Рона

Ему всегда хотелось быть художником современности, воплощать сегодняшнее, соответствующее духу и облику каждого бегущего дня ощущение жизни. Поэтому он оказался художником очень советским. В 1924 г. с группой студентов Вхутемаса, где он учился в 1920-25 гг., Пименов участвовал в "Первой дискуссионной выставке объединений активного революционного искусства", а через год ее участники учредили Общество станковистов (ОСТ). "футбол, бокс, заводская архитектура, подъемные краны - все самоновейшее, самонаисовершенное - это было страстью моей и многих моих товарищей", - вспоминал художник.

Спасибо,скачаю обязательно.Жаль ребята не могут скачивать.

Танюша,посмотри.

всё неправильно.

"Задавая себе вопрос, был ли я счастлив в жизни, могу ответить вполне определенно - да. Разве не счастье вступить в жизнь из небытия, осознать свое Я, увидеть свет, день, солнце и пользоваться бесчисленными благами, щедро, в изобилии предоставленными матерью-природой человеку. Ощущение жизни - ощущение счастья..." ( Мартирос Сарьян). "Певец Армении" (1880-1972) Мартирос Сергеевич Сарьян родился 28 февраля (16 февраля, по старому стилю) 1880 года в армянском городке Новый Нахичевань близ Ростова-на-Дону в армянской семье, на северной окраине тех же Приазовских степей, которые дали русскому искусству Куинджи. http://www.saryan.am/gallery.html

ДЕРЕН, АНДРЕ (Derain, Andr) (1880–1954), французский художник, график, театральный декоратор, скульптор, керамист. Родился 10 июня 1880 в Шату-сюр-Сен близ Парижа. Учился у Э.Каррьера (1898–1899), а затем начал самостоятельно заниматься живописью, черпая вдохновение в работах своего друга Мориса Вламинка и позднее у Анри Матисса, которые оказали огромное влияние на формирование молодого художника. Картины Дерена впервые привлекли внимание публики на Осеннем Салоне 1905; в них мастер использовал резкие интенсивные цвета и смелый обобщенный рисунок; эти качества его работ сближали его с фовистами. Выполненные им виды Лондона и Темзы (1906) демонстрируют понимание цвета и рисунка, присущее фовизму, и полный отказ от импрессионизма. Позже увлечение живописью Сезанна подвигло Дерена к экспериментам в области построения живописного пространства, отчасти родственного ранним кубистическим композициям Пабло Пикассо. http://tmn.fio.ru/works/74x/308_2/m3_2.htm http://pintura.aut.org/BU04?Autnum=11.174 http://artnude.narod.ru/gal23/photo135.htm

Старинные часы еще идут Старинные часы свидетели и судьи Когда ты в дом входил они слагали гимны Звоня тебе во все колокола Когда ты не сумел меня понять Я думала замрут все звуки во Вселенной Но шли мои часы торжественно печально Я слышала их поминальный звон Жизнь невозможно повернуть назад И время ни на миг не остановишь Пусть неоглядна ночь и одинок мой дом Еще идут старинные часы Жизнь невозможно повернуть назад И время ни на миг не остановишь Пусть неоглядна ночь и одинок мой дом Еще идут старинные часы

Жорж Брак – основатель кубизма В 1882 году родился Жорж Брак – французский художник, основатель кубизма …не нужно даже пытаться подражать вещам, которые преходящи и постоянно меняются, и которые мы ошибочно принимаем за нечто неизменное. Жорж Брак Жорж Брак родился в семье ремесленников, учился в Гаврской Школе изящных искусств (1897- 1899), затем в Париже – в Академии Эмбера и Школе изящных искусств (1902-1903). Париж в то время был настоящим средоточием художественной жизни, своеобразной «Меккой» для художников со всего мира. Окунувшись в атмосферу зарождающихся новых художественных течений, великих экспериментов и революционных открытий в искусстве, Жорж Брак приобщается к фовизму – одному из первых «измов» ХХ века, представители которого стремились к максимальному использованию колористических возможностей живописи. «Матисс и Дерен указали мне путь», - скажет Брак впоследствии. Однако в истории искусств имя Жоржа Брака связано с возникновением другого художественного направления начала ХХ века – кубизма. http://www.rosculture.ru/milestones/day/show/?id=25571

