда жизни», а голливудский режиссер Винсенте Миннелли в 1956 году поставил фильм о Ван Гоге. Роль художника там сыграл актер Кёрк Дуглас. Фильм заработал «Оскара» и окончательно утвердил в головах миллионов людей образ полубезумного гения, взявшего на себя все грехи мира. Затем американский период в деле канонизации Ван Гога сменился японским. «Подсолнухи» на аукционе «Кристи». 1987 год В Стране восходящего солнца великого голландца благодаря легенде стали считать чем-то средним между буддийским монахом и совершившим харакири самураем. В 1987 году компания «Ясуда» купила на аукционе в Лондоне «Подсолнухи» Ван Гога за 40 миллионов долларов. Три года спустя эксцентричный миллиардер Риото Сайто, который ассоциировал себя самого с Винсентом из легенды, заплатил на аукционе в Нью-Йорке 82 миллиона долларов за «Портрет доктора Гаше» кисти Ван Гога. Целое десятилетие это была самая дорогая картина в мире. По завещанию Сайто ее должны были сжечь вместе с ним после его смерти, но кредиторы разорившегося к тому времени японца не дали этого сделать. Пока мир сотрясали скандалы вокруг имени Ван Гога, историки искусства, реставраторы, архивисты и даже врачи шаг за шагом исследовали подлинные жизнь и творчество художника. Огромную роль в этом сыграл Музей Ван Гога в Амстердаме, созданный в 1972 году на основе коллекции, которую подарил Голландии сын Тео Ван Гога, носивший имя своего великого дяди. Музей занялся проверкой всех картин Ван Гога в мире, отсеяв несколько десятков фальшивок, и проделал огромную работу по подготовке научной публикации переписки братьев. Но, несмотря на огромные усилия как сотрудников музея, так и таких корифеев вангоговедения, как канадка Богомила Велш-Овчарова или голландец Ян Хальскер, легенда о Ван Гоге не умирает. Она живет своей жизнью, порождая очередные фильмы, книги и спектакли о «святом безумце Винсенте», не имеющем ничего общего с великим тружеником и первооткрывателем новых путей в искусстве Винсентом Ван Гогом. Так уж устроен человек: романтическая сказка для него всегда привлекательнее «прозы жизни», какой бы великой она ни была. Автор статьи искусствовед Григорий Козлов ВОКРУГ СВЕТА №7 (2802) | Июль 2007 http://www.liveinternet.ru/users/3517075/post224394435/

Рождественская ярмарка в Таллине Суббота, 28 Декабря 2013 г. 13:15 + в цитатник Несколько лет назад британская «The Times» назвала таллинскую рождественскую ярмарку лучшей в Европе. Традиционный праздничный рынок в столице Эстонии, который мы сегодня посмотрим, тогда обошёл пражский, берлинский и люксембургский. Всё снято 2 дня назад. Ярмарка традиционно проводится на Ратушной площади Таллина в самом центре старого города К сожалению, у природы свои планы на погоду в Рождество. Нет снега и зимней романтики. Но даже при +7 на улице, ярмарка великолепна. Да, праздничный паровозик едет на нас, а не уезжает, оставляя после себя кучу выхлопов) Повсюду аромат глинтвейна Не знаю, чем именно, но мне очень понравилась местная Ратуша, которой больше 600 лет. Она просто потрясающая На ярмарке можно попробовать традиционные рождественские блюда. Кстати, вывески на русском в центре повсюду, проблем с ним возникнуть не должно. И не только в Старом городе. Скорее всего сначала вас поприветствуют или спросят что-то на эстонском, но услыхав, что вы говорите на русском, перейдут на него. Со мной так было в супермаркете, на почте при покупке марок для открыток домой, в книжном и т.п. Сладкий сон Гомера Симпсона http://frend.org.ua/post305211593/?upd#