По аэродрому, по аэродрому Лайнер пробежал, как по судьбе И осталась в небе светлая полоска Чистая, как память о тебе Вот и все, что было Вот и все, что было Ты, как хочешь, это назови Для кого-то просто Летная погода А ведь это - проводы любви

Рой Лихтенштейн (23 октября 1923 - 1997) - американский художник, один из лидеров поп-арта. Художник быстро вошел в "горячую нью-йоркскую пятерку" художников поп-арта. Он родился в Нью-Йорке, участвовал в мировой войне (график-картограф), окончил университет, женился, работал чертежником, оформителем витрин, рекламистом, дизайнером, преподавал в университетах. Пробовал писать исторические и жанровые картины в экспрессионистской манере. Это поп-арт! Долларовая банкнота в качестве законченного художественного произведения. Пытались многие: и Энди Уорхол, и Джаспер Джонс, и Рой Лихтенштейн. У последнего - изящная литография, созданная в 1956 г., то есть чуть раньше, чем у остальных. Но главное не доллар, главное - это комикс! Вот что уж точно придумал Рой Лихтенштейн. Берем фрагмент традиционной комиксовой картинки и переносим его на огромный (чем больше, тем лучше) холст. Текст в пузыре можно изменить, чтобы он стал остроумнее, абсурднее и таинственнее. Извлеченное из банального контекста банальное изображение становится значительным и непонятным. И в то же время приобретает декоративное качество. Оно теперь может быть пригодно и для глубоких толкований и для широкого использования в оформительском искусстве и дизайне. На полотне появляются симметричные точки, воспроизводящие укрупненный полиграфический растр. Эти точки (а иногда еще и косые фоновые штрихи, похожие на телевизионные помехи) становятся идеально узнаваемой маркой Лихтенштейна. И еще: ирония, внутренне присущая комиксовому изображению (как всему примитивному), при таком использовании многократно возрастает. Художник быстро вошел в "горячую нью-йоркскую пятерку" художников поп-арта. Соответственно, мировая слава и финансовое благополучие. Кроме комиксовых изображенией в классику поп-арта вошли также изображения геометрически идеализированных античных колонн в абсолютной пустоте. Далее Лихтенштейн довольно долго был занят переписыванием в духе поп-арта картин Моне, Матисса, Леже и других классиков, пытаясь "придать им больше жизни". Были и скульптуры, и настенные панно и другое. Два его шедевра погибли в башнях WTC 11 сентября.

Хуан Миро (Miro, Joan) (1893-1983 гг.), испанский живописец, скульптор, график, дизайнер. С 1919 г. подолгу жил в Париже, не порывая, однако, тесных связей с Испанией. Творчество Хуана Миро сюрреалистично. С утонченным декоративизмом Хуан Миро имитировал наивность детского рисунка, обращаясь к алогичным ситуациям и формам. На протяжении всей жизни Хуан Миро оставался верен главному принципу этого направления - освобождению творческого подсознательного начала из-под контроля логики и разума. Миро тем не менее отличался от остальных сюрреалистов разнообразием и жизнерадостностью полотен. В 1940 г. художник Миро вернулся в Испанию и жил главным образом на острове Майорка, продолжая активно работать до глубокой старости. Хуан Миро родился 20 апреля 1893 года в Барселоне. Миро с детства был равнодушен к занятиям и наукам, но с удовольствием рисовал. Родители не поддерживали желание юноши стать художником, но с 1907 по 1910 гг. Хуан Миро прошел обучение в художественной школе, после окончания которой отец Жоана настоял на том, чтобы его сын стал помощником бухгалтера в аптеке. Практически сразу же Хуан Миро заболел тифом, и у него случилось нервное расстройство. Почти год уходит на восстановление сил, и в это время Миро усиленно занимается рисованием. В 1912 году Хуан Миро поступает в частную школу в Барселоне и хочет посвятить себя живописи целиком. К 1920 году Хуан Миро становится достаточно известным художником. В этом году Жосеп Далмау (владелец салона - галереи, в прошлом - довольно посредственный художник) решает создать в Барселоне рынок для современного искусства и сооружает важную выставку французского авангарда, которая включила в себя также работы двух каталонцев - Хоакина Суниера и Жоана Миро. В 1924 году появился на свет первый номер "Сюрреалистической революции", возглавляемый Андре Бретоном, отмечающий формирование сюрреалистов как доминирующей группы в парижском авангарде - группы, которая была ориентирована на ниспровержение авторитетов и настроена на подсознательное восприятие окружающего мира. Чуть раньше был опубликован манифест сюрреалистов, а также было создано Бюро сюрреалистов. Все эти события сильно повлияли на Миро, сформировали его взгляды и явились источником вдохновения для многих его последующих работ. В 1926 году Миро приезжает в Испанию, в Кадакес вместе со своим торговым агентом Пьером Лёбом и знакомится там с Сальвадором Дали, которого позже приглашает в Париж. В тридцатые годы проходит много персональных выставок Миро в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. Миро хочет внести в живопись и сюрреализм что-то новое и необычное. Так он начинает экспериментировать с песком, камнем, наждачной бумагой, бечёвками и другими подручными материалами. Позже Миро увлекла керамика. В 1948 году состоялась, пожалуй, самая большая и самая важная выставка в жизни художника: в галерее Маг. Можно составить такую хронологическую таблицу наиболее значительных моментов творчества Жоана Миро: 1949 - выставка в Барселоне 1950 - выставки в Стокгольме и Берне 1955 - заказ ООН на роспись двух стен в Париже 1956 - ретроспективные выставки в Брюсселе и Амстердаме 1959 - премия Гуггенхейма 1961 - работа над большим панно из керамики для Гарвардского Университета 1966 - выставка в Лондоне 1966 - выставки в Японии и США 1967 - премия за вклад в живопись 1971 - выставки в США 1973 - выставки в Лондоне, Барселоне, Париже 1976 - открытие в Барселоне Фонда Миро 25 декабря 1983 Хуан умирает в Пальма де Мальорка. Про себя Хуан всегда говорил так: "Я начинаю рисовать, и, пока я рисую, картина сама утверждается под моей кистью. Когда я работаю, то некая субстанция становится для меня знаком женщины или птицы".

Швейцарский художник и график Пауль Клее родился в Мюнхенбукзее, близ Берна, 18 декабря 1879. Учился в школе Книтта и у Ф.Штука в Академии художеств в Мюнхене в 1898–1900, следующий год провел в Италии. Затем на несколько лет вернулся в Швейцарию, с 1906 жил в Мюнхене, а в 1920 начал преподавать в Баухаузе в Веймаре, а затем в Дессау. В 1929–1933 Клее преподавал в Академии художеств в Дюссельдорфе, после чего вернулся в Швейцарию. Несмотря на глубокое знание искусства прошлого и современности – от произведений примитивных народов до творчества Блейка, Гойи, кубистов, фовистов и немецких экспрессионистов, – Пауль Клее был одним из наиболее оригинальных и изобретательных художников 20 века. Кажется, что его образы возникли под влиянием чисто личных интуитивных впечатлений, а формы связаны с автоматическими, подсознательными ассоциациями и трактованы в явно нереалистической манере, хотя и редко достигают полной абстракции (Зоопарк, Нью-Йорк, коллекция Дженис; Волшебная рыбка, Голливуд, коллекция Аренсберг). Традиционные концепции пространства и рисунка заменяются построениями, напоминающими творчество детей или народный примитив (Пастораль, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Клее использует богатые и разнообразные оттенки. Как особенность его техники следует отметить чувственную, поэтическую и уравновешенную линию. Она столь спонтанна и гибка, что дает эффект свободной импровизации, однако всегда осмысленна и подчинена индивидуальному стилю автора (Маска страха, Нью-Йорк, коллекция Рус; Насмешка над насмешником, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Умер Клее в Муральто, близ Локарно, 29 июня 1940.