Камиль Писсарро Камиль Писсарро родился на Антильских островах, вскоре его семья переезжает в Париж, где он посещает Школу изящных искусств (1842-1847). Затем возвращается на Антильские острова, работает в Венесуэле с датским художником Мельби. В 1855 г. вновь приезжает в Париж и продолжает учебу в академии Сюиса, где знакомится с Клодом Моне. Много времени проводит в работе на открытом воздухе. Ранний период творчества отмечен сильным влиянием Камиля Коро и Густава Курбе. В 1860-х гг. его милые, не противоречащие канонам официального искусства пейзажи несколько раз выставлялись в Салонах. Вскоре, преодолев влияние Густава Курбе и выработав свой собственный стиль, Писсарро оказывается в числе отверженных и впадает в глубокую нищету, не имея возможности продать свои картины. В минуты отчаяния пытается навсегда порвать с живописью. Во время франко-прусской войны Камиль Писсарро уезжает в Лондон, где вместе с Клодом Моне пишет с натуры лондонские пейзажи. А в это время его дом в Лувесьенне был захвачен пруссаками и разграблен. Большинство оставшихся там картин было уничтожено: солдаты использовали их в качестве фартуков или стелили в саду под ноги во время дождя. По возвращении в Париж Писсарро по-прежнему живет в нищете, пришедшая на смену империи республика ничего не изменила в жизни Франции, а печальные события, связанные с войной, конфискацией и Коммуной, лишили буржуа возможности покупать картины. В это время Камиль Писсарро берет под свое покровительство молодого художника из Экс-ан-Прованса П.Сезанна, и они вместе работают в Понтуазе. Он делится с молодым художником своим опытом в работе с цветом, который, по мнению Камиль Писсарро, являлся уникальным изобразительным средством: с его помощью можно было не только передать материальную сущность предмета, но и его форму. Положенные рядом легкие мазки чистого цвета начинают удивительным образом взаимодействовать друг с другом, рождая вибрирующую тональную гамму, а нанесенные крестообразно параллельными диагоналями, они создают ощущение глубины и придают звучанию картины определенный ритм ("Пейзаж в Понтуазе", 1874, Национальный музей, Стокгольм; "Сад и цветущие деревья. Весна", 1877, Музей Орсэ, Париж). Пейзажи Камиля Писсарро не похожи на искрящиеся и артистичные картины Клода Моне, но они отмечены большей непосредственностью реалистического восприятия природы. Очень редко использует Камиль Писсарро фрагментарную "случайность" композиции, предпочитая ей более законченное построение своих полотен ("Въезд в деревню Вуазен", 1872, Музей Орсэ, Париж; "Вспаханная земля", 1874, ГММИ, Москва). Это стремление Писсарро к упорядоченности композиции и весомой пластике форм ощущается в его картине "Улица в Сидхеме" (1871), связанной еще с традициями художников барбизонской школы. Мягким лиризмом отмечен сельский пейзаж "Красные крыши" (1877, Музей Орсэ, Париж). Как все импрессионисты, Камиль Писсарро любил рисовать город, который пленил его своим бесконечным движением, течением потоков воздуха и игрой света. Он воспринимал его как живой, беспокойный организм, способный изменяться в зависимости от времени года, степени освещенности http://www.youtube.com/watch?v=qAUhy1vEmPk http://www.staratel.com/pictures/pissarro/main.htm