Жил да был художник Пауль Клее Где-то за горами, над лугами. Он сидел себе один в аллее С разноцветными карандашами, Рисовал квадраты и крючочки, Африку, ребенка на перроне, Дьяволенка в голубой сорочке, Звезды и зверей на небосклоне. Не хотел он, чтоб его рисунки Были честным паспортом природы, Где послушно строятся по струнке Люди, кони, города и воды, Он хотел, чтоб линии и пятна, Как кузнечики в июльском звоне, Говорили слитно и понятно. И однажды утром на картоне Проступили крылышки и темя: Ангел смерти стал обозначаться. Понял Клее, что настало время С музой и знакомыми прощаться. Попрощался и скончался Клее. Ничего не может быть печальней! Если б Клее был намного злее, Ангел смерти был бы натуральней, И тогда с художником все вместе Мы бы тоже сгинули со света, Порастряс бы ангел наши кости! Но скажите мне: на что нам это? На погосте хуже, чем в музее, Где порой вы бродите, живые, И висят рядком картины Клее — Голубые, желтые, блажные... Арсений Тарковский

В этот первый период творчества, в 1930-1939 гг., в произведениях Поллока очевидны симпатии к левым движениям, интерес к жизни рабочих. Его работы этого времени представляют собой попытку экспрессионистского переосмысления впечатлений от Дикого Запада. Вместе с тем он старался изучать и старых мастеров - сохранились серии его рисунков, являющихся переработкой картин Синьорелли и Эль Греко, двух художников, к которым Поллок испытывал особый интерес. В период Второй мировой войны Нью-Йорк стал новой столицей современного искусства: в этот город прибывали художники из оккупированной Европы; здесь проходили многочисленные выставки, посвященные современному искусству. На Поллока огромное впечатление произвели выставки Пикассо - "Герника", представленная в 1940 г. и ретроспектива "Пикассо. Сорок лет. 1900-1940". Европейский сюрреализм и изучение теорий Юнга определили творчество Поллока в 1940-е гг. В это время к художнику пришел и первый успех. Он участвовал в выставке "Американская и французская живопись", где его работы соседствовали с произведениями Пикассо, Матисса, Брака и Дерена. В 1943 г. состоялась первая персональная выставка мастера. В своих произведениях Поллок полностью отказался от какой-либо связи с действительностью, стремясь выразить лишь свое состояние. Он начал пользоваться изобретенной им техникой "дриппинг" - выдавливанием и разбрызгиванием краски из тюбика прямо на холст. Период с 1948 по 1954 гг. стал для Поллока периодом растущей славы. В конце сороковых он участвовал в протестах художников-абстракционистов против консервативности МоМА, выставлялся с Виллемом де Кунингом, Робертом Мазеруэллом, Францем Клайном и другими живописцами, вошедшими в историю искусств как представители "нью-йоркской школы". Эту группу один из критиков назвал "абстрактными экспрессионистами", и именно абстрактный экспрессионизм стал первым явлением американского искусства, добившимся всемирного признания и оказавшим влияние на Европу. В 1950 г. в журнале "Art News" была опубликована серия фотографий Ханса Намута, запечатлевшая Поллока за работой и вызвавшая сенсацию в мире. Художник раскладывал на полу мастерской натянутое на подрамник полотно и судорожными движениями покрывал его красками, то используя кисти, то просто выдавливая краску из тюбиков прямо на холст. В 1950 г. Поллок испытал потрясающий успех на венецианской Биеннале. В это время мастер написал такие произведения, как "Осенний ритм", "Лиловый туман", "Галактику" и "Белый свет". "Белый свет" (1954 г.) стал, чуть ли, не последней большой работой Джексона Поллака. Жить ему оставалось еще около двух лет, но кисть в руки он практически уже не брал. 11 августа 1956 г. Поллок погиб в автомобильной катастрофе.

Джексон Поллок еще при жизни стал классическим воплощением модернизма XX века. Поллок родился в 1912 г. в штате Вайоминг. Когда Джексону исполнилось семь лет, его семья переехала в Калифорнию. В 1928 г. он начал посещать Художественную школу в Лос-Анджелесе, а уже в 1930 г. перебрался в Нью-Йорк. Здесь он поступил в класс художника Томаса Харта Бентона, типичного американского реалиста левого уклона.

Климт (Klimt), Густав (1862-1918), известнейший австрийский живописец. Один из самых ярких представителей стиля модерн. Родился в предместье Вены в семье художника-гравера. Окончил венскую Школу декоративного искусства. Его раннии работы, состояли преимущественно из больших фресок для театров и были написаны в натуралистическом стиле. В росписях с изображением аллегорических фигур исполненных Климтом в 1890-1891 на сводах большой лестницы Музея истории искусств в Вене впервые появляются черты, ставшие основными в его творчестве - четкий силуэт и склонность к орнаментализму. После 1898, работы Климта, приобретают более декоративный, символический аспект. http://www.smallbay.ru/klimt.html

Константин Паустовский.Исаак Левитан. http://lib.ru/PROZA/PAUSTOWSKIJ/isaak_lewitan.txt

Архип Иванович Куинджи. http://www.artprojekt.ru/Gallery/Kuinji/index.html http://www.bibliotekar.ru/kKuindzhi/ Архип Иванович Куинджи - один из самых загадочных русских художников девятнадцатого века. Вся его жизнь, начиная с рождения, окутана мраком тайны и полутонами недосказанности. Что двигало им, когда он принимал самые важные решения в своей жизни? Откуда у начинающего художника была такая энергетика? Наконец, как он писал свои невероятные картины? http://www.kuindji.ru/arkhip/gallery.html http://www.museum-online.ru/Realism/Arhip_...uinji/Preview/1

Очень интересно.Пусть всё получится.