"Поцелуй феи". Балет Игоря Стравинского Суббота, 28 Декабря 2013 г. 10:06 + в цитатник Barucaba все записи автора Композитора привлекла идея написать балет на основе мелодизма Чайковского.Либретто, в основу которого легли некоторые сюжетные мотивы сказки Андерсена «Ледяная дева», он писал сам с помощью художника А. Бенуа (1870—1960), который занялся и оформлением балета. Вопреки сложившейся традиции, Стравинский не хотел, чтобы его новый балет, подобно предшествовавшим, был поставлен труппой Дягилева. Впоследствии он писал: «Модернизм» во что бы то ни стало, в котором сквозила боязнь потерять передовое положение; поиски сенсации; неуверенность в выборе дальнейшего пути — все это создавало вокруг Дягилева нездоровую атмосферу, с которой он мучительно боролся. Все это вместе взятое мешало мне разделять многое из того, что он делал, и наши отношения в силу этого становились менее откровенными...» Написанный очень быстро, «Поцелуй феи» был поставлен сестрой знаменитого Вацлава Нижинского Брониславой Нижинской (1891—1972) на сцене театра Grand Opera. Нижинская окончила Петербургское балетное училище в 1908 году и была принята в Мариинский театр, из которого ушла в 1911 году в знак протеста против увольнения брата. Еще до того, начиная с 1910 года, она выступала в спектаклях Русских сезонов Дягилева в Париже, некоторое время танцевала в лондонской антрепризе В. Нижинского, которую тот организовал после ухода от Дягилева. С 1915 по 1921 год Нижинская танцевала и преподавала в Киеве, но затем вернулась к Дягилеву, у которого поставила несколько балетов. Окончательно расставшись с Дягилевым, Нижинская работала балетмейстером во многих театрах, в том числе — в труппе Иды Рубинштейн. Премьера «Поцелуя феи» состоялась 27 ноября 1928 года. Обиженный Дягилев отозвался о спектакле крайне отрицательно. Однако балет получил длительную жизнь на сценах США, Англии, Германии, Нидерландов, Южной Америки. В Советском Союзе, где Стравинского власти объявили «столпом модернизма», «Поцелуй феи» был поставлен на большой сцене только в Таллине (1971). В Ленинграде его постановка была осуществлена силами Хореографического училища в качестве выпускного спектакля в 1970 году, и лишь через три десятилетия, после падения советского режима, «Поцелуй феи» вошел в репертуар Мариинского театра. В 1950 году композитор осуществил новую редакцию «Поцелуя феи», которая была опубликована сначала в Англии, а затем и в Москве. Партитуре композитор предпослал следующие строки: «Посвящаю этот балет памяти Петра Ильича Чайковского. Балет имеет аллегорический смысл — ведь муза Чайковского сродни этой фее. Подобно фее, муза отметила Чайковского своим поцелуем, печать которого лежит на всех творениях великого художника». Сюжет«Колыбельная в бурю. Сквозь снег и метель с трудом бредет женщина, укачивая на руках ребенка. Появляются эльфы из свиты Феи и начинают преследовать ее. Они отнимают ребенка у матери и уносят. Появляется Фея, подходит к ребенку и нежно ласкает его. Запечатлев на его лбу поцелуй, Фея удаляется. Ребенок один. Мимо проходят крестьяне. Они замечают ребенка, ищут повсюду его мать, но безуспешно, и очень огорченные берут его с собой.Сельский праздник. На сцене играют музыканты, крестьяне пляшут. Среди пляшущих — Молодой человек и его Невеста. Музыканты и толпа крестьян расходятся. Невеста тоже уходит с ними, а Молодой человек остается один. К нему подходит Фея под видом цыганки. Она гадает ему по руке, затем начинает танцевать, постепенно подчиняя своей воле. Она говорит Молодому человеку о его любви и предсказывает большое счастье. Воодушевленный ее словами, Молодой человек просит цыганку отвести его к Невесте.На мельнице. Фея ведет Молодого человека на мельницу. Там его Невеста веселится и играет с подружками. Фея исчезает. Все танцуют, затем Невеста уходит с подружками, чтобы надеть фату. Молодой человек остается один.Сцена. Появляется Фея. На ней фата. Молодой человек думает, что это его Невеста. В восхищении он подходит к ней и в страстных выражениях говорит о своей любви. Вдруг Фея срывает с себя фату. Молодой человек потрясен своей ошибкой. Тщетно пытается он освободиться от чар Феи — он бессилен перед ними. Его сопротивление сломлено, он во власти волшебства. Фея уносит его далеко — в Страну вне времени и пространства. Колыбельная страны вне времени и пространства. Перед огромной декорацией, изображающей бескрайние просторы небес, группируются эльфы из свиты Феи в медленных и плавных движениях. На возвышении появляются Фея и Молодой человек. Под звуки колыбельной Фея дарит ему второй поцелуй» (И. Стравинский). В этом балете композитор тонко использует мелодические обороты Чайковского, подчас обостряя их, объединяя в единое целое, применяя метод своего рода мозаики. Блестяща его техника сочетания различных мотивов. По существу, Чайковский в «Поцелуе феи» подчиняет себе творца балета, его облик выявлен в музыке ярче, чем облик самого Стравинского.В прологе использована «Колыбельная в бурю» Чайковского, привлечены также отдельные мотивы из Баллады Томского и песни «Зимний вечер» (пантомима). В сцене деревенского праздника звучат мотивы из Юморески для фортепиано, пьесы «Мужик на гармонике играет» из «Детского альбома» и «Ната-вальс» (в основном — массовые сцены). Начало следующей картины является тонкой имитацией симфонического антракта «Спящей красавицы», далее слышны отзвуки одной из частей Третьей симфонии, Ноктюрна для фортепиано и Серенады. В финале в качестве основной темы звучит мелодия романса «Нет, только тот, кто знал». Завершает балет, словно заключая его в изящную рамку, снова тема «Колыбельной в бурю».Л. Михеева Le baiser de la fée Рубрики: Балет Метки: Стравинский Чайковский Нижинская http://www.liveinternet.ru/community/4989775/post305195879/

Притча «Ожидание благодарности» Пятница, 27 Декабря 2013 г. 11:58 + в цитатник У мудреца Такуана было много последователей. Среди них был старик, имени которого никто не помнил. Он был немного чудаковат. Однажды этот старик послал к Такуану своего слугу, чтобы после окончания церемонии пригласить мастера на трапезу. — Как бы скромна ни была моя пища, я хочу, чтобы Такуан в моем доме отведал вареный рис с ячменем, — сказал старик слуге. Такуан, любивший это блюдо, с готовностью принял приглашение и отправился в гости к старику. Там ему предложили большую тарелку, полную каши из риса и ячменя. Никаких приправ к каше у старика не было. Обычно неприхотливый, Такуан в этот раз подумал: «Неужто старик не подаст к рису никакого соления?», но задавать вопросы было некогда, поскольку рот был занят вкусной кашей. Старик спокойно сидел перед гостем, ожидая конца трапезы. Когда живот мудреца наполнился, он поднялся, чтобы уйти, но старик остановил его и спросил: — Такуан-сан, я угостил вас вареным рисом, а вы уходите, даже не поблагодарив меня. Разве монахи так поступают? — Вы пригласили меня отведать вареного риса с ячменем. Вы не приглашали меня говорить вам «спасибо», — без промедления ответил Такуан и быстро вышел из дома. Этот ответ задел старика, и он решил когда-нибудь отыграться на Такуане. Однажды старик задумался, как ему поймать мудреца на слове. В этот самый миг к нему в дом вбежал Такуан и воскликнул: — На улице льет, как из ведра! Одолжите мне, пожалуйста, зонтик и гэта (деревянные туфли). Старик обрадовался возможности отыграться и очень вежливо предложил ему то, что тот попросил. Старик был уверен, что на этот раз Такуан поблагодарит его, но этого снова не случилось. Такуан быстро вышел из дома и вскоре прислал молодого монаха, чтобы вернуть взятые вещи. Через несколько дней Такуан и старик встретились за чаем. Старик решил, что пришло время поговорить обо всем, и начал издалека: — Вам не повезло в тот день, когда дождь застал вас на улице, правда? — Да, не повезло. Надеюсь, молодой монах вернул вам зонтик и гэта! — Конечно, вернул. Это было очень мило с вашей стороны, — сказал старик, заметив, что невольно сам благодарит Такуана. Такуан сидел напротив старика и улыбался. Старик не мог больше сдерживаться и выпалил: — Такуан-сан, вы плохо воспитаны. Вы могли бы по крайней мере сказать мне «спасибо»! — Если я скажу вам «спасибо», тем самым я выплачу вам свой долг, — сказал Такуан спокойным голосом. — Я всегда про себя благодарю вас и никогда не забываю вашу доброту. Если же человек ожидает благодарности за свою доброту, это не настоящая доброта. Вы не должны рассчитывать на то, что станете свидетелем радости других и услышите их похвалу. Добрые дела сами по себе должны доставлять вам удовольствие, и при этом, давая что-то другим или помогая им, вы не должны ожидать награды. Такова настоящая доброта. Вы обманываете себя, если делаете что-то доброе из тщеславия или самодовольства. При этом вы позволяете заблуждению войти в вас. Люди склонны к корыстолюбию. Делая одолжение другим, они стремятся получить что-то взамен. Ничего не понимает в людях тот, кто не видит различия между добротой и заинтересованностью. Если вы делаете добро, руководствуясь только своими личными интересами, вы совершаете ошибку. Если же вы каждым своим действием стараетесь помогать другим, вас никогда не постигнет разочарование. Рубрики: Притчи Метки: притчи http://ledilana.ru/post305084989/?upd equilibria ,спасибо.