В 1848 году в отчетах Совета Московского художественного общества упоминается об успехах лучшего ученика перспективного и пейзажного класса А. К. Саврасова, которым руководит известный московский "видописец" К. И. Рабус.На средства И. В. Лихачева, мецената, члена Совета Московского художественного общества, Саврасов в числе учащихся летом 1849 года едет на юг России и пишет виды Одессы и Малороссии. За программные работы этого года художника награждают похвальным листом, а 25 сентября 1850 года он кончает Училище и получает звание неклассного художника за картины "Вид Московского Кремля при луне" и "Камень у маленького ручья". Первые пейзажи Саврасова непосредственно связаны с традициями академической школы. В академической пейзажной живописи 40-50-х годов преобладало романтическое направление, к нему был близок и учитель Саврасова. В юношеских произведениях Саврасова - "Вид Москвы с Воробьевых гор" (1848, ГТГ), "Вид Кремля в ненастную погоду" (1851, ГТГ) - сказалось внешнее влияние романтизма. Однако пейзажи Саврасова отличались живыми наблюдениями, искренностью чувств. Летом 1854 года художник работает у Финского залива под Петербургом. На осенней выставке в Академии художеств (6 октября 1854 г.) привлекли внимание две его картины: "Вид в окрестностях Ораниенбаума" и "Морской берег в окрестностях Ораниенбаума", за которые художнику присваивается звание академика. Обе картины значительно отличаются от его прежних работ. Избрав традиционный романтический мотив, художник ищет поэтичность не во внешних эффектах, а в лирическом воспроизведении природы. С любовью он передает очарование летнего вечера на взморье, влажность морского воздуха в тени вековых валунов, сумрак под широко раскинувшимися ветвями деревьев. В Москве Саврасов снова участвует в выставках Училища живописи и ваяния, а после смерти своего учителя в 1857 году становится руководителем пейзажного класса. Преподавание идет успешно, Саврасова окружают любящие друзья и ученики. В том же году он женится на Софье Карловне Герц, сестре известного археолога и историка искусства. В их доме собираются художники, деятели искусства, меценаты (в том числе и П. М. Третьяков), читаются литературные новинки, ведутся оживленные беседы, споры по вопросам, волновавшим в то время русское общество. Особенно дружен был А. К. Саврасов с В. Г. Перовым, инициатором создания Товарищества передвижных выставок. В. Г. Перов помогал художнику писать фигуры бурлаков в картине "Волга под Юрьевцем", Саврасовым же написан пейзаж в картинах Перова "Птицелов" и "Охотники на привале". Значительный этап в творческом развитии художника представляет картина "Пейзаж с рекой и рыбаком" (1859, Гос.. художественный музей Латвийской ССР). Здесь нет ни борьбы стихий, ни поражающих контрастов освещения. Спокойные линии берега, плавный силуэт купы деревьев, мягкий солнечный свет, озаряющий подмосковную долину. Для русского искусства 60-е годы прошлого столетия были временем утверждения национального характера русского пейзажа. Все чаще пейзажисты обращаются к изображению преимущественно сельской среднерусской полосы, стремятся правдиво передать красоту родной земли. Много работает Саврасов в окрестностях Москвы: "Вид в селе Кунцево" (1855, ГТГ), "Вечерний пейзаж" (1861, Гос. художественный музей Латвийской ССР), "Сельский вид" (1867, ГТГ). Весной 1862 года по предложению Общества любителей художеств А. К. Саврасов выехал за границу, посетил Всемирную художественную выставку в Лондоне, побывал в Копенгагене, Берлине, Дрездене, Лейпциге, Париже, Мюнхене, прожил два месяца в горной Швейцарии. Английские и немецкие мастера привлекли внимание художника "стремлением к правде и самостоятельности". Наиболее значительным произведением Саврасова 60-х годов была картина "Лосиный остров" (1869, ГТГ), удостоенная первой премии на конкурсе Московского Общества любителей художеств. Отмечая эту удачу, один из современников писал об умении художника "поэтично пе-ренесть на полотно знакомый каждому из нас клочок природы из окрестностей Москвы". Величавый и торжественный сосновый бор стоит, как страж раскинувшихся далей.Ясный летний день.