Запеченные помидоры с мясным фаршем Пятница, 27 Декабря 2013 г. 09:18 + в цитатник Лилёша все записи автора 750 гр. мясного фарша 2 кг. крупных помидоров 1 луковица, тертая 3 зеленых перца 2 красных перца 1 столовая ложка томатной пасты соль черный перец зира масло В миске смешать мясо, лук, соль, черный перец, зиру. Хорошо вымесить. Разрежьте помидоры в 3 части не до конца, чтобы получились кармашки. Между ломтиками помидора, положить мясо. Выложить помидоры на посуду, смазанную маслом, в которой будете запекать, сверху положить перчики, их тоже можно нафаршировать. Размешать томатную пасту в стакане воды и залить помидоры. Поставить в духовку на полчаса при температуре 180 градусов, потом увеличить температуру до 250 и готовить еще 10 минут. Подавать горячими. Приятного аппетита! cлова и фото автора источник http://technomouse.ru/post305071184/?upd#

Пробовала, ногти испортила.Читай тему внимательно, девочкам помогла диета и они подробно сказали.

История одной дружбы ворона и человека В Санкт-Петербурге у Нарвских ворот проживает Алексей со своим необычным питомцем вороном-Жорой. Этот непоседа ужасно любопытен, любвеобилен и всегда рад гостям. Нет, не так… В Петербурге у Нарвских ворот живет ворон Жора, а у него снимает угол человек Леша. Потому что Жора занимает почти все пространство. Он везде: на диване, на окне, на столе, на шкафу, на полу… Он дергает вату из одеяла, обои со стен, перебирает какие-то мелкие вещички и все приговаривает, приговаривает по-своему. Он ужасно любопытен и общителен, и если на него не обращать внимания, то начинает сердиться – мол, зачем ты здесь, если не хочешь поболтать со мной?! Когда Алексей оказался одиноким, одиноким оказался и Жора – трехмесячного вороненка отдали в добрые руки люди, которые начали было его выкармливать, но были вынуждены расстаться с Жорой, потому что у ребенка началась аллергия. И вот уже пять лет Алексей заботится о вороне. И тот отвечает ему редчайшей привязанностью. На вопрос, чем он кормит своего питомца, Леша отвечает с интонациями любящей матери: «Курятинку он очень любит, не сырую, а чуть отварить, и как закипит – вынуть, а главное – остудить!» Класть голову на плечо человеку ворон стал не сразу – сначала шипел и ругался… На прогулках – а это часто бывает в Екатерингофском парке – Жору отпускают полетать, но он всегда возвращается обратно. Один только раз он по неопытности заплутал, так переживаний было на месяц у обоих. При этом Алексей периодически получает предложение за хорошие деньги продать красивую мощную птицу. Но он отвечает всем одинаково: «Это мой друг. Вы своих друзей за сколько можете продать?» Алексей может легко подставить Жоре лицо, но на прогулках всегда говорит детям, желающим погладить большую птицу: «Он может клюнуть от испуга и напугает вас, а я не хочу, чтобы вы боялись друг друга!» Наташу, одного из фотографов, которые пришли делать эту фотоисторию о двух друзьях, Жора на всякий случай клюнул пониже спины… Вольер у Жоры большой, но на свободе лучше! Поэтому Алексей не кладет ключ от клетки на видное место – Жора обязательно утащит и спрячет. Источник http://goodnewsanimal.ru/news/istor...2013-12-13-3867 Оля-душка http://www.liveinternet.ru/users/4880896/post305065687/#

История любимого романса «Утро туманное» http://www.liveinternet.ru/users/2496320/post304939905/# Романс на стихи Ивана Тургенева "В дороге" Утро туманное, утро седое, Нивы печальные, снегом покрытые... Нехотя вспомнишь и время былое, Вспомнишь и лица давно позабытые. Вспомнишь обильные, страстные речи, Взгляды, так жадно и нежно ловимые, Первые встречи, последние встречи, Тихого голоса звуки любимые. Вспомнишь разлуку с улыбкою странною, Многое вспомнишь родное, далёкое, Слушая ропот колёс неустанный Глядя задумчиво в небо широкое. В ноябре 1843 года Тургенев встретил в доме Демидова в Петербурге Полину Виардо и поcвятил ей стихотворение "В дороге", написанное под впечатлением разрыва с Татьяной Бакуниной. Виардо (1821-1910), дочь испанских артистов Мануэля и Хоакины Гарсиа была одной из самых заметных женщин XIX века. Великолепная певица, умная, разносторонне одаренная, хотя и не очень красивая, она была дружна со многими знаменитостями своего времени. Ференц Лист давал ей уроки фортепианной игры. Её ближайшей подругой была знаменитая французская писательница Жорж Санд, написавшая с неё свою Консуэло. Французский поэт и драматург Альфред де Мюссе страстно влюбился в неё, когда она была совсем юной, сразу разглядев в ней блестящий талант, ум и образованность, сделал ей предложение, но получил отказ. Фридерик Шопен ценил её не только как певицу, но и как композитора. Шарль Гуно посвятил ей оперу “Сафо”, а Камиль Сен-Санс - оперу “Самсон и Далила” и первой исполнительницей партии Далилы была Виардо. Она пела почти во всех европейских столицах. Но всё же своей славой больше всего она была обязана своим петербургским сезонам. Исполнение Вилардо алябьевского “Соловья” стало легендой. Ей посвящали стихи Алексей Плещеев, Владимир Бенедиктов, Аполлон Григорьев. Каждый раз она уезжала из России, осыпанная драгоценными подарками. Но дороже подарков и всех наград была любовь к ней Тургенева. Они знали многие счастливые дни. Письма Тургенева к Виардо - чудесный роман любви, длившийся почти сорок лет, а стихи первых дней знакомства Тургенева с Виардо во многом отразили будущие настроения писателя на протяжении всей оставшейся жизни. Рубрики: Лирика русского романса Метки: романс

Касперская Марина http://www.liveinternet.ru/users/2338549/post304935017/

Ушакова. Орфографический разбор слова. Словарь школьника. Четверг, 26 Декабря 2013 г. 12:53 + в цитатник 1. 2. http://www.liveinternet.ru/users/galina_solovyeva_3568363/post304968518/#

Прорицатель Омар Хайям. Хроника легенды 26.12.2013 Прорицатель Омар Хайям. Хроника легенды Оригинальное название: Прорицатель. Как полон я любви! Год: 2012 Серий всего: 8 Киножанр: драма, историческая Кинорежиссёры: Борис Токарев, Людмила Гладунко Производство: Узбекистан, Иран В ролях актёры: Валерия Янская, Амир Резо Задсурур, Роман Матюнин, Али Султони, Шапур Кальхур, Фархад Махмудов, Ники Насириён, Руслан Хабибуллов, Василий Савинов и др. Сюжет фильма начинается с того возраста, когда Омару исполняется только 4 года. У него очень хорошая память и он наизусть помнит отрывки из Корана. Чем больше он взрослеет, тем смелее и умнее он становится. В 18 лет он становится самым виднейшим человеком Самарканда. Он не добился в жизни богатства, власти, и прочих тому подобных, но сумел остаться самим собой. В 60 лет, Омар испытал в жизни и потери, и предательство, и нищету, но не сломался духом. http://kinomanlv.ru/news/proricatel_omar_khajjam_khronika_legendy/2013-02-20-1415

ded, спасибо.Тыкву люблю, но кашу не варила.

Антонио Гауди. Каталонский архитектор, один из основоположников стиля «Модерн» Н. 25.06.1852 – 10.06.1926 года ТВОРЕЦ НОВОЙ РЕАЛЬНОСТИ. Творческий путь гения – это дорога в вечность. Сей тернистой тропою, длинною в жизнь прошел каталонский архитектор Антонио Гауди, проторив новые пути европейской архитектуре и превратив любимую им Барселону в один из самых красивых городов мира. Его стараниями в столице Каталонии появлялись фонтаны и фонари, павильоны и многоквартирные дома, дворцы и парки, крипты и храмы. http://www.zoroastrian.ru/node/1511