На лугах мирно пасется стадо. Тщательно разработана в пейзаже каждая деталь: кусты, деревья, трава на поляне. Здесь художник раскрывает значительность обычного и повседневного в природе. Картина "Лосиный остров" относится ко времени расцвета творчества художника. Последующие годы ознаменованы созданием лучших его произведений. В декабре 1870 года А. К. Саврасов вместе с женой едет на Волгу. Он живет в Ярославле, под Костромой, в Нижнем Новгороде, Юрьевце. Картина "Печерский монастырь под Нижним Новгородом" (1871, Горьковский гос. художественный музей) - одно из самых больших полотен художника и первый из известных его волжских пейзажей. Саврасов покорен величавой торжественностью, необъятными просторами волжской природы, ее органической связью с жизнью человека, с жизнью русского народа. В широкую панораму пейзажа естественно вписаны дома слободки с садами, зеленеющие луга, синие лагуны, песчаные отмели, и над всем - возвышающийся белокаменный монастырь. Природа и человек в картине едины. "Тихая жизнь в Ярославле позволяет мне сосредоточенно заниматься искусством", - пишет художник П. М. Третьякову. Одна за другой появляются картины "Волга под Юрьевцем" (1871, местонахождение неизвестно), "Разлив Волги под Ярославлем" (1871, ГРМ) и, наконец, "Грачи прилетели" (1871, ГТГ), появившаяся на Первой передвижной выставке, восторженно принятая всеми. "Пейзаж „Грачи прилетели" есть лучший, и он, действительно прекрасный, хотя тут и Боголюбов, и барон Клодт, и И. И. (Шишкин. - О. И.). Но все это - деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в „Грачах"", - писал И. Н. Крамской Ф. А. Васильеву. Появлению картины предшествовали этюды с натуры, написанные художником в Ярославле и в селе Молвитиново близ Костромы. Неяркий и тонкий колорит, построенный на мягких сочетаниях серых, коричневых, белых и голубых тонов, передает перламутровую нежность весенних красок. В северной природе после долгой зимы пробуждение наступает медленно. Снег долго лежит на полях, коченеют на ветру деревья, и вдруг все наполняется легким трепетом жизни, радостным гомоном птиц. Белоствольные березки тонкими ветвями устремляются к легким облакам, голубеющему небу, под теплым дуновением ветра розовеют и набухают почки, шумные грачи вьют гнезда. Воздух весенний, легкий, прозрачный и ясно видны высокая каменная церквушка с шатровой колокольней и широкие просторы полей с рекой вдалеке. "Какая простота! - писал И. И. Левитан. - Но за этой простотой вы чувствуете мягкую, хорошую душу художника, которому все это дорого и близко его сердцу". Никто до Саврасова не мог так глубоко и поэтично раскрыть красоту и лиричность русского пейзажа. Картина "Грачи прилетели" способствовала успеху Первой передвижной выставки. С тех пор Саврасов прочно связал свою творческую деятельность с Товариществом передвижных выставок. Многие произведения художника, которые появлялись на выставках передвижников, были написаны в Поволжье. Саврасов бывал под Нижним Новгородом и под Казанью, но больше всего любил места между Ярославлем и Костромой. Его картины многообразны по передаче состояния природы, диапазону чувств. В пейзаже "Разлив Волги под Ярославлем" (1871, ГРМ) спокойная мощь русской природы, "разливы рек, подобные морям". В одних произведениях природа предстает обновленной, ликующей - "Проселок" (1873, ГТГ), "Радуга" (1875, ГРМ), в других - взволнованной, поэтически приподнятой - "Вечер. Перелет птиц" (1874, Одесская картинная галерея). В 70-е годы в произведениях Саврасова все более ощущается печаль, тревога, а то и острая тоска: "Лунная ночь. Болото" (1870, ГТГ), "Закат над болотом" (1871, ГРМ). Под впечатлением личной трагедии (смерть дочери в 1871 г.) Саврасов создает одно из самых драматических своих полотен "Могилы над Волгой" (1874, частное собрание). В конце 70-х годов художник тяжко заболевает, в творчестве его заметны черты упадка. Но и в поздний период появляются подлинно поэтические произведения, и среди них - "Рожь" (1881, ГТГ), "Зимний пейзаж" (частное собрание), "Северная деревня", "Весна. Огороды" (1883, Пермская гос. художественная галерея). Нелегкими оказались для художника последние десятилетия. Известны прошения Саврасова о денежных ссудах, о казенной квартире: эти годы А. К. Саврасов провел в глубокой нужде и умер 26 сентября 1897 года в Москве. Его ученик И. И. Левитан писал: "Не стало одного из самых глубоких русских пейзажистов, с Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле. Да, покойный Саврасов создал русский пейзаж, и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества". Материалы из книги: Дмитриенко А.Ф., Кузнецова Э.В., Петрова О.Ф., Федорова Н.А. 50 кратких биографий мастеров русского искусства. Ленинград, 1971 г. http://www.artprojekt.ru/Gallery/Savrasov/index.html http://www.radmuseumart.ru/pages/index.asp...amp;id_header=9

А.П.Боголюбов. http://www.radmuseumart.ru/news/index.asp?...p;id_header=590

Вопрос:

Звонила в Адасу:разрешения нет.Ждут в конце месяца.У нас это "бесконечная история".Вроде есть разрешение в Америке.10 к врачу,согласна быть"мышкой".По ТВ была передача.Лекарство не останавливает болезнь, лечит.

Никас Сафронов http://nikas.artnow.ru/

Никас Сафронов.