Время, мода, повседневность. Опубликовано01 Июл 2012 - admin. В рубрике О МОДЕ В ОБЩЕМ. Жизнь современного человека проходит в таких быстрых темпах, так стремительно меняется (и не всегда в лучшую сторону), что порой хочется, если не остановить, то хотя бы замедлить этот бешеный бег времени и оглянуться назад, чтобы посмотреть - а не пропустили ли мы что-то важное. Поколения людей, сменяющие друг друга, практически перестали понимать друг друга. Изучение повседневной жизни (быта) предыдущих поколений дает нам возможность понять друг друга. Через познание одного элемента повседневной культуры (в нашем случае моды) можно сложить целую картину жизни определенной эпохи. Мода это такое явление повседневности, которое вызывает интерес у всех – обычных людей и «ученых мужей». Изучение истории повседневности вызвало интерес у «серьезной» науки не слишком давно, лишь во второй половине ХХ в.. Изучение микроистории – истории конкретной семьи, коллектива, одной стороны жизни (например, мира детства), предмета (интерьера, дизайна, архитектуры) или явления (ритуала, традиции, обычая), является той призмой, через которую можно посмотреть на историю в целом, почувствовать дух эпохи, понять истоки или причины развития определенного исторического процесса. Повседневность — это слепок с тех процессов, которые Марлен Дитрих происходят в обществе. Эта та жизнь, которую проживали каждый день, с ее радостями и печалями. Вещи способны нам сообщить массу подробностей о том, кто ими обладал, чем дышал, на что надеялся, к чему стремился. В каждой вещи, как в зеркале, отражены все процессы, происходившие во время ее бытования, в истории того пространства к которому относиться вещь. Например, появление мужских атрибутов одежды в женском костюме в ХХ в. (в Европе) говорит об изменении социального положения женщины, о процессах раскрепощения и эмансипации. Мода является той «лакмусовой бумажкой» которая показывает все изменения происходящие в обществе. Мода включает в себя все новое и ультранеобходимое, отбрасывая при этом, все отжившее и устаревшее. Мода является своеобразным ориентиром, для меняющегося общества, она помогает и подсказывает, как организовать свой быт, сообразно современным потребностям. Любые изменение в обществе, будь то политические, экономические, духовные, напрямую отражаются в обычной жизни обыкновенного, рядового человека. Сегодня мы наблюдаем такой феномен как мода на ретро, одна из основных причин это ностальгия по прошлой (зачастую молодой и счастливой) жизни. Переходное общество на сломе двух эпох отчаянно пытается найти опору в прошлом, так как будущее такого общества туманно. Современники проявляют интерес к тому как, как люди прошлого проживали свою обыденную жизнь (в какие магазины ходили, где отдыхали, что носили и т. п.) и, таким образом, формируется, тот самый, эффект соучастия. Мы можем практически прожить (или создать иллюзию такой жизни) жизнь интересующей нас эпохи. Одежда, мебель, автомобили, музыка, парфюмерия, кухня – все это дает эмоциональное познание мира прошлого. Корни которого, скрываются в современных явлениях. Такое познание побуждает узнавать все большее количество людей о жизнь своих предков. Рождает желание вернуться к истокам собственной культуры и духовности (что очень важно в наше бездуховное время). Наталкивает нас на собирание и коллекционирование образцов материального мира. Возникают целые клубы и движения связанные с интересом к вещам определенной эпохи. Простой пример такого интереса – коллекционирование старых фотографий, где изображены разные, ни чем не связанных между собой люди. Но при внимательном изучении их обнаруживается, что на фотографиях встречается одинаковая мебель, фасон платья или костюма, украшения и т.п. и все говорит о том, что люди, запечатленные на снимках проживали в одно, и то же время и в сходных бытовых условиях. Что в дальнейшем побуждает на более детальное изучение эпохи из которой родом эти фотографии. В результате такого изучения происходит преодоление стереотипов представления о жизни прошлого общества. Интерес общества к миру частной жизни обыкновенного человека становится все более массовым явлением. Так мы начинаем понимать, что историю творили (и творят) не великие личности, а обыкновенные люди, которые либо активно поддерживают, либо сопротивляются или же пассивно покоряются, изменениям происходящим в истории их мира. А мода является мощным источником такого познания. Читайте также: Кутюрье, модельер, дизайнер, стилист, Одежда, костюм, мода, Костюм: составляющие.